Anton Kaestner - #188 - S - " Backwash 1 ".

Unik stykke, originalt maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#188 - S - "Backwash 1".

Akvrylmaling i spray på 3 mm plexiglassplate.
Dette verket er ingen trykk. Det er et originalt verk i "multi-lag" hvor den blanke, glossye finishen som minner om påføring av en resin, er unik.

Dimensjoner: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 Natura Hvit eller Sølv matt (0,23" x 1,38" / 0,6" x 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved forsendelse mot en tilleggskostnad på 70€ inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et autentisitetssertifikat følger.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter bosatt i Paris. Verkene hans stilles ut over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg finner du på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling – Lausanne mai 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av naturens skjønnhet og det kulturelle mangfoldet i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i min familie, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse sådde frøet til det som senere skulle bli min livslange lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akryl på A4- og deretter A3-notatblokker – jeg har alltid følt at store bilder møter deg rett i ansiktet, dominerende og skremmende, mens små verker kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maling og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og selv om jeg regner meg som ateist, utviklet jeg også en kjærlighet til åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli en kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår fulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som førte meg verden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, gjennom Asia og Frankrike. Mine reiser bredte mitt syn, og eksponerte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Uansett hvor jeg dro, fordypte jeg meg i de lokale kunstscenene og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på min forretningskarriere var kunst alltid en del av meg, stille simmerende under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og konsentrere meg om mitt indre.

Jeg har alltid funnet enorm tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre et ekte møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sitt eget liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra min forretningskarriere, viet jeg meg fullt til maleri. Jeg etablerte mitt studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk arbeidet raskt anerkjennelse, og fant plass i private samlinger over hele Europa, særlig i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

Ved utgangen av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første separate utstilling, "Échos", som fant sted i Paris mot slutten av 2024, viste en distinkt tilnærming til kunst som var avstikkende fra tradisjonelle maleriteknikker: Jeg maler med akryl, metallpigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glossy og noen ganger skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg velkommen. Jeg tillater «tilfeldige eksperimenter» - alt går for å kortslutte fornuften! - å veilede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gir rom for åpenbaring og oppdagelse når verket endelig blir utstilt. Men la oss være klare: i bildene mine tar ikke tilfeldighetene beslutningene; mest av alt stiller tilfeldighetene spørsmål; meningsfulle “sammenfall” er bare mulige med mye disiplin. Denne tilnærmingen som klinger med fotografiets avslørings-/fikseringsprosess er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen blir beriket av lag og transparenser, samtidig som hvert verk får en“asketisk” kvalitet: Jeg er fornøyd når jeg gjenkjenner “uunngåelig nødvendigheter”, altså det vi sannsynligvis vil oppdage når vi stanser i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “følelser” eller “teoretisk begrep” men erfaring av å være. Verken “raskt konsum” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, mitt kunst er en søken etter “livets kjerne”, for hva Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgien alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Derfor har de verken innhold, mening eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også har verken grunn til å være, slutt eller formål. Siden arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle gjennomskinnelighet og lysstyrke i farget glass, forblir det nesten fullstendig abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skinnende hud hvor man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk opptrer som et diskret speil: det lever, det endrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, også manglende deler, krever bare empati. Forhåpentlig vil lek mellom “detaljer for nærhet” - et detalj av et bilde er et helt nytt bilde - og “avstand for helheten” oppmuntre betraktere til å begi seg ut på sine egne introspektive reiseforsøk.

Jeg påstår ikke at jeg har alle svarene og ønsker å være ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige spørsmålstillingen og vekst. Hvert nye verk er en konfrontasjon med mine grenser, driver meg til å forbedre mine ferdigheter og utforske mer av hva jeg kan oppnå. Å male er for meg et daglig håndverk, en utforskning, en måte å fremkalle meningsfulle samtaler, en søken etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Alderdelen av det uformelle har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksisen forsterker lidenskapen for å se.

Om kohærensen i min praksis

I landskapet av samtidskunst, der konsept og form har lik vekt, søker jeg å skape arbeid som ikke defineres av herravälde, men av tilstedeværelse. Mine malerier – skinnende felter av farge og lys innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre på det endelige bildet enn den stille samspillet av tanke og prosess som lar det komme frem.

Denne praksisen hviler på tre sammenkoblede intensjoner.

Den første er et Tilbaketrekking fra påtvunget mening. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og som å ha “hverken innhold, mening, eller sans”, håper jeg å løsne forventningen om narrativ. Det er en invitasjon til å trekke seg tilbake fra kilde- og dekoding, og mot en mer direkte form for betraktning.

Dette fører til den andre intensjonen: Fortrinnet tillevd erfaring. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “erfaring av å være.” Verket blir mindre et objekt som skal tolkest og mer en stille hendelse å føle – formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sitt eget blikk. Som jeg ofte bemerker, “lever det, det endrer seg, det ser.”

Det tredje er der ideen møter hånden: Prosess som legert tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis som gir slipp. Dette er en bevisst frigivelse av kontroll i selve skaperakten. Jeg setter betingelsene, men overgir utfallet, slik at maleriet blir det jeg kaller et selvstendig “objekt av seg selv,” fullt avslørt først når det er fullført. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling – tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde disse intensjonene følger noen delikate paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘sammenfaller’,” men de er bare mulig innenfor nøye rammer. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en påstand, men en tilstand – en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgia for nåtiden
En myk nostalgi henger ved i verket, men den er merkelig nok rettet mot nåtiden: et behov for de “uunngåelige nødvendigheter” funnet i “stille og lys” – et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og letthet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men søker et resultat som føles selvstendig, som om det “oppsto av sin egen vilje.” Jeg blir trukket mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til at “alderskapet av det uformelle nettopp har begynt.” Min praksis skylder ånden til Art Informel, om enn kanskje med mindre angst og mer ro – en uformellhet der tilfeldigheten ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I kjernen er det en søken etter “le vif” – det levende kjernen. Verket trekker mot direkte erfaring snarere enn intellektualisering. Den beskjedne skalaen jeg ofte velger er ment å oppmuntre intimitet, ikke scenografi.
Til slutt er dette bare én kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkel søken. Jeg har funnet ut at en praksis basert på stille paradokser ikke trenger være sårbar. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, tror jeg, en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner