Anton Kaestner - #364 - S - " Chromatic MR#5 ".

Unik kunstverk, originales maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#364 - S - "Chromatic MR#5".

Akryl spray på plexiglassplate på 3 mm.
Dette maleriet er ikke et trykk. Det er et originalt verk i "multilags" som har en briljant, blank overflate som ligner på påføring av resin, og som har en unik effekt.

Dimensjoner: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 (9,0 cm x 1,38 cm / 0,6 x 3,5 cm), anbefalt og tilgjengelig ved forsendelse for en tilleggskostnad på 70€ inklusive mva.

Verket er signert på baksiden.
Et autentisitetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, billedhugger og forfatter bosatt i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling – Lausanne mai 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og kulturelle rikdom i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantedens frø til det som senere skulle bli min lidenskap i livet.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og mens jeg regner meg som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskets eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til virkelig å bli kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg verden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, over Asia og Frankrike. Mine reiser bredte ut mitt perspektiv, og utsatte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Hvor jeg enn gikk, fordypte jeg meg i de lokale kunstscenene og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på min forretningskarriere var kunst alltid en del av meg, stille simmerende under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre selv.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre en oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sitt eget liv.

I 2023, etter å ha trådt av min forretningskarriere, satset jeg fullt ut på maleri. Jeg etablerte studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstnerkarriere, og overraskende raskt ble arbeidet mitt anerkjent, funnet i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første soloutstilling, "Échos," som fant sted i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, borte fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metallpigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, blank og noen ganger skjør overflate. Denne prosessen forhindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg velkommer. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” – alt går for å avkorte fornuften! – å veilede resultatet, lagene og speileffektene jeg skaper, og la rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket etter hvert blir utstilt. Men for å være tydelig: i bildene mine tar ikke tilfeldighetene beslutningene; i verste fall stiller tilfeldighetene spørsmål; meningsfulle “samsåelser” er bare mulige med stor disiplin. Denne tilnærmingen som klinger med åpenbaring-/fikseringsprosessen i fotografi er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og transparenser som likevel gir hvert verk en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad når jeg gjenkjenner “irreducible necessities”, dvs. det vi sannsynligvis oppdager når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “følelser” eller “ teoretisk oppfatning” men opplevelsen av å være. Verken “raskt konsum” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkelighet, av dens synlige og usynlige historier, mitt kunst er en søken etter “livet i livets kjerne”, det som Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekter. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Derfor har de verken innhold, mening eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også har verken grunn til å være, eller ende, eller formål. Selv om arbeidet mitt noen ganger kan minne om åpenheten og lysstyrken i farget glass, forblir det (nesten) helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en glitrende hud hvor man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentligvis vil leken mellom “detaljer for nærhet” – en detalj av et bilde er et helt nytt bilde – og “avstand for helheten” oppmuntre betrakterne til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg sier ikke at jeg har alle svarene og vil være ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nye verk er en konfrontasjon med mine grenser, som presser meg til å forbedre mine ferdigheter og utforske videre hva jeg kan oppnå. For meg er maling en daglig håndverk, en utforskning, en måte å sette i gang meningsfulle samtaler, en søken etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Alderens uformelle har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksis ganger lidenskapen for å se."

Om kohærensen i min praksis

I landskapet av samtidskunst, der begrep og form har like mye vekt, søker jeg å skape verk som ikke er definert av fremtredende plass, men av nærvær. Maleriene mine – skimrende felter av farge og lys i plexiglass – er de stille resultatene av en lang og gjennomtenkt undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre på det endelige bildet enn den stille samspillet mellom tanke og prosess som får det til å oppstå.

Denne praksisen hviler på tre sammenfalte intensjoner.

Den første er et Trekk tilbake fra pålagt meningsinnhold. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og ha “hverken innhold, eller mening, eller sans”, håper jeg å løsne forventningen om narrativ nøye. Det er en invitasjon til å trekke seg tilbake fra dekoding, og mot en mer direkte måte å se på.

Dette leder til den andre intensjonen: Primatet av levd erfaring. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “erfaring av å være.” Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse som skal føles – formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag, og den svake refleksjonen av betrakteren møter sitt eget blikk. Som jeg ofte påpeker, lever stykket, det forandrer seg, det ser.

Den tredje er der idé møter hånd: Prosess som kroppslig tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis å slippe kontroll. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utgangen, slik at maleriet blir det jeg kaller et uavhengig “objekt i seg selv”, fullt avslørt først når det er fullført. Det er en stille parallel til fotografisk utvikling – tålmodig venting på hva som kommer “her og nå.”

Å holde disse intensjonene er noen få milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘samsåelser’,” men de er bare mulig innenfor nøye rammer. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omtanke.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å “kommunikere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en erklæring, men en tilstand – en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgia for the present
En myk nostalgi henger igjen i verket, men den er underlig rettet mot nåtiden: et ønske om de “irreducible necessities” funnet i “stillhet og lys” – et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og letthet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men søker et resultat som føles autonomt, som om det “oppsto av egen vilje.” Jeg trekkes mot det som virker helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “den uformelle tidsalder nettopp har begynt.” Min praksis er inderlig avhengig av ånden i Art Informel, om enn kanskje med mindre smerte og mer ro – en uformellhet hvor tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I hjertet er det en søken etter “le vif” – det levende kjernen. Verket lene mot direkte erfaring snarere enn intellektualisering. Den beskjedne skala jeg ofte velger, er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakel.

Til syvende og sist er dette bare en enkel kunstnersti. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av et enkelt forfølgingsmål. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradoks ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, tror jeg, en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner