Anton Kaestner - #386 - S - " Chromatic MR11 ".

Unik tavle, original maleri av Anton Kaestner, direkte fra verkstedet.
#386 - S - "Chromatic MR11".

Sprayakryl på plexiglassplate 3 mm.
Dette maleriet er ikke et trykk. Det er et originalt verk i "multi-lags"-utførelse som har en blank, glossy overflate som er unik i sin anvendelse av en resineminimal effekt. Overtrykk ved trykk er gjennomsiktig.

Dimensjoner: Tomme 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefales og er tilgjengelig ved forsendelse for en tilleggssum på 70€ inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et autentisitetssertifikat følger med.
Leveransen dekkes av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter bosatt i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling – Lausanne 7/10 mai 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og kulturelle rikdom i hjemlandet mitt. Skaperglede ble verdsatt i min familie, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse sådde frøet til det som senere skulle bli livets lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, og eksperimenterte med utallige akrylbaserte materialer i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder treffer deg rett i ansiktet, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativt maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og selv om jeg anser meg som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer ettersom de resonnerte med min utforskning av menneskets eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var ikke veien til å virkelig bli kunstner umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som førte meg over hele kloden, fra USA til Marokko, Belgia, over Asia og Frankrike. Mine reiser bredte mitt perspektiv, og utsatte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Uansett hvor jeg dro, fordypte jeg meg i lokale kunstscener og møtte den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokus på forretningskarrieren var kunst alltid en del av meg, stille simmerende under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet enorm tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre et ærlig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra min forretningskarriere, viet jeg meg fullt til maleri. Jeg etablerte mitt atelier i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten min. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fikk verkene rask anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederlandene.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første separatutstilling, "Échos," holdt i Paris mot slutten av 2024, presenterte en distinkt tilnærming til kunst, fri fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og spray på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glansfull og noen ganger skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg velger å omfavne. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” – alt går for å kortslutte fornuften! – å styre utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og la rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig utstilles. Men la oss være klare: i mine bilder tar ikke tilfeldighetene beslutningene; i verste fall stiller tilfeldighetene spørsmålene; meningsfulle “sannsynligheter” er bare mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen som klinger med avsløringen / fikseringsprosessen i fotografi er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og transparens, samtidig som hvert verk får en “asketisk” kvalitet: jeg er lykkelig når jeg gjenkjenner “uudelige nødvendigheter”, dvs. hva vi sannsynligvis oppdager når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “følelse” eller “teoretisk begrep” men opplevelsen av å være. Verken “rask konsumering” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men en utvidelse av bevisstheten og utforskning av virkeligheten, av dens synlige og usynlige historier, mitt kunst er en søken etter “livet i selve kjernen av livet”, etter det Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter, er de objekter av seg selv. Derfor har de verken innhold, mening eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også har verken grunn til å være, slutt eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle transparens og lysstyrken til farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skimrende overflate hvor man kan få et glimt av sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det endres, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentligvis vil lek mellom “detaljer for nær” – et lite bilde er et helt nytt bilde – og “avstand for helheten” oppmuntre betrakterne til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg gjør meg ikke til å ha alle svarene og ønsker å forbli ydmyk overfor hva som kan oppnås. Rett og slett finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hver nye skapelse er en konfrontasjon med mine grenser, som presser meg til å finpusse mine ferdigheter og utforske videre hva jeg kan oppnå. For meg er maleri en daglig håndverk, en utforskning, en måte å vekke meningsfulle samtaler, en jakt etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Alderen for det uformelle har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksisen multipliserer lidenskapen for å se.

Om konsistens i min praksis

I landskapet av samtidskunst, hvor konsept og form har like mye vekt, søker jeg å skape verk som ikke defineres av fremtredende posisjon, men av nærvær. Mine malerier – skimrende felt av farge og lys innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre det endelige bildet enn den stille samspillet av tanke og prosess som gjør det mulig å dukke opp.

Denne praksisen hviler på tre samstemte intensjoner.

Den første er en Tilbaketrekning fra Pålagt Mening. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og å ha “hverken innhold, mening eller sans,” håper jeg å løsne forventningen om narrativ. Det er en invitasjon til å trekke seg unna avkodning og mot en mer direkte måte å se på.

Dette leder til den andre intensjonen: Fortrinnet til Levende Erfaring. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “opplevelse av å være.” Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse som skal føles—formet av skiftende lys, gjennomskinnelige lag og den svake refleksjonen av betrakterens møte med sin egen blikk. Som jeg ofte bemerker, “lever det, det endrer seg, det ser.”

Den tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som Inkapslet Tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeide uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis av å slippe kontrollen. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i selve skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, slik at maleriet blir hva jeg kaller et uavhengig “objekt av seg selv,” fullt åpenbart først når det er fullført. Det er en stille parallel til fotografisk utvikling—en tålmodig venting på hva som kommer her og nå.

Å holde disse intensjonene er noen få milde paradokser som opprettholder verket:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘sannsynligheter’,” men de er bare mulige innenfor forsiktige grenser. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikasjon Uten Budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles, ikke er en påstand, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille nærvær, en håndgripelig stillhet.

Nostalgi for Nåtiden
En myk nostalgi ligger igjen i verket, men den retter seg mer mot nåtiden: en lengsel etter de “uudelige nødvendigheter” funnet i “stillhet og lys”—et ønske om ren nærvær som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og Letthet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men søker et resultat som føles autonomt, som om det “oppsto av sin egen vilje.” Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “tiden for det uformelle har bare så vidt begynt.” Min praksis er takknemlig for ånden til Art Informel, kanskje med mindre angst og mer ro—en uformellhet hvor tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I hjertet av det hele ligger en søken etter “le vif”—det levende kjernen. Verket trekker mot direkte opplevelse snarere enn intellektualisering. Den beskjedne skalaen jeg ofte velger, er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakel.
Til syvende og sist er dette bare én kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt søken. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stillt paradoks ikke trenger være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, jeg tror, en kilde til robusthet.

Anton Kaestner