Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Unik gjenstand, original maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#485 - M - " Landskap #1 ".

Acrylic spray på 3 mm plexiglassplate ( UV- beskyttelse ).
Dette maleriet er ikke et trykk. Det er et originalt verk i «multi-lags»-utførelse med en blank, glossy finish som minner om å påføre et resinemateriale, og som er helt unik i sitt uttrykk.

Dimensjoner: Innhold 17,3 x 12,6 x 0,12 cm / 44 x 32 x 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Ramme av kvalitetsmerket tysk Nielsen i aluminium, referanse 34 520, produsert i eikefinish (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved forsendelsen mot et tillegg på 90 € inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et autentisitetssertifikat følger med.
Leveransen er forsikret.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter basert i Paris. Hans verk vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste separatutstilling – Genève januar 2027.

Biografi
Fødtes i Genève, Sveits. Jeg vokste opp omgitt av den naturlige skjønnheten og den kulturelle rikdommen i hjemlandet mitt. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantet frøet til det som etter hvert skulle bli min livslange lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, og eksperimenterte med utallige akryler i A4 og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder møter deg rett anklene, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først dratt mot ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og selv om jeg anser meg selv som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer som resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som førte meg over hele kloden, fra USA til Marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Mine reiser bredte mitt perspektiv, og utsatte meg for en rekke kulturelle påvirkninger. Uansett hvor jeg dro, fordypet jeg meg i de lokale kunstscenene og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokus på forretningskarrieren har kunst alltid vært en del av meg, stille smådempet under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg — en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise der jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra forretningskarrieren, viet jeg meg fullt og helt til maleri. Jeg etablerte studio i Paris og begynte å vie meg fullstendig til kunsten. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk arbeidet rask anerkjennelse og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederlandene.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Første soloutstilling, "Échos", som ble holdt i Paris i slutten av 2024, viste en distinkt tilnærming til kunst, borte fra tradisjonelle malerteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glatt og noen ganger sårbar overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen—noe jeg velkommen. Jeg tillater «tilfeldige eksperimenter» -alt går for å korte ned til fornuft! - å veilede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gi rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig eksponeres. Men la oss være klare: i bildene mine tar ikke tilfeldigheter beslutningene; i verste fall stiller tilfeldighetene spørsmålene; meningsfulle «tilfeller» er kun mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen som ekkoer fotografiets åpenbarings-/fikseringsprosess er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og transparenser, samtidig som hvert verk får en «asketisk» kvalitet: jeg er lykkelig når jeg gjenkjenner «irreducerbare nødvendigheter», dvs. hva vi sannsynlig finner når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen bevisst enkel. Verken «emosjon» eller «teoretisk begrep» men erfaring av å være. Verken «rask konsumering» eller «intellektualisering / intellektuell besittelse», men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, mitt kunst er en søken etter «livet i kjernen av livet», det som Alain Damasio kaller «le vif». Selv om nostalgien alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten gjenstand. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, mening eller betydning; de er som ting, trær, dyr, menn eller dager, som også har verken grunn for å være, endelig mål eller formål. Mens arbeidet mitt iblant kan fremkalle gjennomsiktigheten og luminositeten til farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Videre gir plexiglass maleriet en glinsende hud hvor man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det endrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentlig vil spillet mellom «detaljer for nærbilder» - et detaljert må tas som et helt nytt bilde - og «avstand for helhet» oppmuntre tilskuere til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke at jeg har alle svarene og ønsker å forbli ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige spørsmålstillingen og veksten. Hvert nytt verk er en konfrontasjon med mine grenser, som tvinger meg til å finpusse ferdighetene mine og utforske videre hva jeg kan oppnå. For meg er maleri en daglig håndverk, en utforskning, en måte å skape meningsfulle samtaler, en søken etter et maleri så perfekt at det ikke trenger oss. Alderen for det uformelle har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: «Den daglige praksisen mangedobler lidenskapen for å se.

Om kohærens i min praksis

I landskapet av samtidskunst, der konsept og form har like stor vekt, søker jeg å skape verk definert av nærværet og ikke av fremtredende posisjon. Maleriene mine—skinnende felt av farge og lys innenfor plexiglass—er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre på det endelige bildet enn den stille samspillet mellom tanke og prosess som lar det komme fram.

Denne praksisen hviler på tre sammenfallende intensjoner.

Den første er en Tilbaketrekning fra Pålagt mening. Ved å beskrive verkene som «uten objekt» og å ha «hverken innhold, mening eller sans», håper jeg å løsne forventningen om fortelling. Det er en invitasjon til å trå ut av avkodingen og inn i en mer direkte slags betraktning.

Dette leder til den andre intensjonen: Primacy of Lived Experience. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en «opplevelse av å være». Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse å føles—formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sin egen blikk. Som jeg ofte bemerker, «verket lever, det endrer seg, det ser.»

Den tredje er hvor ide møter hånd: Prosess som legemliggjort tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis for å slippe taket. Det er en bevisst frigjøring av kontroll i handlingen av å skape. Jeg setter betingelser, men gir opp utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig «objekt av seg selv», fullt avslørt først når det er fullført. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling—tålmodig venting på det som kommer «her og nå.»

Å holde disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder verket:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg taler om «meningsfulle ‘tilfeller’», men de er kun mulige innenfor nøye grenser. Tilfeldigheten er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omsorg.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å «kommunisere noe» gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles, ikke er en påstand, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgi for nåtiden
En myk nostalgi hviler over verket, men den er underlig nok rettet mot nåtiden: et ønske om de «irreducerbare nødvendigheter» funnet i «stillhet og lys»—et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og letthet i arbeid
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men søker et resultat som føles autonomt, som om det har «oppstått av seg selv.» Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at «tiden for det uformelle nettopp har begynt». Min praksis er i gjeld til ånden til Art Informel, kanskje med mindre lidelse og mer ro—en uformellitet der tilfeldighet ikke er et gjennombrudd, men en stille samarbeidspartner.

I kjernen er det et søk etter «le vif»—den levende kjernen. Verket gir seg mer til direkte erfaring enn til intellektualisering. Den beskjedne skalaen jeg ofte velger, er ment å oppmuntre til intimitet, ikke til spectacle.

Til syvende og sist er dette bare én kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en og samme søken. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradoks ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, tror jeg, en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner