Anton Kaestner - #21 - XL - " Dans l'Incertitude ".

Éneste verk, originalmaleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#21 - XL - "I usikkerheten".

Sprøyteakryl på 3 mm Perpex-plate.
Gjennomsiktigheter på trykk.
Dette maleriet er ikke et trykk. Det er et originalverk i flere lag hvor den blanke, glossy overflaten som minner om en resinekker er unik.
Detaljene i dette maleriet blir avslørt over tid.

Dimensjoner: Tomme 34,0 * 24,2 * 0,12 / 86 * 61,5 * 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 Natura 514 Eik (Tomme 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved forsendelsen mot en tilleggskostnad på 140€ inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et ekthetssertifikat følger.
Leveringen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter bosatt i Paris. Verkene hans er stilt ut over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og flere valg på www.antonkaestner.com.

Neste separatutstilling – Genève 18.–28. juni 2026.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av naturens skjønnhet og kulturelle rikdom i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i min familie, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantet frøet til det som senere skulle bli min livslange lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat og eksperimenterte med utallige akryl i A4- og senere A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder møter en rett på deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og mens jeg regner meg som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli en kunstner ikke umiddelbar.
I mer enn tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som førte meg rundt i verden, fra USA til Marokko, Belgia, gjennom Asia og Frankrike. Mine reiser bredte mitt perspektiv og utsatte meg for et bredt spekter av kulturelle innflytelser. Hvor jeg enn dro, fordypte jeg meg i lokale kunstscener og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokus på min forretningskarriere var kunst alltid en del av meg, stille koke under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og konsentrere meg om mitt indre.

Jeg har alltid funnet enorm tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom autentiske opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å gi andre et ekte møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trukket seg tilbake fra forretningskarrieren, viet jeg meg fullt og helt til maleri. Jeg etablerte mitt studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fikk verket rask anerkjennelse og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Første separatutstilling, "Échos", som ble holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, unna tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glanset og i blant sårbar overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg setter pris på. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” – alt går for å gå rundt fornuftens sperrer! – å veilede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gir rom for åpenbaring og oppdagelse når verket endelig blir stilt ut. Men la oss være klare: i mine bilder tar tilfeldighetene aldri beslutningene; i det meste er tilfeldighetene spørsmålene; meningsfulle “tilfeldigheter” er bare mulige med stor disiplin. Denne tilnærmingen som ekkoer avsløringen / fikseringen av fotografi, er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikas av lag og transparenser, samtidig som hvert verk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er lykkelig når jeg gjenkjenner “irreducerbare nødvendigheter”, altså hva vi sannsynlig finner når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “følelse” eller “teoretisk begrep” men erfaring av å være. Verken “rask konsum” eller “intellektualisering / intellektuell eierskap”, men bredere bevissthet og utforskning av virkeligheten, av dens synlige og usynlige historier, mitt kunstverk er en søken etter “livet i livets kjerne”, for det som Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten gjenstand. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, mening eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn eller dager, som også ikke har grunn til å være, slutt eller formål. Mens mitt arbeid noen ganger kan fremkalle gjennomsiktigheten og lysstyrken i blyglass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skinnende skjell hvor man kan ane sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentligvis vil spillet mellom “detaljer for nært hold” – et detalj av et bilde er et helt nytt bilde – og “avstand for helheten” oppmuntre betrakterne til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å forbli ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nytt verk er en konfrontasjon med mine grenser, tvinger meg til å skjerpe mine ferdigheter og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male for meg er et daglig håndverk, en utforskning, en måte å skape meningsfulle samtaler, en søken etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Den informelle tidsalder har kun nettopp begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksisen fordobler lidenskapen for å se.

Om sammenheng i min praksis

I landskapet til moderne kunst, hvor konsept og form har like stor vekt, søker jeg å skape verk som defineres ikke av fremtredende plass, men av tilstedeværelse. Mine malerier – skimrende felt av farger og lys innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre på det endelige bildet enn den stille samspillet mellom tanke og prosess som lar det fremkomme.

Denne praksisen hviler på tre samsvarende intensjoner.

Den første er tilbaketrekning fra påtvunget mening. Ved å beskrive verkene som «uten objekt» og å ha «hverken innhold, eller mening, eller sans», håper jeg å løsne forventningen om narrativ. Det er en invitasjon til å trekke seg unna dekoding, og mot en mer direkte form for å se.

Dette leder til den andre intensjonen: prinsippet om opplevd erfaring. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “erfaring av å være.” Verket blir mindre et objekt å tolke enn et stille hendelse å føle – formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av betrakterøynene som møter sin egen blikk. Som jeg ofte bemerker, “lever det, det forandrer seg, det ser.”

Den tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som legemliggjort tenkning. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis av å slippe taket. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i selve skapelsesøyeblikket. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, slik at maleriet blir det jeg kaller et uavhengig “objekt av seg selv,” fullt avslørt først når det er vollständig. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling – tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og disiplin
Jeg taler om “meningsfulle ‘samsyn’”, men de er bare mulig innenfor omhyggelige grenser. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen er bygget med omsorg.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles, ikke er en påstand, men en tilstand – en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgi for nåtiden
En myk nostalgi henger i verket, men er nysgjerrig rettet mot nåtiden: et ønske om de “irreducerbare nødvendighetene” funnet i “stillhet og lys” – et ønske om en ren tilstedeværelse som verket selv tiefulle tilbyr.

Anstrengelse og anstrengelsesløshet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men sikter mot en resultat som føles selvstyrt, som om det “oppsto av egen vilje.” Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “den informelle tidsalder kun har begynt.” Min praksis skylder ånden i Art Informel, kanskje med mindre angst og mer ro – en uformellhet hvor tilfeldigheten ikke er et brudd, men en stille medarbeider.

I kjernen er det en søken etter “le vif” – det levende kjernen. Verket legger seg mot direkte erfaring heller enn intellektualisering. Den beskjedne skala jeg ofte velger er ment å oppmuntre intimitet, ikke blest.

Til slutt er dette bare én kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt søken. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradoks ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandskraft.

Anton Kaestner