Anton Kaestner - #481 - M - " Punta del Este #2 ".

Éneste verk, original maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#481 - M - " Punta del Este #2 ".

Sprøyteakryl på plexiglassplate av 3 mm (UV-bestandig).
Dette maleriet er ikke et trykk. Det er et originalt verk med flere lag hvor den blanke, glossy finishen som minner om påføring av epoxy er unik.

Dimensjoner: Tommer 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 520 eik
hvit (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved avsendelse for en tilleggskostnad på 90€ inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et Certificate of Authenticity følger med.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter basert i Paris. Verkene hans stilles ut over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og valg på www.antonkaestner.com.

Neste separatutstilling – Genève januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og kulturelle rikdommen i hjemlandet. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantet frøet til hva som senere skulle bli min livslange lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akryler i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder møter deg rett på, dominerende og skremmende, mens små verk kan vekke mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og selv om jeg betrakter meg som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer som resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg over hele verden, fra USA til marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet min horisont, og jeg ble eksponert for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Hvor jeg enn gikk, fordypet jeg meg i de lokale kunstscenene og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på forretningskarrieren var kunst alltid en del av meg, stille simmerende under overflaten. I nesten 30 år ble maling en form for hemmelig meditasjon for meg — en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre liv.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte erfaringer. Gjennom kunsten har jeg alltid håpet å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sitt eget liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra forretningskarrieren, forpliktet jeg meg fullt ut til maleri. Jeg etablerte mitt studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Ved utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk verket raskt anerkjennelse, og fant tak i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Mitt første separatutstilling, «Échos», holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, avvikende fra tradisjonelle maleteknikker: jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og spray på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, skinnende og noen ganger sårbar overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen—noe jeg velger å se på som en mulighet. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” – alt går for å kortslutte fornuften! – for å lede utfall, lagene og speileffektene jeg skaper, og gi rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir utstilt. Men la oss være tydelige: i bildene mine tar tilfeldighetene aldri beslutningene; i verste fall stiller de spørsmål; meningsfulle “tilfelligheter” er bare mulige med stor disiplin. Denne tilnærmingen som ekkoer avslørings-/fikseringsprosessen i fotografi er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og gjennomsiktigheter samtidig som hvert verk får en “asketisk” kvalitet: jeg er lykkelig når jeg gjenkjenner “uunngåelige nødvendigheter”, dvs. det vi sannsynlig oppdager når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “emosjon” eller “teoretisk forestilling” men erfaringen av å være. Verken “rask konsum” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men bevissthetens bredning og utforskning av virkelighet, dens synlige og usynlige historier, mitt kunst er en søken etter “livet i selve hjertet av livet”, for hva Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, mening eller hensikt; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også ikke har noe definert eksistensberettigelse eller slutt. Mens arbeidet mitt noen ganger kan antyde gjennomskinnelighet og lysstyrke som i farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skimrende hud hvor man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det endrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, mangelen på deler også, krever bare empati. Forhåpentligvis vil spill mellom “detaljer for nært” - et lite bilde er et helt nytt bilde - og “avstand for helhet” oppmuntre betrakterne til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å være ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nytt verk er en konfrontasjon med mine grenser, som tvinger meg til å raffinere mine ferdigheter og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male er for meg et daglig håndverk, en utforskning, en måte å frembringe meningsfulle samtaler, en søken etter en maling så perfekt den ikke trenger oss. Den tidlige fargen har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville si: «Den daglige praksisen fordobler lidenskapen for å se.

Om sammenhengen i min praksis

I landskapet av samtidskunst, der konsept og form har lik vekten, søker jeg å skape verk definert ikke av fremtredende plass, men av nærvær. Mine malerier—skinnende felt av farge og lys innenfor plexiglass—er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det virkelige fokuset mindre på det endelige bildet enn på den stille samspillet mellom tanke og prosess som lar det komme til syne.

Denne praksisen hviler på tre tilkoblede intensjoner.

Den første er en Tilbaketrekning fra påtatt mening. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og ha “hverken innhold, mening eller sans” håper jeg å løsne forventningen om narrativ. Det er en invitasjon til å trekke seg unna tolkning, og mot en mer direkte måte å se på.

Dette fører til den andre intensjonen: Primacy of Lived Experience. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “erfaring av å være.” Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse som skal føles—formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sitt eget blikk. Som jeg ofte nevner, “verket lever, det forandrer seg, det ser.”

Den tredje er der ide møtes med hånd: Prosess som legemliggjort tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis å gi Slipp. Det er en bevisst frigjøring av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men gir opp utfallene, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig “objekt i seg selv,” fullt avslørt først når det er fullført. Det er en stille parallel til fotografisk utvikling—en tålmodig venting på hva som kommer “her og nå.”

Å holde fast ved disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder verket:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘tilfelligheter’,” men de er bare mulig innenfor forsiktige rammer. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikasjon Uten Budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en påstand, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en påtagelig ro.

Nostalgie for Nåtiden
En myk nostalgi henger igjen i arbeidet, men den er merkelig rettet mot nåtiden: et ønske om de “uunngåelige nødvendigheter” som finnes i “stillhet og lys”—et ønske om ren nærvær som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og Letthet
Prosessen krever konstant oppmerksomhet, men har som mål et resultat som føles autonomt, som om det “oppsto av sin egen vilje.” Jeg tiltrekkes av det som virker helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “tiden for det uformelle har bare så vidt begynt.” Min praksis er lånt fra ånden til Art Informel, kanskje med mindre angst og mer ro—en uformellhet hvor tilfeldigheten ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I kjernen er det en søken etter “le vif”—det levende kjernen. Verket trekker mot direkte erfaring i stedet for intellektualisering. Den beskjedne størrelsen jeg ofte velger er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakel.

Til slutt er dette rett og slett en annen kunstners sti. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt søken. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradoks ikke trenger være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner