Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Unik bit, originalt maleri av Anton Kaestner, rett fra studioet.
#123 - M - " Lava #2 ".

Sprøytet akryl på plexiglassplate på 3 mm (UV-bestandig).
Gjennomsiktigheter på oransje trykk.
Dette maleriet er ikke en trykk. Det er et.originalt verk av “multitt‑lag” hvis blanke, glossy overflate som ligner på påføring av et resin, og som er unik.

Dimensjoner: Inch 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Ramme av høy kvalitet fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 Sort matt (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved forsendelse for et tillegg på 90€inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et Certificat d’Authenticité følger med.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter basert i Paris. Verkene hans er utstilt over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og valg på www.antonkaestner.com.

Neste separatutstilling - Geneve januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og kulturelle rikdommen i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i min familie, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantet frøet til det som senere skulle bli livets lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimentere med utallige akryler i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke‑figurativ maleri og abstrakt ekspressjonisme.
I løpet av tiden, og mens jeg anser meg selv som atheist, utviklet jeg også en glede for åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dype sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg verden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, gjennom Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet perspektivet mitt, og eksponerte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Hvor jeg enn dro, fordypte jeg meg i de lokale kunstscenene og engasjerte meg i den kreative energien til hvert sted.
Til tross for fokus på min forretningskarriere, var kunst alltid en del av meg, stille simmerende under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte erfaringer. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre et ærlig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sitt eget liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra min forretningskarriere, viet jeg meg fullt til maleri. Jeg etablerte studioet mitt i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten min. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fikk arbeidet raskt anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederlandene.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første separatutstilling, "Échos", holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, borte fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metallpigmenter og spray på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glossy og noen ganger skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen—noe jeg vel å merke setter pris på. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” – alt er tillatt for å kortslutte rasjonalitet! – å styre utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og lar rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir utstilt. Men la oss være klare: i bildene mine tar tilfeldighetene aldri beslutningene; i det meste er tilfeldighetene spørsmålene; meningsfulle “sannsynligheter” er bare mulig med en stor disiplin. Denne tilnærmingen som ekkoer revelasjonen / fikseringsprosessen i fotografi er utfordrende og frigjørende. Verkomposisjonens verdier berikes av lag og gjennomskinnelighet, samtidig som hvert verk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er fornøyd når jeg gjenkjenner “irreducible necessities”, dvs. hva vi sannsynligvis vil oppdage når vi stiller oss i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “emosjon” eller “teoretisk oppfatning” men erfaringen av å være. Verken “rask inntak” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier; min kunst er en søken etter “livet ved selve hjertet av livet”, etter det Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgien alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Derfor har de verken innhold, betydning eller mening; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som heller ikke har grunn til å være, ende eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan vekke gjennom transparenthet og lysstyrke av farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en glinsende overflate der man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det endres, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, mellom de manglende delene, krever også empati. Forhåpentligvis vil lek mellom “detaljer for nær”, - et detalj av et bilde er et helt nytt bilde - og “avstand for helheten”, oppmuntre betraktere til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å være ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sett finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige spørsmålsstillingen og veksten. Hvert nytt verk er en konfrontasjon med grensene mine, som tvinger meg til å finjustere ferdighetene og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male for meg er et daglig håndverk, en utforskning, en måte å utløse meningsfulle samtaler, en søken etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Den informelle tidsalder har nettopp begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksisen forøker lidenskapen for å se.

Om konsistensen i min praksis

I landskapet av samtidskunst, der konsept og form har lik vekt, søker jeg å skape arbeid som ikke defineres av fremtredende posisjon, men av tilstedeværelse. Mine malerier—glitrende farve- og lysfelt innenfor plexiglass—er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det virkelige fokuset mindre på det endelige bildet enn den stille samspillet av tanke og prosess som lar det å oppstå.

Denne praksisen hviler på tre sammenbundne intensjoner.

Den første er en Tilbaktrekning fraPåtvunget Betydning. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og å ha “hverken innhold, eller mening, eller sans”, håper jeg å løsne forventningen om narrativ forsiktig. Det er en invitasjon til å avstå fra avkodning, og mot en mer direkte måte å se på.

Dette leder til den andre intensjonen: Primatet av Levde Erfaring. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “erfaring av å være.” Verket blir mindre et objekt å tolke enn en stille hendelse å føle—formet av skiftende lys, gjennomskinnelige lag, og den bløte refleksen av betrakterens eget blikk.
Som jeg ofte bemerker, “lever, det endres, det ser.”

Den tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som legemliggjort tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis i å slippe kontroll. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig “objekt av seg selv”, fullt avslørt først når det er ferdig. Det er et stille parallell til fotografisk utvikling—en tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘sammenfall’,” men de er bare mulige innenfor omhyggelige grenser. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikasjon uten Budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en uttalelse, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en merkbar stillhet.

Nostalgi for Nåtiden
En myk nostalgi ligger i verket, men den er underlig nok rettet mot nåtiden: et ønske om de “irreducible necessities” funnet i “stillhet og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og Letthet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men sikter mot et resultat som føles autonomt, som om det “oppsto av egen vilje.” Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I ånden av dette har jeg kommet til å føle at “den informelle tidsalderen nettopp har begynt.” Min praksis er i gjeld til ånden til Art Informel, om enn kanskje med mindre angst og mer ro—en informellitet der tilfeldigheten ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I kjernen ligger en søken etter “le vif”—den levende kjernen. Verket trekker mot direkte opplevelse fremfor intellektualisering. Den beskjedne skalaen jeg ofte velger, er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakkel.
Til slutt er dette bare en kunstnerisk sti. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt søken. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradokser ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner