Anton Kaestner - #391 - S - " Chromatic MR13 ".

Unik eske, originalt maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#391 - S - "Chromatic MR13".

Sprøytet akryl på plexiglassplate på 3 mm.
Dette bildet er ikke en utskrift. Det er etOriginalt verk i flere-lags teknikk hvor den blanke, glossy finishen, som minner om påføringen av resin, er unik.
Gjennomsiktighet ved trykk.

Dimensjoner: TOMINCH 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm uten ramme.

Dette bildet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merke Nielsen i aluminium, referanse 34 (Tom 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved avsendelse for en tilleggskostnad på 70€ inkl. mva.

Verket er signert bakpå.
Et medfølgende autentisitetssertifikat.
Leveransen er dekket av forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter basert i Paris. Verkene hans viser i hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling - Lausanne 7.–10. mai 2026.

Biografi
Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og den kulturelle rikdommen i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i min familie, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantet frøet til det som senere skulle bli lidenskapen i livet mitt.
I 1993 begynte jeg å male privat, og eksperimenterte med utallige akrylmer i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder møter deg rett i ansiktet, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble tidlig tiltrukket av ikke-figurativ maling og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og selv om jeg betrakter meg som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer som samsvarte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli kunstner ikke umiddelbar.
I mer enn tre tiår fulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg over hele verden, fra USA til Marokko, Belgia, over Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet perspektivet mitt, og utsettes for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Hvor jeg enn gikk, fordypet jeg meg i det lokale kunstmiljøet og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på forretningskarrieren var kunst alltid en del av meg, stille småkoking under overflaten. I nærmere 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å slippe verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet enorm tilfredsstillelse i å male. Hvert nytt verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte erfaringer. Gjennom kunsten har jeg alltid håpet å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra min forretningskarriere, bestemte jeg meg fullt ut for å male. Jeg etablerte studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunstnerisk virksomhet. Mot slutten av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk arbeidet mitt rask anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i et ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første separatutstilling, "Échos", holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, borte fra tradisjonelle malerteknikker: jeg maler med acryl, metalliske pigmenter og spray på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, blank og noen ganger sprø overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg velger å omfavne. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” - alt er lov for å kortslutte fornuften! - å veilede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gi rom for åpenbaring og oppdagelse når verket endelig blir vist. Men la oss være klare: i bildene mine tar ikke tilfeldigheter beslutningene; i beste fall stiller tilfeldighetene spørsmålene; meningsfulle “tilfeller” er bare mulige med stor disiplin. Denne tilnærmingen som klinger med avslørings-/fikseringsprosessen i fotografi er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen blir beriket av lag og transparens, samtidig som hvert verk får en “asketisk” kvalitet: jeg er fornøyd når jeg gjenkjenner “irreducible necessities”, det vil si det vi sannsynlig vil oppdage når vi stanser i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “følelser” eller “teoretisk begrep” men erfaring av å være. Verken “raskt-forbruk” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men en utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søken etter “livet i selve kjernen av livet”, det Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter er de objekter i seg selv. Derfor har de verken innhold, mening eller hensikt; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også ikke har noen grunn til å være, ingen slutt, ingen formål. Selv om verket mitt noen ganger kan fremkalle gjennomsiktigheten og lysstyrken til stained glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en glitrende overflate hvor man kan få øye på sin egen silhuett, som varierer fra hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det endrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, også av de manglende delene, krever bare empati. Forhåpentlig vil leken mellom “detaljer for nærhet” – et lite bilde er rett og slett et helt nytt bilde – og “avstand for helheten” oppmuntre tilskuere til å legge ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg gjør ingen krav på å ha alle svarene og ønsker å forbli ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nye skapelse er en konfrontasjon med mine grenser, som presser meg til å raffinere ferdighetene mine og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male betyr for meg en daglig håndtverk, en utforskning, en måte å fremkalle meningsfulle samtaler på, en søken etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Alderen til det uformelle har bare begynt.

Som Jean Bazaine ville ha sagt: “Den daglige praksisen forsterker lidenskapen for å se.”

Om sammenheng i mine praksis

I landskapet til dagens kunst, hvor konsept og form har like stor vekt, søker jeg å skape arbeid som ikke defineres av framheving, men av tilstedeværelse. Mine malerier – skinnende fargefelt og lys innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre på det endelige bildet enn på det stille samspillet mellom tanke og prosess som lar det komme til syne.

Denne praksisen hviler på tre justerte intensjoner.

Den første er en Tilbaketrekning fra Påtatt Betydning. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og som å ha “hverken innhold, mening eller sans”, håper jeg å løsne forventningen om narrativ forsiktig. Det er en invitasjon til å trekke seg tilbake fra avkoding, og mot en mer direkte måte å se på.

Dette leder til den andre intensjonen: Fortrinnsrett til Levde Erfaring. Inn i dette åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “erfaring av å være.” Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse som skal føles – formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sitt eget blikk. Som jeg ofte bemerker, “lever det, det förändres, det ser.”

Den tredje er der ideen møter hånd: Prosess som Inkarnert Tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis av å slippe kontrollen. Det er en bevisst frigjøring av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig “objekt i seg selv”, fullt avslørt først når det er fullført. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling – en tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde fast ved disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg taler om “meningsfulle ‘sammenfall’,” men de er bare mulige innenfor forsiktige rammer. Tilfeldighet er en ønsket gjest, men strukturen bygges med omtanke.

Kommunikasjon Uten Budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles, ikke er en erklæring, men en tilstand – en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en palpable stillhet.

Nostalgi for Nåtiden
En myk nostalgi henger ved i verket, men den er underlig nok rettet mot nåtiden: et lengsel etter de “irreducible necessities” funnet i “stillhet og lys”— et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og Letthet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men sikter mot et resultat som oppleves som autonomt, som om det “oppstod av sin egen vilje.” Jeg blir dratt mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “den uformelle tidsalder har bare begynt.” Min praksis er forpliktet til ånden i Art Informel, kanskje med mindre angst og mer ro – en uformellhet hvor tilfeldigheten ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I hjertet ligger en søken etter “le vif” – det levende kjernen. Verket trener mot direkte erfaring heller enn intellektualisering. Den beskjedne skala jeg ofte velger er ment å oppmuntre intimitet, ikke spectacle.
Til syvende og sist er dette bare en kunstners sti. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en samlet jakt. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradoks ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, være en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner