Anton Kaestner - #197 - S - " Backwash 2 ".

Unik stykk, originalmaleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#197 - S - " Backwash 2 ".
Et vakkert lite maleri som tilbrakte fjoråret i Australia.

Sprøyteakkryl på 3 mm plexiglassplate.
Dette maleriet er ikke et trykk. Det er et originalverk i flere lag, hvis blanke, glansfulle uttrykk som ligner på påføring av en harpiks er unikt.

Dimensjoner: Tommer 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Ramme av god kvalitet fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 Natura Hvit eller Sølv matt (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefales og er tilgjengelig ved forsendelse mot en tilleggsavgift på 70€ inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et autentisitetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter bosatt i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling - Lausanne mai 2026.

Biografi
Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturskjønne skjønnheten og kulturelle rikdom i hjemlandet. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse satte frøet til det som senere skulle bli livets lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akryler i A4- og deretter A3-notatbøker - jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og mens jeg anser meg selv som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til virkelig å bli en kunstner ikke umiddelbar.
I mer enn tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg rundt om i verden, fra USA til Marokko, Belgia, Asia ogFrankrike. Mine reiser bredte mitt perspektiv, og eksponerte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Hvor jeg enn dro, fordypte jeg meg i lokale kunstscener og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på forretningskarrieren var kunst alltid en del av meg, stille småkokt under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg—en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre.

Jeg har alltid funnet enorm tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og levere gjennom ekte opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sitt eget liv.

I 2023, etter å ha trukket seg fra forretningskarrieren, forpliktet jeg meg fullt og helt til maleri. Jeg opprettet mitt studio i Paris og begynte å vie meg helt til min kunst. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk arbeidet rask anerkjennelse og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i et ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første ensentlige utstilling, "Échos", holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, borte fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metallpigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glansfull og noen ganger sårbar overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen—noe jeg velger. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” - alt er tillatt for å avkorte fornuft! - å lede utfall, lagene og speileffektene jeg skaper, og gi rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir utstilt. Men la oss være klare: i mine bilder tar tilfeldigheter aldri avgjørelsene; i verste fall stiller tilfeldigheten spørsmål; meningsfulle “sammenfaller” er kun mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen som ekkoer med avslørings-/fiksjonsprosessen i fotografi, er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og transparenser, samtidig som hvert verk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er lykkelig når jeg gjenkjenner “irreducerbare nødvendigheter”, dvs. hva vi sannsynligvis oppdager når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “emisjon” eller “teoretisk begrunnelse” men erfaring av å være. Verken “rask konsum” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men bredere bevissthet og utforskning av virkeligheten, av dens synlige og usynlige historier, mitt kunstverk er en søken etter “livet i selve kjernen av livet”, for det Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten gjenstand. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, betydning eller mening; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også ikke har noen grunn til å være, heller ikke ende eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle gjennomsiktigheten og lysstyrken i farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en glitrende hud der man kan skimte sin egen silhuett, ulik for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, også av de manglende delene, krever bare empati. Forhåpentligvis vil spill mellom “detaljer for nærhet” - et lite bilde er et helt nytt bilde - og “avstand for helheten” oppmuntre betraktere til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å være ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hver nye skapelse er en konfrontasjon med mine grenser, som presser meg til å finjustere mine ferdigheter og utforske nærmere hva jeg kan oppnå. For meg er maleri en daglig håndverksjobb, en utforskning, en måte å skape meningsfulle samtaler, en jakt etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Den informelle tidsalder har fortsatt bare begynt.

Som Jean Bazaine ville si: "Den daglige praksisen fordobler lidenskapen for å se.

Om sammenheng i min praksis

I landskapet innen samtidskunst, hvor konsept og form har like mye vekt, søker jeg å skape verk som ikke defineres av fremtredende posisjon, men av tilstedeværelse. Mine malerier — glitrende fargemarker og lys innen plexiglass — er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det egentlige fokuset mindre finalbildet enn den stille samspillet mellom tanken og prosessen som lar det oppstå.

Denne praksisen hviler på tre sammenkoblede intensjoner.

Den første er en Tilbaketrekning fra Imponert Betydning. Ved å beskrive verkene som “uten gjenstand” og å ha “verken innhold, betydning eller mening”, håper jeg å løsne forventningen om fortelling. Det er en invitasjon til å trekke seg unna avkodingen, og mot en mer direkte form for betraktning.

Dette leder til den andre intensjonen: Primacy of Lived Experience. Inn i den åpne plassen prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “opplevelse av å være.” Verket blir mindre en gjenstand som skal tolkest, enn en stille hendelse å føle—formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sitt eget blikk. Som jeg ofte bemerker, lever stykket “det lever, det endrer seg, det ser.”

Den tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som Inkarnert Tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis av å gi slipp. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et frittstående “objekt av seg selv,” fullt avslørt først når det er fullført. Det er et stille parallell til fotografisk utvikling—tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde disse intensjonene er noen få vennlige paradokser som opprettholder verket:

- Tilfeldighet og Disiplin
Jeg taler om “meningsfulle ‘sammenfaller’,” men de er bare mulige innenfor nøye grenser. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen er bygget med omtanke.
- Kommunikasjon Uten Budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en erklæring, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille nærhet, en håndgripelig stillhet.
- Nostalgi for Nåtiden
En myk nostalgi henger igjen i verket, men den er merkelig nok rettet mot nåtiden: et ønske om de “irreducerbare nødvendigheter” funnet i “stillhet og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.
- Innsats og Innsatsløshet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men søker et resultat som føles autonomt, som om det “oppstod av egen vilje.” Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “tiden for det uformelle har bare begynt.” Min praksis skyldes ånden til Art Informel, selv om kanskje med mindre angst og mer ro—en uformellhet hvor tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille samarbeid.

I kjernen er det en søken etter “le vif”—det levende kjernen. Verket trekkes mot direkte erfaring heller enn å intellektualisere. Den beskjedne skala jeg ofte velger er ment å oppmuntre til intimitet, ikke til spektakel.
Til syvende og sist er dette bare én kunstners sti. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en eneste bestrebelse. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradoks ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandskraft.

Anton Kaestner