Anton Kaestner - #396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Unik skisse, originalt maleri av Anton Kaestner, direkte fra verkstedet.
Min aller første maleri på glass, et glass hentet i Marokko i 1994.
#396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Akryl i spray på glassplate (Marokko 1994) av 3 mm.
Dette maleriet er ikke et trykk. Det er et originalt verk i flere lag hvor den blanke, glossy overflaten som ligner på påføring av et resine, er helt unik.

Dimensjoner: Tommer 9,3 * 9,8 * 0,12 / 23,5 * 25 * 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefales og er tilgjengelig ved forsendelsen mot en tilleggskostnad på 60€inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et Certificate of Authenticity følger.
Leveransen er forsikret.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler,-skulptør og forfatter med base i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste utstilling - Lausanne 7/10 mai 2026.

Biografi
Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnhet og kulturelle rikdom i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantet frøet til det som til slutt skulle bli lidenskapen i livet mitt.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akrylmalerier i A4- og deretter A3-bøker – jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av non-figurativ maling og abstrakt ekspesjonisme.
Over tid, og selv om jeg regner meg som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer som resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli en kunstner ikke umiddelbar.
I mer enn tre årti forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg verden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet perspektivet mitt og ga meg inntrykk av en bred kulturforståelse. Hvor jeg enn dro, fordypte jeg meg i lokale kunstscener og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på forretningskarrieren, var kunst alltid en del av meg, stille kvernet under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom kunsten har jeg alltid håpet å tilby andre en oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra forretningskarrieren, forpliktet jeg meg fullt ut til maleri. Jeg etablerte mitt atelier i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Mot slutten av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fikk arbeidet rask anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i et ledig prestekjøkken i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første solo-utstilling, "Échos", holdt i Paris mot slutten av 2024, presenterte en særegen tilnærming til kunst, avstikkende fra tradisjonelle maleteknikker: jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lys, glatt, blank og av og til skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg velkomner. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” - alt går for å bryte ned fornuften! - å styre utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gir rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig utstilles. Men la oss være klare: i bildene mine tar ikke tilfeldigheter avgjørelsene; i det meste tilfelle stiller de spørsmål; meningsfulle “tilfeller” er bare mulige med stor disiplin. Denne tilnærmingen som gjentar åpenbarings-/fikseringsprosessen i fotografi, er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og gjennomsiktighet samtidig som hvert verk får en “asketisk” kvalitet: jeg er glad når jeg gjenkjenner “irreducerbare nødvendigheter”, dvs. hva vi sannsynlig finner når vi stanser i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “emosjon” eller “teoretisk begrep” men erfaringen av å være. Verken “rask konsum” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men bevisstgjøring av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, mitt kunst er en søken etter “livet i hjertet av livet”, etter det Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, mening eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn eller dager, som også har verken rasjon for å være, eller ende, eller hensikt. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle gjennomsiktigheten og lysstyrken til feltede glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglasset maleriet en glitrende hud hvor man kan skimte sin egen silhuett, ulik for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskré speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentlig vil spill mellom “detaljer for nær” - et detalj av et bilde er et helt nytt bilde - og “avstand for helheten” oppmuntre betraktere til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å forbli ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelte, jeg finner tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nytt skapende verk er en konfrontasjon med mine grenser, som driver meg til å finpusse mine ferdigheter og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male er for meg en daglig håndverk, en utforskning, en måte å skape meningsfulle samtaler, en jakt etter en maling så perfekt at den ikke har behov for oss. Alderen for det uformelle har nettopp begynt.

Som Jean Bazaine ville si: "Den daglige praksisen multipliserer lidenskapen for å se.

Om sammenhengen i min praksis

I landskapet av samtidskunst, der konsept og form har like stor tyngde, søker jeg å skape arbeid som ikke defineres av fremtredende posisjon, men av nærvær. Mine malerier – skimrende felt av farge og lys innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er ekte fokus mindre på det endelige bildet enn på den stille samspillet mellom tanke og prosess som gjør det mulig å oppstå.

Denne praksisen hviler på tre sammenfallende intensjoner.

Den første er en Tilbaketrekning fra Pålagt mening. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og å ha “hverken innhold, eller mening, eller sans”, håper jeg å løsne forventningen om fortelling. Det er en invitasjon til å tre ut av avkodingen og mot et mer direkte blikk.

Dette fører til den andre intensjonen: Primær betydning av Opplevd erfaring. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “opplevelse av å være”. Verket blir mindre et objekt som skal tolkede enn en stille hendelse som skal føles — formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av betrakterens møte med sin egen blikk. Som jeg ofte bemerker, “ lever stykket, det endrer seg, det ser.”

Den tredje er der idé møter hånd: Prosess som Inkarnert Tankegang. Maleriet på baksiden av plexiglass, arbeide uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis av å slippe kontroll. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i selve skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, slik at maleriet blir det jeg kaller et uavhengig “objekt i seg selv”, fullt avslørt bare når det er fullstendig. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling — tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde disse intensjonene er noen få milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og disiplin
Jeg taler om “meningsfulle ‘sammenhenger’”, men de er bare mulige innenfor stramme grenser. Tilfeldighet er en ønsket gjest, men strukturen bygges med omsorg.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en påstand, men en tilstand — en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgia for nåtiden
En myk nostalgi ligger igjen i arbeidet, men den er nysgjerrig rettet mot nåtiden: et ønske om de “irreducerbare nødvendigheter” funnet i “stillhet og lys” — et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Effort and Effortlessness
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men har som mål et resultat som føles autonomt, som om det har “oppstått av seg selv.” Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “tiden for det uformelle nettopp har begynt.” Min praksis er i gjeld til ånden av Art Informel, om enn kanskje med mindre angst og mer ro — en uformellitet der tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille medarbeider.

I kjernen ligger et søk etter “le vif” — den levende kjernen. Verket lener seg mot direkte erfaring heller enn intellektualisering. Den beskjedne skala jeg ofte velger er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakel.
Til slutt er dette bare en artists vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt jakt. Jeg har funnet ut at en praksis som hviler på stille paradokser ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slik spenning bli, tror jeg, en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner