Anton Kaestner - #378 - S - " Cities ".

Unik gjenstand, originalt maleri av Anton Kaestner, direkte fra verkstedet.
#378 - S - " Cities ".

Sprayakryl på plexiglassplate på 3 mm.
Dette bildet er ikke en trykk. Det er et originalt verk "multi-laget" hvis blanke havrende utseende, glossy, som påføres med en resin-lignende glans, er unikt.
Gjennomsiktighet ved utskrift.

Dimensjoner: Tommer 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm uten ramme.

Dette bildet leveres uten ramme.
Ramme av god kvalitet fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved forsendelse for en ekstra kostnad på 70 € inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et Originalitetsertifikat følger med.
Leveransen er dekket av forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter basert i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling - Lausanne mai 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og kulturelle rikdommen i hjemlandet mitt. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, hvis påvirkning satte så frøet til det som senere skulle bli min livslange lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akrylmalerier i A4- og deretter A3-notatbøker - jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og selv om jeg anser meg som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de resonnerer med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli en kunstner ikke umiddelbar.
I mer enn tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg over hele kloden, fra USA til Marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Mine reiser bredte mitt perspektiv, og eksponerte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Uansett hvor jeg reiste, fordypet jeg meg i det lokale kunstfeltet og møtte den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på forretningskarrieren har kunst alltid vært en del av meg, stille kokt under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre selv.

Jeg har alltid funnet enorm tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom kunsten har jeg alltid håpet å tilby andre en oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sitt eget liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra forretningskarrieren, forpliktet jeg meg fullt ut til maleri. Jeg etablerte mitt studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Ved utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk arbeidet mitt rask anerkjennelse, og fant boliger i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederlandene.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig prestekjeller i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Den første soloutstillingen min, "Échos", som ble arrangert i Paris mot slutten av 2024, viste en distinkt tilnærming til kunst, borte fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glossy og av og til skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg ønsker. Jeg tillater "tilfeldige eksperimenter" -alt går for å kortslutte fornuften!- å veilede resultatet, lagene og speileffektene jeg skaper, og la rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket til slutt blir vist. Men la oss være tydelige: i bildene mine tar ikke tilfeldighetene beslutningene; i høyden stiller tilfeldighetene spørsmål; meningsfulle "sammenfall" er bare mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen som harmonerer med åpenbarings-/fikseringsprosessen i fotografering er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikas av lag og transparens, samtidig som hvert verk får en "asketisk" kvalitet: Jeg er fornøyd når jeg gjenkjenner “irrederbare nødvendigheter”, altså hva vi sannsynligvis oppdager når vi stanser i stillhet og lys.

Jeg beholder min tilnærming bevisst enkel. Verken "følelse" eller "teoretisk begrep" men erfaring av å være. Verken "rask konsumering" eller "intellektualisering / intellektuell besittelse", men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, mitt kunst er en søken etter "livets innerste kjerne", for hva Alain Damasio kaller "le vif". Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Derfor har de verken innhold, eller mening, eller betydning; de er som ting, trær, dyr, mennesker eller dager, som også ikke har noen grunn til å være, noe ende, eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle gjennomskinnelighet og lysstyrke som i farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en glitrende hud hvor man kan skimte sin egen silhuett, ulik for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentligvis vil lek mellom “detaljer for nærhet” - et lite bilde er et helt nytt bilde - og “avstand for helheten” oppmuntre seerne til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å være ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nye verk er en konfrontasjon med mine grenser, som presser meg til å forbedre mine ferdigheter og utforske mer hva jeg kan oppnå. Å male for meg er et daglig håndverk, en utforskning, en måte å skape meningsfulle samtaler på, en søken etter en farge som er så perfekt at den ikke trenger oss. Alderen til det uformelle har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksisen forsterker lidenskapen for å se.

Om sammenhengen i min praksis

I landskapet av samtidskunst, hvor konsept og form har lik vekt, søker jeg å skape verk som ikke defineres av fremtredende posisjon, men av nærvær. Maleriene mine – skinnende felt av farge og lys innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst forespørsel. For meg er det sanne fokuset mindre på det endelige bildet enn på den stille samspillet av tanke og prosess som lar det oppstå.

Denne praksisen hviler på tre tilstrebte intensjoner.

Først er en Tilbaketrekning fra Pålagt Betydning. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og ha “hverken innhold, mening eller sans”, håper jeg å løsne forventningen om narrativ forsiktig. Det er en invitasjon til å trå vekk fra avkodingen og mot en mer direkte måte å se på.

Dette leder til den andre intensjonen: Primær betydning av Levde Erfaring. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “opplevelse av å være”. Verket blir mindre et objekt to to tolkes, og mer en stille hendelse å føle – formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sitt eget blikk. Som jeg ofte bemerker, “lever det, det forandrer seg, det ser.”

Den tredje er stedet der idé møter hånd: Prosess som Legemligt Tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis for å slippe taket. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig “objekt av seg selv”, fullt avslørt først når det er fullført. Det er en stille parallel til fotografisk utvikling – tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde fast ved disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘sammenfaller’”, men de er bare mulige innenfor nøye rammer. Tilfeldighet er en ønsket gjest, men strukturen bygges med omtanke.

Kommunikasjon Uten Budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en uttalelse, men en tilstand – en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgi for Nåtiden
En myk nostalgi henger ved i verket, men den er nysgjerrig rettet mot nåtiden: et ønske om de “irreducerbare nødvendigheter” funnet i “stillhet og lys” — et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og Letthet
Prosessen krever konstant oppmerksomhet, men tar sikte på et resultat som føles autonomt, som om det “oppsto av seg selv.” Jeg blir tiltrukket av det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til følelsen av at “tiden for det uformelle har bare så vidt begynt.” Min praksis er takknemlig for ånden fra Art Informel, kanskje med mindre smerte og mer ro – en uformellhet hvor tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I bunn og grunn er dette bare en kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt søken. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradoks ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandskraft.

Anton Kaestner