Anton Kaestner - #345 - S - " Vertical 3 ".

Unik verk, originalt maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#345 - S - « Vertikal 3 ».

Akvryll spray på plexiglassplate på 3 mm.
Dette maleriet er ikke en reproduksjon. Det er et originalt verk med «multi-sjikt» der den blanke, glossy overflaten som minner om påføring av epoxy er helt unik.
Gjennomsiktighet ved trykk.

Dimensjoner: Tommer 9,1 x 12,6 x 0,12 / 23 x 32 x 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 (Tommer 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefales og er tilgjengelig ved forsendelse mot et tillegg på 70 € inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et ærverdig Certificat d’Authenticité følger med.
Leveransen er dekket av forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter basert i Paris. Dine verk er stilt ut over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling – Lausanne mai 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og kulturelle rikdom i hjemlandet. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantedet frøet til det som senere skulle bli livets lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterende med utallige akrylmalerier i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og mens jeg anser meg selv som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer ettersom de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli en kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg verden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet perspektivet mitt og utsatte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Uansett hvor jeg dro, fordypet jeg meg i det lokale kunstmiljøet og møtte den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på forretningskarrieren, var kunst alltid en del av meg; stille kokende under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise der jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom kunsten har jeg alltid håpet å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra forretningskarrieren, viet jeg meg helt til maleri. Jeg etablerte mitt studio i Paris og begynte å vie meg fullstendig til kunsten. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk verket raskt anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i et ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første soloutstilling, «Échos», holdt i Paris mot slutten av 2024, presenterte en særegen tilnærming til kunst, avvikende fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og spray på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, blank og noen ganger skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg velger å velkomme. Jeg tillater «tilfeldige eksperimenter» – alt går for å kortslutte fornuften! – å veilede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gi rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir utstilt. Men la oss være tydelige: i bildene mine tar sjansen aldri beslutningene; i beste fall stiller den spørsmål; meningsfulle «samsyn» er bare mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen som gjenklanger i fotografiets avslørings-/fikseringsprosess, er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og transparense, samtidig som hvert verk får en «asketisk» kvalitet: Jeg er tilfreds når jeg gjenkjenner «irreducerbare nødvendigheter», dvs. det vi sannsynlig vil oppdage hvis vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder min tilnærming bevisst enkel. Verken «følelse» eller «teoretisk forestilling» men erfaringen av å være. Verken «rask konsumasjon» eller «intellektualisering / intellektuell besittelse», men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier; min kunst er en søken etter «livet i hjertet av livet», etter det som Alain Damasio kaller «le vif». Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter, er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, mening eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også har verken grunn til å være, eller ende, eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan vekke gjennomsiktigheten og lysstyrken i farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skimrende hud hvor man kan skimte sin egen silhuett, ulik for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene, krever også empati. Forhåpentligvis vil leken mellom «detaljer for nærhet» – et detalj av et bilde er et helt nytt bilde – og «avstand for helheten» oppmuntre betraktere til å begi seg ut på sine egne selvrefleksive reiser.

Jeg hevder ikke å ha alle svarene og ønsker å være jordnær i hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige spørsmål- og vekstprosessen. Hvert nytt verk er en konfrontasjon med mine grenser, som tvinger meg til å forbedre mine ferdigheter og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male er for meg et daglig håndverk, en utforskning, en måte å vekke meningsfulle samtaler, en søken etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Den informelle tidsalder har knapt begynt.

Som Jean Bazaine ville si: «Den daglige praksisen øker lidenskapen for å se.»

Om sammenhengen i min praksis

I landskapet av samtidskunst, hvor konsept og form har lik vekt, søker jeg å skape verk som er definert av nærvær, ikke av fremtredende posisjon. Mine malerier – skimrende fargefelt og lys innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det egentlige fokuset mindre på det endelige bildet enn på det stille samspillet mellom tanke og prosess som lar det komme frem.

Denne praksisen hviler på tre sammenhengende intensjoner.

Den første er et Tilbaketrekning fra pålagt Meningsinnhold. Ved å beskrive verkene som «uten objekt» og å ha «hverken innhold, meningen eller sansen», håper jeg å løsne forventningen om narrativ. Det er en invitasjon til å trekke seg unna dekoding, og mot en mer direkte måte å se på.

Dette leder til den andre intensjonen: Primacy of Lived Experience. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en «opplevelse av å være». Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse å føle – formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av betrakterens møte med sitt eget blikk. Som jeg ofte påpeker, «verket lever, det forandrer seg, det ser.»

Det tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som Legemliggjort Tanke. Maler på baksiden av plexiglass, uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis i å gi slipp. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir resultatet, slik at maleriet kan bli det jeg kaller et selvstendig «objekt av seg selv», fullt avslørt først når det er helt ferdig. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling – en tålmodig venting på hva som kommer «her og nå.»

Å holde fast ved disse intensjonene er noen få milde paradokser som opprettholder verket:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg snakker om «meningsfulle «samsyn»», men de er bare mulige innenfor nøye grenser. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omtanke.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å «kommunisere noe» gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles, ikke er en uttalelse, men en tilstand – en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgia for the Present
En myk nostalgi følger verket, likevel er den merkelig nok rettet mot nåtiden: et lengsel etter de «irreducerbare nødvendigheter» funnet i «stillhet og lys» – et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og anstrengelsesfrihet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men søker et resultat som føles selvstendig, som om det «oppsto av egen vilje.» Jeg trekkes mot det som føles helt inevitabelt.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at «den informelle tidsalder har knapt begynt.» Min praksis er forpliktet til ånden av Art Informel, om enn kanskje med mindre smerte og mer ro – en uformellhet hvor tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I kjernen er det en søken etter «le vif» – det levende kjernen. Verket trekker mot direkte erfaring heller enn intellektualisering. Den beskjedne skalaen jeg ofte velger er ment å oppmuntre til intimitet, ikke spektakel.

Til syvende og sist er dette bare én kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt søken. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradoks ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, tror jeg, en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner