Anton Kaestner - #486 - M - " Paysage #2 ".

Unik kunstverk, originalt maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#486 - M - " Landskap #2 ".

Spray-akrylmaling på 3 mm plexiglassplate (UV-bestandig).
Dette maleriet er ikke et trykk. Det er et originalt verk med "multi-lags"-utførelse hvis glansfulle "glossy" utseende, nær anvendelsen av et resinske, som er unikt.

Mål: 17,3 x 12,6 x 0,12 tommer / 44 x 32 x 0,3 cm uten ramme.

Dette verket leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 520 eikefinish (tommer 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefales og kan kjøpes ved forsendelse til en tilleggskostnad på 90€ inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et autentisitetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter basert i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste separatutstilling – Genève januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av naturens skjønnhet og kulturberikelsen i hjemlandet. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde farfar, en håndverker og kunstner, hvis innflytelse plantet frøet til det som senere skulle bli livets lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterende med utallige akryl i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder kommer rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verk kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativt maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og mens jeg anser meg selv som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli en kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår drev jeg en internasjonal forretningskarriere som førte meg verden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, over Asia og Frankrike. Mine reiser bredte mitt syn, og utsatte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Uansett hvor jeg dro, fordypte jeg meg i det lokale kunstfeltet og satte meg i gang med den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokus på forretningskarrieren, var kunsten alltid en del av meg, stille småkoke under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg—en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet enorm tilfredsstillelse i å male. Hvert nytt verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte erfaringer. Gjennom kunsten har jeg alltid håpet å gi andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sitt eget liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra min forretningskarriere, viet jeg meg fullt ut til maleri. Jeg etablerte mitt studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fikk arbeidet rask anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederlandene.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første separatutstilling, "Échos," holdt i Paris i slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, borte fra tradisjonelle maleteknikker: jeg maler med akrylover, metalliske pigmenter og spray på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, skinnende og av og til sårbar overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen—noe jeg velger å omfavne. Jeg tillater “ tilfeldige eksperimenter” - alt er tillatt for å kortslutte fornuften! - å lede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og sette rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir utstilt. Men la oss være klare: i bildene mine tar sjansen aldri beslutningene; i beste fall stiller sjansen spørsmålene; meningsfulle “sjanser” er bare mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen som ekkoer med revelasjons-/fikseringsprosessen i fotografi er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen berikes av lag og gjennomsiktigheter, og gir hvert verk en “asketisk” kvalitet: jeg er tilfreds når jeg gjenkjenner “irredukcible nødvendigheter”, dvs. hva vi sannsynligvis vil oppdage når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “følelse” eller “teoretisk begrep” men erfaring av å være. Verken “rask konsumasjon” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men utviding av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, mitt kunstverk er en søken etter “livet i hjertet av livet”, for det som Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgien alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter er de objekter i seg selv. Derfor har de verken innhold, eller mening, eller sans; de er som ting, tre, dyr, menn, eller dager, som også har verken årsak til å eksistere, eller ende, eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle gjennomsiktigheten og lysstyrken til farget glass, er det fortsatt nesten helt abstrakt.Dessuten gir plexiglass maleriet en glinsende hud hvor man kan skimte sin egen silhuett, ulik for hver ny betrakter. Hvert verk oppfører seg som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, av de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentlig vil spillet mellom “detaljer for nær” - et detalj av et bilde er et helt nytt bilde - og “avstand for helheten” oppmuntre tilskuere til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke at jeg har alle svarene og ønsker å forbli ydmyk om hva som kan oppnås. Rett og slett finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nytt verk er en konfrontasjon med mine grenser, som driver meg til å forbedre ferdighetene mine og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male for meg er et daglig håndverk, en utforskning, en måte å skape meningsfulle samtaler, en søken etter et malingsstoff så perfekt at det ikke trenger oss. Aldringen av det uformelle har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville si: «Den daglige praksisen forsterker lidenskapen for å se.»

Om sammenheng i min praksis

I landskapet av samtidskunst, der konsept og form har lik vekt, søker jeg å skape verk som ikke defineres av fremtredende plass, men av tilstedeværelse. Mine malerier—skinnende felt av farger og lys innenfor plexiglass—er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre på det endelige bildet enn den stille samspill mellom tanke og prosess som gjør det mulig å oppstå.

Denne praksisen hviler på tre sammenfallende intensjoner.

Den første er et Tilbaketrekning fra Pålagt mening. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og å ha “hverken innhold, mening, eller sans,” håper jeg å mykne forventningen om narrativitet. Det er en invitasjon til å trekke seg vekk fra avkodingen, og mot en mer direkte måte å se på.

Dette fører til den andre intensjonen: Foretrinnet for Levende Erfaring. Inn i det åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “opplevelse av å være.” Verket blir mindre et objekt som skal fortolkes enn en stille hendelse å føle—formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag, og den svake refleksjonen av betrakterens møte med sitt eget blikk. Som jeg ofte påpeker, «verket lever, det endrer seg, det ser.»

Den tredje er der idé møter hånd: Prosess som Bærende Tankegang. Maling på bakre side av plexiglass, uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis i å slippe kontrollen. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter forhold, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig “objekt av seg selv,” fullt avslørt først når det er fullendt. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling—en tålmodig venting på hva som kommer “her og nå.”

Å holde fast ved disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder verket:

Tilfeldighet og Disippel
Jeg taler om “meningsfulle ‘sjanser’,” men de er bare mulige innenfor forsiktige rammer. Tilfeldigheten er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikasjon Uten Budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verker jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles, ikke er et utsagn, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en merkbar stillhet.

Nostalgi for Nuet
En myk nostalgi ligger i verket, likevel er den kurios rettet mot nåtiden: et ønske om de “uprøvbare nødvendigheter” funnet i “stillhet og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og Innsatsløshet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men tar sikte på et resultat som føles autonomt, som om det “oppstod av egen fri vilje.” Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “tiden for det uformelle har nettopp begynt.” Min praksis er i slekt med ånden av Art Informel, kanskje med mindre angst og mer ro—en uformellhet hvor tilfeldighet ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I kjernen er det en søken etter “le vif”—det levende kjernen. Verket lener seg mot direkte erfaring snarere enn intellektualisering. Den beskjedne skala jeg ofte velger, er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakel.
Til syvende og sist er dette bare en vei for én kunstner. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt søken. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradokser ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, tror jeg, en kilde til motstandskraft.

Anton Kaestner