Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Spesiell utgave, originalt maleri av Anton Kaestner, direkte fra verkstedet.
#484 - M - " Landskap #2 ".

Sprøyteakrylmaling på 3 mm plexidekkeplate (UV-bestandig).
Dette maleriet er ikke et trykk. Det er et originalt verk i "multi-lag" der den blanke, glansfulle finishen nær resinens anvendelse er unik.

Dimensjoner: Tommer 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Ramme av høy kvalitet fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 520 belagt med Helt hvit eik (Tommer 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) anbefales og er tilgjengelig ved avsendelse for et tillegg på 90€ inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et autentisitetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter basert i Paris. Verker hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og valg finnes på www.antonkaestner.com.

Nærstående personlig utstilling – Geneve januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnhet og den kulturelle rikdommen i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse sådde frøet til hva som til slutt skulle bli livets lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterende med utallige akrylmalerier i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid ment at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan vekke mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativt maleri og abstrakt eksistensialisme.
Over tid, og mens jeg anser meg selv som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg rundt om i verden, fra USA til Marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Reisen min utvidet perspektivet, og satte meg i kontakt med et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Uansett hvor jeg reiste, fordypte jeg meg i det lokale kunstmiljøet og møtte den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokus på forretningskarrieren var kunst alltid en del av meg, som særdeles stille småkoking under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å frigjøre meg fra verden og fokusere på mitt indre.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste kreativiteten min, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom kunsten har jeg alltid håpet å tilby andre et genuint møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over eget liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra forretningskarrieren, jeg fullt ut viet meg til maleri. Jeg etablerte mitt studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Ved utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fikk arbeidet raskt anerkjennelse, og fant hjemme i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederlandene.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig prestekjeller i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første soloutstilling, "Échos", holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, borte fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprøyte på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glansfull og noen ganger sårbar overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg velger å omfavne. Jeg tillater "tilfeldige eksperimenter" -alt er lov for å avkortes fornuften! - å veilede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gi rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir vist. Men la oss være klare: i bildene mine tar ikke tilfeldighetene beslutningene; i verste fall stiller tilfeldighetene spørsmål; meningsfulle "samsenheter" er bare mulig med en stor disiplin. Denne tilnærmingen som klinger med avslørings-/fikseringsprosessen i fotografi, er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og gjennomskinnelighet, og gir hver arbeid en "asketisk" kvalitet: Jeg er lykkelig når jeg gjenkjenner "irreducerbare nødvendigheter", dvs. hva vi sannsynligvis vil oppdage når vi stopper opp i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken "følelser" eller "teoretisk begrep" men erfaring av å være. Verken "rask konsumering" eller "intellektualisering / intellektuell besittelse", men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, er kunsten min en søken etter "liv i hjertet av livet", etter det Alain Damasio kaller "le vif". Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, betydning eller mening; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også har verken grunn til å være, slutt eller formål. Selv om verket mitt noen ganger kan fremkalle gjennomsiktigheten og luminositeten i farget glass, forblir det nærmest helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en glitrende hud hvor man kan få øye på sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av det manglende også, krever bare empati. Forhåpentlig vil leken mellom "detaljer for nærheten" - et detalj av et bilde er et helt nytt bilde - og "avstand for helheten" oppmuntre betraktere til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å være ydmyk angående hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nye verk er en konfrontasjon med mine grenser, som driver meg til å finpusse ferdighetene mine og utforske mer hva jeg kan oppnå. Å male for meg er et daglig håndverk, en utforskning, en måte å skape meningsfulle samtaler på, en søken etter et maleri som er så perfekt at det ikke har behov for oss. Øya av det uformelle har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksisen multipliserer lidenskapen for å se."

Om sammenhengen i min praksis

I samtidskunstens landskap, hvor konsept og form har lik vekt, søker jeg å skape verk som ikke defineres av fremtredende plass, men av tilstedeværelse. Mine malerier – skimrende felt av farger og lys innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre final bildet enn den stilles sorte samspill av tanke og prosess som lar det bli til.

Denne praksisen hviler på tre sammenfallende intensjoner.

Den første er et Tilbaketrekk fra pålegg om mening. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og som har “verken innhold, betydning, eller sans”, håper jeg å løsne forventningen om narrativt innhold. Det er en invitasjon til å trekke seg unna avkodingen og mot en mer direkte måte å se på.

Dette leder til den andre intensjonen: Primacy of Lived Experience. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “opplevelse av å være”. Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse som skal føles – formet av skiftende lys, gjennomskinnelige lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sitt eget blikk. Som jeg ofte merker, “lever det, endrer det seg, ser det.”

Den tredje er der idé møter hånd: Prosess som legemliggjort tanke. Å male på baksiden av plexiglass, arbeide uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis i å gi slipp. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig “objekt i seg selv”, fullt avslørt først når det er fullført. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling – en tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder verket:

Tilfeldighet og disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘samsenheter’,” men de er bare mulige innenfor nøye grenser. Tilfeldigheten er en velkommen gjest, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en uttalelse, men en tilstand – en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig ro.

Nostalgi for nåtiden
En myk nostalgi henger ved verket, men den er underlig nok rettet mot nåtiden: et lengsel etter de “irreduserbare nødvendigheter” som finnes i “stillhet og lys” – et ønske om ren nærvær som verket selv rolig tilbyr.

Anstrengelse og anstrengelsesløshet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men sikter mot et resultat som føles autonomt, som om det “oppsto av egen fri vilje.” Jeg tiltrekkes av det som virker helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “tiden for det uformelle nettopp har begynt.” Min praksis skylder ånden til Art Informel, om enn kanskje med mindre lidelse og mer ro – en uformellhet hvor tilfeldigheten ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I kjernen er det et søk etter “le vif” – det levende kjernen. Verket lener seg mot direkte erfaring heller enn intellektualisering. Den beskjedne skalaen jeg ofte velger er ment å oppmuntre intimitet, ikke spectacle.
Til syvende og sist er dette bare en kunstners vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt søken. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stillt paradoks ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandskraft.

Anton Kaestner