Anton Kaestner - #332/2 - S - " Enough 2 ".

Én unik, original maleri av Anton Kaestner, direkte fra studioet.
#332 - S - " Enough 2 ".

Sprøytemaling på plexiglassplate på 3 mm.
Dette maleriet er ikke et trykk. Det er et originalt verk i "multi-lag" hvis blanke, glossy utseende som ligner på påføringen av et resin er unikt.

Dimensjoner: 8,7 x 12,6 x 0,12 tommer / 22 x 32 x 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Ramme av høy kvalitet fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 (8,9 x 0,23 x 1,38 cm / 0,6 x 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved frakt mot tillegg på 70 € inkl. mva.

Verket er signert bakpå.
Et autentisitetssertifikat følger med.
Forsendelsen er dekket av forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter bosatt i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg finner du på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling - Lausanne mai 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og den kulturelle rikdommen i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantedet for det som til slutt skulle bli livets lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterende med utallige akrylmalerier i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder møter deg rett på, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og selv om jeg anser meg selv som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de svarte til min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli en kunstner ikke umiddelbar.
I mer enn tre tiår fulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg rundt om i verden, fra USA til Marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet mitt perspektiv og utsatte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Uansett hvor jeg dro, fordypet jeg meg i de lokale kunstmiljøene og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på forretning ble kunst alltid en del av meg, stille småkoke under overflaten. I nærmere 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre selv.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom genuine opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre et ærlig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra en annen synsvinkel og reflektere over sitt eget liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra forretningskarrieren, viet jeg meg fullt ut til maleri. Jeg etablerte studioet mitt i Paris og begynte å vie meg helt til min kunst. Ved utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk verkene rask anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første soloutstilling, "Échos", holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, borte fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glansfull og av og til skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuelt tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg ønsker. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” – alt går for å avkorte rasjonaliteten! – å lede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gi rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir vist. Men la oss være klare: i bildene mine tar sjansen aldri beslutningene; mest av alt stiller sjansen spørsmålene; meningsfulle “samsyn” er kun mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen som gjenspiller åpenbarings-/fikseringsprosessen i fotografiet er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og transparens samtidig som hvert verk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad når jeg gjenkjenner “irreversible nødvendigheter”, dvs. hva vi sannsynligvis vil oppdage når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “følelse” eller “teoretisk begrep” men erfaring av å være. Verken “rask konsum” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, mitt kunstverk er en søken etter “livet i livets kjerne”, det Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter, er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, eller mening, eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også ikke har noen grunn til å være, noe slutt eller hensikt. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle åpenhet og lysstyrke av farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skinnende overflate hvor man kan se sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskré speil: det lever, det endres, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentlig vil spill mellom ”detaljer for nærstudiet” – et nybilder helt nytt bilde – og “avstand for helheten” oppmuntre betrakterne til å begi seg ut på egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å forbli ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen av spørsmål og vekst. Hvert nytt kreasjon er en konfrontasjon med mine grenser, som tvinger meg til å skjerpe ferdighetene mine og utforske videre hva jeg kan få til. Å male er for meg et daglig håndverk, en utforskning, en måte å stimulere meningsfulle samtaler, en søken etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Den uformelle æraen har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksisen forsterker lidenskapen for å se."

Om sammenheng i min praksis

I den samtidskunstlandskapet, hvor konsept og form har like stor vekt, søker jeg å skape verk som defineres ikke av framtrådende, men av nærvær. Mine malerier – skinnende farger og lysfelt innen plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det egentlige fokuset mindre på det endelige bildet enn på det stille samspillet mellom tanke og prosess som gjør det mulig å komme fram.

Denne praksisen hviler på tre samsvarende intensjoner.

Første er et Utkast fra påtvunget mening. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og som “hverken innhold, mening eller sans”, håper jeg å lønne forventningen om fortelling sakte. Det er en invitasjon til å trekke seg unna dekoding, og mot en mer direkte form for betraktning.

Dette fører til den andre intensjonen: Primatet av levd erfaring. Inn i dette åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “opplevelse av å være.” Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse å føle—formet av skiftende lys, transparente lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sin egen blikk. Som jeg ofte påpeker, “verket lever, det endres, det ser.”

Den tredje er der ideen møter hånd: Prosess som legemliggjort tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis av å slippe kontrollen. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter forholdene, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller en selvstendig “gjenstand av seg selv”, fullt synlig først når det er komplett. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling—en tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde fast ved disse intensjonene er noen få myke paradokser som opprettholder verket:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg taler om “meningsfulle ‘samsyn’,” men de er bare mulige innenfor nøye grenser. Tilfeldighet er en ønsket gjest, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikasjon Uten Budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles, ikke er en påstand, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgi for Nået
En myk nostalgi henger igjen i verket, men den er nysgjerrig rettet mot nået: et lengsel etter de “irreversible nødvendigheter” funnet i “stillhet og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som verket i seg selv stille tilbyr.

Anstrengelse og anstrengelsesløshet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men har som mål et resultat som føles autonomt, som om det “oppsto av egen fri vilje.” Jeg trekker mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “den uformelle tidsalderen har bare så vidt begynt.” Min praksis er i gjeld til ånden av Art Informel, om enn kanskje med mindre angst og mer ro—en uformellitet hvor tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille medarbeider.

I kjernen ligger en søken etter “le vif” — det levende kjernen. Verket trekker mot direkte erfaring snarere enn intellektualisering. Den beskjedne skala jeg ofte velger er ment å oppmuntre intimitet, ikke skue.
Til syvende og sist er dette bare én kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkel søken. Jeg har funnet ut at en praksis som er forankret i stille paradoks ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, tror jeg, en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner