Anton Kaestner - #332/1 - S - " Enough 1 ".

Één-stykke originalt maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#332 - S - " Enough 1 ".

Sprøytemaling på akrylplate av 3 mm plexiglass.
Dette maleriet er ikke en trykkede kopi. Det er et originalt fler-lags verk hvis blanke, glossy utseende, nær applying av et resin, er unikt.

Mål: Tommer 8,7 * 12,6 * 0,12 / 22 * 32 * 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Ramme av kvalitetsmerket tysk Nielsen i aluminium, referanse 34 (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved forsendelse for en tilleggskostnad på 70€ inkl. mva.

Verket er signert bakpå.
Et ekthetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, billedhugger og forfatter bosatt i Paris. Verkene hans er utstilt over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og valg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling - Lausanne mai 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av det naturlige skjønnhet og kulturelle rikdom i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i familien, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantet frøet til det som senere skulle bli min livslange lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimentere med utallige akryler i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og mens jeg anser meg selv som ateist, utviklet jeg også en glede for åndelige materialer ettersom de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli kunstner ikke umiddelbar.
I mer enn tre tiår fulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg rundt i verden, fra USA til Marokko, Belgia, gjennom Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet perspektivet mitt, og utsatte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Hvor jeg enn dro, fordypet jeg meg i det lokale kunstfeltet og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokus på forretningskarrieren, var kunst alltid en del av meg, stille simmerende under overflaten. I nærmere 30 år ble maling en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre.

Jeg har alltid funnet enorm tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre et ærlig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha gått av med pensjon fra min forretningskarriere, bestemte jeg meg helt for å male. Jeg opprettet mitt studio i Paris og begynte å vie meg fullt til min kunst. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk verkene raskt anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første soloutstilling, "Échos", som ble holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, avvikende fra tradisjonelle maleteknikker: jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glossy og noen ganger skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen—noe jeg ønsker. Jeg tillater "tilfeldige eksperimenter" – noe som helst kan brukes for å kortslutte fornuften! – å veilede resultatet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gir rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig stilles ut. Men la oss være klare: i bildene mine tar ikke tilfeldighetene beslutningene; mest av alt stiller tilfeldighetene spørsmål; meningsfulle “sannsynligheter” er kun mulige med stor disiplin. Denne tilnærmingen som minner om åpenbarings- / fikseringsprosessen i fotografi er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og transparenser og gir hvert verk en “asketisk” kvalitet: jeg er lykkelig når jeg gjenkjenner “irreducible necessities”, dvs. det vi sannsynlig oppdager når vi stanser i stille og lys.

Jeg holder tilnærmingen bevisst enkel. Verken “emosjon” eller “teoretisk begrep” men erfaringen av å være. Verken “raskt forbruk” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men bredere bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en jakt på “livet i hjertet av livet”, for det Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekter. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, eller mening, eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også har verken grunn til å være, slutt eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle åpenheten og lysstyrken til farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skimrende hud der man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det endres, det ser. Samspillet av lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentlig vil leken mellom “detaljer for nærhet” - et lite detalj av et bilde er et helt nytt bilde - og “avstand for helheten”, oppmuntre betrakterne til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å forbli ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nye verk er en konfrontasjon med mine grenser, som presser meg til å finpusse ferdighetene og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male er for meg et daglig håndverk, en utforskning, en måte å skape meningsfulle samtaler på, en jakt etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Alderen for uformelt har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksisen forsterker lidenskapen for å se.

Om sammenhengen i min praksis

I landskapet av samtidskunst, der begrep og form har like mye vekt, søker jeg å skape verk som defineres ikke av fremtredende plass, men av nærvær. Mine malerier — skimrende felt av farge og lys innenfor plexiglass — er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre sluttbildet enn den stille samspillet av tanke og prosess som gjør det mulig å oppstå.

Denne praksisen hviler på tre samstemte intensjoner.

Den første er en Tilbaketrekning fra påtvunget mening. Ved å beskrive verkene som “uten objekter” og å la dem ha “hverken innhold, mening, eller sans”, håper jeg å løsne forventningen om narrativ forsiktig. Det er en invitasjon til å trekke seg tilbake fra dekoding, og mot en mer direkte type betraktning.

Dette fører til den andre intensjonen: Den Primære betydningen av levd erfaring. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “opplevelse av å være”. Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse som skal føles—formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sin egen blikk. Som jeg ofte bemerker, “lever det, det endrer seg, det ser.”

Den tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som legemlig tenkning. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis for å slippe taket. Det er et bevisst frigjøring av kontroll i selve skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig “objekt i seg selv”, fullt åpenbart først når det er fullført. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling—en tålmodig venting på hva som kommer “her og nå.”

Å holde disse intensjonene er noen myke paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og disiplin
Jeg taler om “meningsfulle ‘sammenfall’,” men de er bare mulige innenfor nøye grenser. Tilfeldighet er en ønsket gjest, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en påstand, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en palpabel stillhet.

Nostalgia for nåtiden
En myk nostalgi henger igjen i verket, men den er nysgjerrig rettet mot nåtiden: et ønske om de “irreducible necessities” som finnes i “stillhet og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og anstrengelsesløshet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men sikter mot et resultat som føles autonomt, som om det “oppsto av egen vilje.” Jeg trekkes mot det som virker helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “alderen for det uformelle bare har begynt.” Min praksis er i gjeld til ånden av Art Informel, om enn kanskje med mindre angst og mer ro—en uformellhet der tilfeldigheten ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

Kjernen er en søken etter “le vif”—livets kjerne. Verket trekker mot direkte erfaring heller enn intellektualisering. Den beskjedne skalaen jeg ofte velger er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakel.

Til syvende og sist er dette ganske enkelt én kunstneres vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en eneste jakt. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradoks ikke trenger å være skør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandskraft.

Anton Kaestner