Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Unik kunstverk, original Anton Kaestner-maleri, direkte fra atelieret.
#365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Acrylspray på plexiglassplate på 3 mm.
Dette verket er ikke en trykk. Det er et originalt «multi-lags» verk hvis blanke glansfulle utseende, lik appen av et resin, er unikt.

Dimensjoner: Inch 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Ramme av høy kvalitet fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) anbefales og er tilgjengelig ved forsendelse mot et tillegg på 70€ inklusive merverdiavgift.

Verket er signert på baksiden.
Et autentisitetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter bosatt i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling - Lausanne mai 2026.

Biography

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og den kulturelle rikdommen i hjemlandet mitt. Kreativitet ble verdsatt i min familie, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantet frøet til det som senere skulle bli livslang lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, og eksperimenterte med utallige akrylpaier i A4 og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder møter deg rett på, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maling og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og mens jeg anser meg selv som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer ettersom de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Men veien til å virkelig bli kunstner var ikke umiddelbar.
I over tre tiår pursuede jeg en internasjonal forretningskarriere som førte meg over hele kloden, fra USA til Marokko, Belgia, over Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet mitt perspektiv og eksponerte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Hvor jeg enn dro, fordypet jeg meg i det lokale kunstlivet og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på min forretningskarriere var kunst alltid en del av meg, stille småkoking under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre selv.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom genuine opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre en oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trukket seg tilbake fra min forretningskarriere, ble jeg helt engasjert i maleri. Jeg etablerte studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Ved utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk verket rask anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger i hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i det ledige sakristiet i Lisieux, Normandy.

Kunstnerisk CV

Min første soloshow, "Échos," holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, ifra tradisjonelle maleteknikker: jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perspex), en lett, glatt, skinnende og noen ganger sårbar overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuelt tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg velkommer. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” - alt går for å kortslutte fornuften! - å lede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gi rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir utstilt. Men la oss være klare: i bildene mine tar ikke tilfeldighetene beslutningene; i verste fall stiller tilfeldighetene spørsmålene; meningsfulle “sammenfaller” er bare mulige med stor disiplin. Denne tilnærmingen som klinger med åpenbarings-/fikseringsprosessen i fotografering er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og gjennomskinnelighet, samtidig som hvert verk får en “asketisk” kvalitet: jeg er lykkelig når jeg gjenkjenner “irreducible necessities”, dvs. hva vi sannsynligvis vil oppdage når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder min tilnærming bevisst enkel. Verken “følelser” eller “teoretisk innstilling” men erfaring av å være. Verken “rask konsumpsjon” eller “intellektuelt eierskap”, men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier; min kunst er en søken etter “livet i livets kjerne”, for hva Alain Damasio kaller “le vif” (det levende). Selv om nostalgien alltid har vært del av arbeidet mitt, er mine malerier uten objekt. Som alle objekter, er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, mening eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også ikke har noe rasjon for å være, eller slutt, eller formål. Selv om arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle transparens og lysstyrke av glassmalerier, forblir det nærmest helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skimrende hud hvor man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig fra hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentlig vil leken mellom “detaljer på nært hold” - et detalj av et bilde er et helt nytt bilde - og “avstand til helheten” oppmuntre betrakterne til å legge ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å forbli ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nye skapelse er en konfrontasjon med mine grenser, som tvinger meg til å finpusse ferdighetene og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male for meg er et daglig håndverk, en utforskning, en måte å skjerpe meningsfulle samtaler på, en søken etter et fargestoff så perfekt at det ikke trenger oss. Alderen av det uformelle har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksis multipliserer lidenskapen for å se."

Om sammenhengen i min praksis

I landskapet innen samtidskunst, hvor konsept og form har lik vekt, søker jeg å skape verk som ikke defineres av fremtredende plassering, men av nærvær. Mine malerier – skimrende felt av farge og lys innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst etterforskning. For meg er det sanne fokuset mindre på sluttbildet enn den stille samspillet mellom tanke og prosess som gjør det mulig å oppstå.

Denne praksisen hviler på tre sammenfallende intensjoner.

Den første er en Tilbaketrekning fra Pålagt Mening. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og å ha “hverken innhold, mening eller sans”, håper jeg å løsne forventningen om narrativ forsiktig. Det er en invitasjon til å gå bort fra avkodning og mot en mer direkte type betraktning.

Dette fører til den andre intensjonen: Primatet av Opplevelsen av Å være. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “opplevelse av å være”. Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse som må føles – formet av skiftende lys, gjennomskinnelige lag og den svake refleksen av betrakteren som møter sin egen blikk. Som jeg ofte bemerker, lever stykket “lever, det endrer seg, det ser.”

Den tredje er der idé møter hånd: Prosess som Legemliggjort Tanke. Maling på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis å gi slipp. Det er en bevisst frigjøring av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men gir opp resultatet, slik at maleriet blir det jeg kaller et selvstendig “objekt av seg selv,” fullt avslørt først når det er fullført. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling – tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde fast ved disse intensjonene er noen få milde paradokser som bærer arbeidet:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘sammenfaller’,” men de er bare mulige innenfor nøye grenser. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikasjon Utenbudskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en påstand, men en tilstand – en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgia for Nutiden
En myk nostalgi henger igjen i verket, men den er nysgjerrig rettet mot nåtiden: et lengsel etter de “irreducible necessities” funnet i “stillhet og lys” – et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrøk og letthet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men sikter mot et resultat som føles autonomt, som om det “oppstod av seg selv.” Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “tiden for det uformelle har bare begynt.” Min praksis er takknemlig til ånden i Art Informel, kanskje med mindre angst og mer ro – en uformellhet hvor tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I kjernen er det en søken etter “le vif” – det levende kjernen. Verket trekker mot direkte erfaring i stedet for intellektuelt ($). Den beskjedne skala jeg ofte velger er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakel.

Til slutt er dette ganske enkelt en vei for én kunstners streben. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en samlet søken. Jeg har funnet ut at en praksis som er forankret i stille paradokser ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, tror jeg, en kilde til motstandskraft.

Anton Kaestner