Anton Kaestner - #480 - M - " Punta del Este #1 ".

Unik skapning, original maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#480 - M - " Punta del Este #1 ".

Sprøyte-akryl på 3 mm plexiglassplate ( UV-bestandig ).
Dette maleriet er ikke en trykk/avtrykk. Det er et originalt verket i flere lag med en skinnende «glossy» finish som likner på påføring av harpiks og som er helt unik.

Dimensjoner: Tommer 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Ramme av høy kvalitet fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 520 belagt med hvitt eikelaminat (Tommer 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved forsendelse for et tillegg på 90 € inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et Ekthetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter bosatt i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og flere valg på www.antonkaestner.com.

Neste separatutstilling - Genève januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og den kulturelle rikdommen i mitt fedreland. Kreativitet ble verdsatt i min familie, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse så frøet til det som senere skulle bli lidenskapen i livet mitt.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akrylmalerier i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verker kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først trukket mot ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og selv om jeg regner meg som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår drev jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg verden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet perspektivet mitt og utsatte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Enten jeg var hvor som helst, fordypet jeg meg i lokale kunstscener og omfavnet den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokus på forretningskarrieren, var kunst alltid en del av meg, stille simmerende under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nytt verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte erfaringer. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å gi andre en oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over eget liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra min forretningskarriere, viet jeg meg helt til maleri. Jeg etablerte mitt studio i Paris og begynte å vie meg fullt og helt til min kunst. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk arbeidet mitt rask anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første separatutstilling, "Échos", holdt i Paris i slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst som står i motsetning til tradisjonell maleteknikk: jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glansfull og noen ganger sårbar overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg velkommer. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” - alt går for å korte ned fornuften! – å veilede utfall, lagene og speileffektene jeg skaper, og gir rom for åpenbaring og oppdagelse når verket endelig blir vist. Men la oss være klare: i bildene mine tar ikke tilfeldigheter beslutningene; mesteparten av tiden stiller tilfeldighetene spørsmålene; meningsfulle “sams-yn” er bare mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen som klinger med revelasjonen/fikseringen i fotografi er utfordrende og frigjørende. Verkkvaliteten blir beriket av lag og transparenser, samtidig som hvert verk får en «asketisk» kvalitet: Jeg er glad når jeg gjenkjenner “irreducerbare nødvendigheter”, dvs. hva vi sannsynligvis oppdager når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “isk” eller “teoretisk forståelse”, men opplevelsen av å være. Verken “raskt konsum” eller “intellektualisering / intellektuell eierskap”, men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, av dens synlige og usynlige historier, mitt kunstverk er et søk etter «liv i livets kjerne», for det Alain Damasio kaller «le vif». Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Likt alle objekter er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, mening eller hensikt; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også har verken grunn til å være, slutt eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle gjennomsiktigheten og lysstyrken til farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skinnende hud der man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentlig vil spill mellom “detaljer for nær” - et lite bilde er et helt nytt bilde - og “avstand for helheten” oppmuntre betraktere til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å forbli ydmyk om hva som kan oppnås. Rett og slett finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nye verk er en konfrontasjon med mine grenser, som driver meg til å forbedre ferdighetene og utforske mer hva jeg kan oppnå. Å male for meg er et daglig håndverk, en utforskning, en måte å sette i gang meningsfulle samtaler, en jakt etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Den informal-æraen har knapt begynt.

Som Jean Bazaine ville si: «Den daglige praksisen multipliserer lidenskapen for å se».

Om samstemthet i min praksis

I landskapet til samtidskunst, hvor konsept og form har lik betydning, søker jeg å skape verk som defineres ikke av fremtredende posisjon, men av nærvær. Mine malerier – skimrende felt av farge og lys innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst etterforskning. For meg er det sanne fokuset mindre på det endelige bildet enn den stille samspillet mellom tanke og prosess som lar det komme til uttrykk.

Denne praksisen hviler på tre sammenfallende intensjoner.

Den første er en Tilbaketrekning fra Pålagt Mening. Ved å beskrive verkene som «uten objekt» og ha «hverken innhold, mening eller sans», håper jeg å løsne forventningen om narrativ. Det er en invitasjon til å trå ut av avkodning og mot en mer direkte måte å se på.

Dette fører til den andre intensjonen: Primatet av Levde Erfaring. Inne i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en «erfaring av å være». Verket blir mindre et objekt som skal forstås enn en stille hendelse som skal føles – formet av skiftende lys, translucent lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sitt eget blikk. Som jeg ofte bemerker, “verket lever, det forandrer seg, det ser.”

Den tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som Inkarnert Tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis av å slippe kontrollen. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i selve skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men gir slipp på utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig «objekt av seg selv», fullt avslørt først når det er fullført. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling – tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde fast ved disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘sams-yn’,” men de er kun mulige innenfor presise rammer. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikasjon Uten Budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en påstand, men en tilstand — en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en påtagelig stillhet.

Nostalgi for Nåtiden
En myk nostalgi henger i verket, men det er underlig rettet mot nåtiden: et ønske om de “irreducerbare nødvendigheter” funnet i “stillhet og lys” — et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og Anstrengelsesløshet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men har som mål et resultat som føles selvstendig, som om det “oppsto av egen vilje.” Jeg tiltrekkes av det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “alderen av det uformelle nettopp har begynt.” Praksisen min skylder sin ånd til Art Informel, om enn kanskje med mindre smerte og mer ro – en uformellhet der tilfeldigheten ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I hjertet finner man jakten på “le vif” – livets kjerne. Verket peker mot direkte erfaring snarere enn intellektualisering. Den beskjedne størrelsen jeg ofte velger, er ment å oppmuntre til intimitet, ikke til storslåtthet.

Til syvende og sist er dette rett og slett én kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt søken. Jeg har funnet ut at en praksis som er forankret i stille paradokser ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, tror jeg, en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner