Anton Kaestner - #385 - S - " Chromatic MR10 ".

En ensartet unik piece, original maleri av Anton Kaestner, direkte fra studioet.
#385 - S - "Chromatic MR10".

Sprayakryl på plexiglassplate på 3 mm.
Dette maleriet er ikke ettrykk. Det er et originalt arbeid med "multilag" hvor den klare, blanke overflaten "glossy" som minner om resin, er unik.
Transparent ved trykk.

Dimensjoner: Tommer 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved sending for en tilleggssum på 70€ inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et Ekthetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter bosatt i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling – Lausanne 7.-10. mai 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og kulturelle rikdommen i hjemlandet mitt. Kreativitet ble verdsatt i min familie, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, som påvirket meg og satte frøet til det som senere skulle bli min livslang lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akrylbaserte medier i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativt maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og samtidig som jeg betrakter meg selv som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som førte meg over hele verden, fra USA til Marokko, Belgia, over Asia og Frankrike. Mine reiser bredte mitt perspektiv, og jeg ble eksponert for et vidt spekter av kulturelle påvirkninger. Uansett hvor jeg reiste, fordypte jeg meg i de lokale kunstscenene og møtte den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokus på forretningskarrieren var kunst alltid en del av meg, stille syklende under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre selv.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom kunsten har jeg alltid håpet å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trådt av forretningskarrieren, forpliktet jeg meg fullt ut til maleri. Jeg etablerte studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Mot slutten av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fikk arbeidet rask anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

Ved utgangen av 2025 flyttet jeg til et større studio i et ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Første soloutstilling, "Échos", holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, bortenfor tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert eksplodert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, blank og noen ganger skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg velkomner. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” – alt går for å avkorte fornuften! – å veilede resultatet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gir rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir utstilt. Men for å være tydelig: i bildene mine tar ikke tilfeldighetene beslutningene; i verste fall stiller de spørsmål; meningsfulle “samsyn” er kun mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen som ekkoer med åpenbarings-/fikseringsprosessen i fotografering er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og transparenser, samtidig som hver arbeid får en “asketisk” kvalitet: Jeg er fornøyd når jeg gjenkjenner “irreducerbare nødvendigheter”, dvs. hva vi sannsynligvis vil oppdage når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “følelser” eller “teoretisk begrep” men erfaring av å være. Verken “rask konsumering” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, mitt kunst er en søken etter “livet i hjertet av livet”, til det Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter, er de objekter i seg selv. Derfor har de verken innhold, mening eller vit, de er som ting, trær, dyr, mennesker, eller dager, som også har verken grunn til å være, slutt eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle gjennomsiktigheten og luminositeten av farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skinende overflate der man kan skimte sin egen silhuett, ulik for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, manglende deler også, krever bare empati. Forhåpentligvis vil leken mellom “detaljer for nærhet” – et lite detaljer i et bilde er et helt nytt bilde – og “avstand for helhet” oppmuntre betraktere til å begi seg ut på sine egne innoverende reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å forbli ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nytt verk er en konfrontasjon med mine grenser, som presser meg til å forbedre mine ferdigheter og utforske videre hva jeg kan oppnå. Maleri for meg er et daglig håndverk, en utforskning, en måte å stimulere meningsfulle samtaler på, en søken etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Alderens uformelle har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville ha sagt: "Den daglige praksisen multipliserer lidenskapen for å se."

Om sammenhengen i min praksis

I samtidskunstens landskap, hvor begrep og form har like stor vekt, søker jeg å skape arbeid som ikke defineres av framstående posisjon, men av tilstedeværelse. Mine malerier – skimrende farger og lysfelt innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre det endelige bildet enn den stille samhandlingen mellom tanke og prosess som lar det dukke opp.

Denne praksisen hviler på tre tilsynelatende rettede intensjoner.

Den første er en Tilbaketrekking fra Pålagt Betydning. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og ha “hverken innhold, meninger, eller mening”, håper jeg å slakke til forventningen om narrativ. Det er en invitasjon til å trekke seg tilbake fra avkodingen og mot en mer direkte måte å se på.

Dette leder til den andre intensjonen: Primat av Levd Erfaring. Inn i det åpne rommet forsøker jeg å plassere det jeg tenker på som en “erfaring av å være.” Verket blir mindre et objekt som skal tolkest og mer en stille hendelse å føle—formet av skiftende lys, gjennomskinnelige lag og den svake refleksjonen av betrakterens møte med egne blikk. Som jeg ofte nevner, “verket lever, det forandrer seg, det ser.”

Den tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som Embodiert Tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis for å gi slipp. Det er en bevisst frigjøring av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir resultatet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig “objekt i seg selv,” fullt avslørt først når det er fullført. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling—en tålmodig venting på hva som kommer “her og nå.”

Å holde disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘samsyns’,” men de er kun mulige innenfor klare grenser. Tilfeldighet er en ønsket gjest, men strukturen bygges med omtanke.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en erklæring, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgi for Nåtiden
En myk nostalgi ligger igjen i verket, likevel er den lite overraskende rettet mot nåtiden: et håp om de “irreducerbare nødvendighetene” funnet i “stillhet og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Krefter og letthet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men søker et resultat som føles autonomt, som om det “oppsto av seg selv.” Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “alderen for det uformelle har bare så vidt begynt.” Min praksis skylder jeg ånden til Art Informel, om enn kanskje med mindre smerte og mer ro—en uformellhet der tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

Kjernen er et søk etter “le vif”—det levende kjernen. Verket heller mot direkte erfaring enn intellektualisering. Den beskjedne skala jeg ofte velger, er ment å oppmuntre til intimitet, ikke skue.

Til slutt er dette bare en kunstner’s vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt søken. Jeg har funnet ut at en praksis som hviler på stille paradokser ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner