Sergio Romiti - Catalogo ragionato dei dipinti - 2019

Sergio Romiti. Catalogo raisonnato over maleriene til Sergio Romiti (Bologna, 1928-2000). 2 bind til sammen 992 sider, presenterer hele arkiverte produksjonen til kunstneren (1.640 malerier gjengitt i svart-hvitt og 137 fargerike verk). Gaveeske. I god stand - marginal bretter på baksideomslag. Bud gir uten minste reserve!!!!

Sergio Romiti (Bologna, 14. april 1928 – Bologna, 12. mars 2000) var en italiensk maler. Han sluttet aldri seg til noe gruppe. Han begynte å male i 1946. Fra 1947 deltar han aktivt i kunstlivet. Montale har kalt ham «gjenkjennelig blant tusen».

Biografi

Samme tema i detalj: Sosialistisk realismisme.
Allerede i 1946 viet han seg maleriet. Hans inntog i kunstlivet kan dateres til 1947, mens hans endelige kunstneriske dåp skjedde i 1948 da han stilte ut ved den Første nasjonale utstillingen for samtidskunst i Bologna. Utstillingen viktig fordi alle kunstnere fra mellomgenerasjonen deltar (Birolli, Guttuso, Cassinari, Corpora, Afro, Santomaso, Vedova, Mirko, Fazzini, Minguzzi) og enda viktigere fordi den fungerer som påskudd til en stormende posisjonstaking av Togliatti mot moderne kunst som en type kunst som ikke samsvarer med realisme-idealet. Etter denne fordømmelsen deles kunstnerne: de som vil redde det som reddes – som Guttuso – og de som vil tilerkjenne seg retten – som Forma-gruppen – til å være medlem av partiet men å uttrykke seg på en ny måte. Romiti tar ikke posisjon, verken med krav om realistisk eller abstrakt, og ikke medlem av partiet. Året etter stiller han ut hos Galleria del Secolo i Roma sammen med Vacchi og Barnabè. I 1954 vinner han en kjøpspris ved andre utgave av Premio Spoleto.

Han forblir i rampelyset i den italienske kunstscenen og oppnår i 1960 et personlig rom på Biennale di Venezia. Etter 60-tallet vil han bringe sin kunstneriske vei til ytterste konsekvenser. Helt uten å ha forlatt sin hjemby, unntatt i korte perioder og etter å ha levd et tilbaketrukket og enslig liv, bestemmer han seg for å ta livet av seg den 12. mars 2000.

Bologna til Sergio Romiti
Poetikk
Utgangspunktet er en helt personlig neo-kinetisk realisme (tidlig i 1950-årene), Romiti påvirkes av det uttrykks- og poetiske kodesettet til sin bys Georg Morandi. I 1954 inkluderer kunstkritikeren Arcangeli i Paragone- tidsskriftet vår helt feilaktig vår blant de siste naturalistene. Maleren som er vanskelig å tolke kan plasseres mellom Morandi og informale eller – som han pleide å si – mellom Morandi og Paco Rabanne. Faktisk bruker hans kunst metaforen om objektet som påskudd: Objektet som observeres gjentas i verkene filtrert gjennom en mental dimensjon som viser seg å være den dominerende i forholdet til utgangspunktet. Objektet gjentatt er som destillert og presentert med en sur duft, som synestetiserer angrepet som perverterer objektet. Angrepet viser seg som systematisk fra 1955. Før det var den mentale og strukturelle rammen av arbeidene hans veldig sterk. Etter hvert går strukturen tapt, skillet mellom objekt og bakgrunn blir mindre tydelig, den objektrelaterte skall utvides og destilleres. Subtraksjonen, i tillegg til objektet, begynner også å omfatte farger: fra kjøttforretningers rødt i 1948-1949, til blått og grønnaktige nyanser i kjøkkener med hyller, bord og senere tørkerom, når man i 1960 når svart/hvitt, en konsekvent valg som ble opprettholdt til 1965, året da de kromatiske bandene, malerfelt og tilnærmet svarte områder er praktisk talt svarte og de tynne lysstråler av lys – i en dempet grå nyanse – bryter gjennom en tunnel inn i hvilket kunstneren har gått uigenkallelig inn. Nå er objektet absorbert tilbake i bakgrunnen, objektet har blitt til tomrom, de myke penselstrøkene bærer en lav ph. Dette er veien som samtidig bringes videre i litterært område av Ungaretti og Montale, sistnevnte en forfatter som vil definere Romitis maleri som gjenkjennelig blant tusen. Det er nå at kunstneren slutter å male, kanskje fordi han føler at han har nærmet seg den første graden av sin poetiske vei. Men ute av stand til å holde seg borte fra maleri, vender han seg tilbake på tå for å fortsette på spor som allerede så ut til å være avsluttet i 1965. Av 1976 er den viktige retrospektiven over vår mann i Bologna kuratert av Maurizio Calvesi. Etter dette, frustrert over manglende forståelse for de siste årenes arbeid, blir han rammet av et bittert følelsesmessig utbrudd som han bevisst avslutter i 2000 med sitt liv. I 2006 arrangerer Fondazione Cassa di Risparmio di Bologna en retrospektiv over ham, og inkluderer også uferdige verk. I 2008 markerer artistens 80-årsdag.

En videre lesning. Allerede på 60-tallet prøvde Sergio Romiti å få tilbake et rom i maleriet som han følte ble kompromittert av «perdre pied» (som kritiker Tapié beskrev det) av den dominerende kunsten i tiden: Informel. Han endte opp med å nå en stadig mer dominerende «gravitas», uten å forsømme den formen av den ’letthet’ og til og med den ’usikkerhet’ som lå ham nær. Maleriene fra tidlig 60-tallet (type århundrets for øvrig) viser stort sett et mykt grått fargespill, med innslag av svart eller rødt. Den åpenbare motstanden mot informell kunst kostet ham likevel anklagen fra enkelte kritikere for å være «imot moderniteten». Gjennom tiåret blir det mer tydelig i hans maleri (som hadde beholdt en form for ’ydmykhet i å gjøre’ også i trofasthet til tradisjonelle verktøy i maleriet, og til og med i små eller mellomstore formater) en slags grusomhet i stroken, som viser et behov for å «begrense» Informalismen uten å adoptere det Figurative, eller en kompositorisk struktur hvor formen fremstår som nærmest geometrisk overlappet på malerarbeidene: formen forblir inneboende og nødvendig til hjertet i komposisjonene, hvor man kan fange opp det «bremsene» (og «akselerasjonen», og «stridene»: bevegelsen, kort sagt) som kunstneren hadde hintet om i disse bildene, som ble klassifisert som «svarte» på grunn av fargen dominerende i dem. De spesielle lagdelinger og oppløsninger, de plutselige opplysningene, eller mørke i denne malerarten kunne også indikere de komplekse bevegelsene i psyken, med overføringen av den indre aktivitet som har fått navnet «strøm av bevissthet». Men tatt i betraktning hans egne uttalelser om dette, oppfattet Romiti da mest å gjøre skade på den «aske» i hvor livet mister sin særegenhet og risikerer å bli, nettopp, bare støv, eller oppløsning, eller aske, ikke tilstrekkelig komprimert av kunstnerens kritiske/formale inngrep, før den endelige kollaps som er døden, altså før fullbyrdelsen (så fullt som mulig) av talentet som hver og en får ved fødsel. Likevel virker «dynamikken» i hans bilder alltid mer som den andre siden av en tiltrekning som, likt den motsatte mot Informalismen, kan virke ødeleggende på livet: det kan virke, i det minste som en annen «disparat eksperimentering» i opprinnelsen. Faktisk, hvis den ene eller andre impulsen (den mer «livlige», bevegelsens, eller den «statisk», asken) blir for sterk, «ut av mål», eller hvis bare stemmen, foreldret, blir for dominerende i nåtiden over alle andre stemmer: da vil forfallet av den nåværende historiske periode, som mange studenter har beklaget, få overtaket. Likevel består det i Romiti behov, omdiskutert og vitalt, for å gjenfinne objektene i “reality” (som allerede var «a lost» i de mest kjente og gjenkjennelige formene) og igjen gjøre dem sensitive til hans blikk. Men i disse årene ser bare skygge og lys ut til å ha tatt sin plass. Gjennom hele 70-tallet blir hans oljemalerier preget av en slags „absolutisering av nåtiden”, med alt det aggressive dette kan medføre. I de siste to tiårene står vi overfor en sårt tilstand i hans liv, svingende mellom lys og mørke, som bildene avslører, og som likevel viser seg mindre tiltrekkende (som i forrige ti-år) til en idé om livet som en ensartet og mer radikalt «opprør». Det finnes fortsatt «objektets odyssé», og det finnes – ofte fortvilet – bevegelsen (med «stoltheten i å ta den»!). Det finnes imidlertid, ved siden av enkelte overdrivelser av følelsesmessighet eller mindre «klarhet», en markant tiltrekning mot et annet, metafysisk horisont. Faktisk, med gjenoppdagelsen av en «lykke med å male», hvor nåtiden – aldri uunngåelig – må gjøre seg til et laboratorium for andre tider i vårt liv, har dimensjonen av «å være» blitt mer påtrengende sammen med det som, i motsatt retning, kan kalles av «vurde» (døden). Denne dimensjonen blir mer synlig i de siste acrylene, nettopp som følge av malerens trang til å gjenvinne, i så stor helhet som mulig, «hele virkeligheten»: undergrunn – og fantasier som er mer «ydmyke» og barnslige, og tro på det transcendente, og enda «bevegelse» og immanens - inkludert.

Kilder: Kritikeren Giovanni Maria Accame har nylig vist noen verker av Sergio Romiti ved Den kunstneriske klubben i Bologna i tiåret siden hans død. Teksten til presentasjonen er inkludert i en cd hos Circolo Galleriet.

Fra teksten av G. M. Accame «L'équilibrio minacciato»: «Sergio Romiti and the image of the future», av G. G. R.

De er fortsatt i en fase som så å si aurorale og amatørlignende i bruken av det skrevne ord. Derfor er jeg svært varsom med å kalle meg for en “poet” som ville følge med sine ord til maleriene til mannen min Sergio Romiti. Likevel blir jeg inspirert til å gjøre det – selv om jeg har få eksempler på hva jeg har skrevet, og utsetter meg for anklager om driv eller verre – spesielt for det som viste seg å være, i våre år sammen, en grunnleggende og uvanlig erfaring av «relasjon». Jeg gir heller ikke avkall på å strekke meg for dette formålet utover den uomtvistelige sentrale buen (årene ‘60/70) av “tankefragmentene” tatt i betraktning av Giovanni M. Accame (og Gisella Vismara) med så skarp fornuft og deltakelse, for å våge meg helt fram til de siste årene av Romitis aktivitet (årene ‘80/’90): år og verk som var mer improviserte, kan man si, men likevel gjennomsyret av en kreativ utforskning som ble erfart i dybden før den tilsynelatende ble forsømt, og nylig satt i lys i en utstilling kuratert av Michela Scolaro ved Fondazione Del Monte i Bologna. Det er nettopp i disse årene – det er i verkene som ble til i dette tidsrommet – at min oppfatning av Accames innsikt om den «bevegelsen» som ser ut til å animere verkene, blir tydeligere. Det skaper en flukt mellom ideen om «dynamikk» og det om «stillhet» (eller tidløshet) av Væren, og bringer fram en “narrativ syntaks” som ikke lenger er den for klassisk kunst (som det heller ikke var i verkene før): man har mistet “den røde tråden i fortellingen” og alt er blitt «ikke-narrativt» (slik Lavagetto sier om Proust). «Bevegelsen» og «diskontinuiteten» i Romiti finner en korrespondanse i de uendelige forgreninger og transformasjoner av Selvet i Proust – ellers rettet mot å konstruere en ikke-irl realism. Jeg tillater meg å hente for Romitis maleri en kritisk parameter som ligner på den som Lavagetto så fruktbar, og gjentar at hans tilbaketrekning inn i seg selv og sitt univers, blitt kritisert av noen (det er ikke nødvendig for en kunstner å lytte, og enda mindre å elske seg selv?) skjer også i ham for å ta det andre og verden til alle («je ne suis pas moi» siteres av Lavagetto om Proust, mens «je est un autre» fra Rimbaud siteres av M. Scolaro for Romiti). Hans karakter (og i hvert fall delvis tidsåndens estetikk) bekreftes i de sporadiske og tilfeldige refleksjoner som nå og da tilbys leseren (til en slags «mindre språk» som Accame refererer til) som henvender seg til leseren, sammen med de større uttrykkene i hans maleri, til den truende balanse som tittelen antyder. Men... truende balanse, nettopp; ikke tapt. Kanskje til og med bevart for en mer konsistent tilnærming til virkeligheten: Romiti har, slik det blir bekvemt sagt, «svevd» i forhold til samtidens (og klassisk) aktualitet, og har formidlet gjennom sin kunst et fast bilde av fremtiden, og etterlater oss en mer åpenbar godkjennelse – mer tydelig å få øye på i “de svarte maleriene” – av de nittende og tjuende århundresavantgardisme som ikke ble tatt helt vekk, men som samtidig ikke kunne unnlate å ivareta en erindring som ikke kunne sentreres bare rundt ham, vår kunst i århundrene. Romiti har ikke tapt seg i en eneste vei som han har brukt, og har aldri forrådt sitt innerste, som ofte ble misforstått, en dåp som også for oss er en form for “relasjon” (og som har vært for oss som en slags tvangsfelles ytelse av et liv) et innslag av levd liv i tider av kunst. Og omvendt.