Tristan DeLacour - Veggspeil - Furutre, Eik

Miroir Blessé;

Skulpturverk på et gammelt speil
Skulpturelt kunstverk laget av et gammelt 1800-talls speil, hvor form og proporsjoner følger Louis-Philippe-stilens arv i speilene.
Opprinnelig speil har blitt brukt som støtte for en fullstendig kunstnerisk transformasjon, i grensegangen mellom skulptur, samtidskunst og funksjonelt møbel.
Verket beholder sin opprinnelige funksjon: speilet er fortsatt brukbart og lar oss fortsatt se oss selv. Men rammeverket er bevisst blitt aggressivt kapset, brent, perforert, revet ut og utstyrt med forskjellige elementer for å endre lesningen av verket radikalt.

Et «såret» speil
Kjerneideen i verket er enkel: såre objektet som reflekterer vår egen avbilding.
Rammen bærer fysisk sporen av denne inngrepet. Noen deler av treverket er dypt svartnet, andre bare eksponert for flammer for å oppnå ulike nyanser av svart og ulike teksturer.
Karbonisering avslører til tider en sprukket overflate som nesten minner om skinn, mens fasene og manglene i det gamle speilet forblir synlige.
Det brente treverket ble deretter stabilisert for visuelt å bevare karboniseringseffektene samtidig som sotavleiringer og svarte flekker ved håndtering begrenses.
Spiker, pigtråd, deler av sirkelsagblader og ulike metalliske elementer bryter inn i eller tvinger rammen til å endres.
Disse materialene trekker direkte på punk- og industriell visuell vokabular: omvender, vold mot objektet, synlig metall, oppfylte påfunn og avvisning av en for perfekt finish.

Til dette punk-registeret svarer en mer gotisk dimensjon, særlig ved tilstedeværelsen av lys, voks, dype svarte toner og den nesten seremoniøse utformingen.
Intervensjoner som antyder blod og sår fullender dette vokabularet.
Speilrefleksjonen som en integrert del av verket
Volden som utøves mot rammen, er ikke bare dekorativ.
Speilet er et objekt som er nært knyttet til den som observerer det.
I motsetning til en tradisjonell skulptur som man betrakter utenfra, viser observatøren seg selv inni verket så snart han nærmer seg.
Rammen har blitt såret, men det er vår egen refleksjon den inneholder.
Brannskader, hulltakinger, røsking og arr som omfatter glasset blir symbolsk sett til den personen som speiler seg der.
Verket kan dermed forstås som en representasjon av hvordan sår, uhell og erfaringer som blir levd gjennom, hoper seg opp rundt identiteten uten nødvendigvis å ødelegge den.
Speilet fortsetter å oppfylle sin funksjon til tross for inngrepene det har vært utsatt for.
Denne varigheten er avgjørende for komposisjonen: Objektet er skadet, forandret og sterkt preget, men det fortsetter å returnere et bilde.
En mørk fløtende dråpe som bevisst er beholdt på isen, deltar også i dette inngrepet, og må ikke anses som en feil eller en utilsiktet forringelse.

Et verk mellom kunst og møbel
Denne delen er tenkt som et helt kunstverk, men beholder bevisst sin møbelkarakter.
Den kan henges opp og brukes som speil samtidig som den gjennom sin nærvær og sine materialer fungerer som en betydelig skulpturell veggkomposisjon.
Kontrasten mellom det gamle speilet, tradisjonelt knyttet til elegansen i en 1800-talls borgelige interiør, og de samtidige inngrepene — ild, metall, spiker, pigtråd, blader og voks — utgjør en grunnleggende del av verket.
Hensikten var derfor ikke å restaurere speilet, eller å viske ut dets alder eller mangler, men tvert imot å bruke dets historie, merker og materiale som utgangspunkt for et nytt verk.
Uregelmessighetene, brannskadene, sprekker, perforasjoner, voksmerker og synlige inngrep i rammen er en integrert del av den kunstneriske komposisjonen og bevares bevisst.