Eileen Nisbet (1929-1990) - Oval

Wonderful og svært sjelden sett til salgs porselens-sammensatt kunstverk av den veldig kjente britiske pioner-keramikk-kunstneren Eileen Nisbet. Dette stykket har miniatyrfarger i fyllinger og sylinderformede porselenelementer som koblinger mellom mange forskjellig formede og orienterte veldig tynne porselensplater.
To lignende verk ble solgt av Phillips auksjonshus for mer enn $5000.

Eileen Nisbet: Keramisk skulptur. En kort introduksjon.

På en tid da funksjonell keramikk dominerte, viste Eileen Nisbets abstrakte keramiske skulptur henne som en av de mest innovative keramikerne som arbeidet på den tiden. Hennes arbeid ble utstilt vidt i Storbritannia og internasjonalt, og hun var også en inspirerende lærer og en drivkraft bak Keramikk-kurset ved det som i dag er Central Saint Martins College of Art and Design i London.

En kunstner med total forpliktelse; hennes produksjon var produktiv fra tiden hun forlot kunstskolen til hennes død.

Dette nettstedet er ment som en pedagogisk og praktisk ressurs for studenter og forskere og for å katalogisere arbeidet til en unik og betydningsfull kunstner.

Eileen Nisbet: Keramisk skulptør
1929 - 1990.
Liv og verk.

Eileen Nisbet inntok et unikt rom i 1900-tallets keramikk. På en tid da funksjonell keramikk dominerte, var hennes arbeid helt annerledes enn hennes samtidige. I de siste femten årene av hennes liv utviklet hun en bemerkelsesverdig måte å arbeide med porselen på og kunne sies å være en av de mest innovative keramikerne som arbeidet på den tiden. I anerkjennelse av dette ble eksempler på hennes keramiske skulptur kjøpt til mange private og offentlige samlinger.

Som barn vokste hun opp i North London, og ved starten av andre verdenskrig ble hun sendt til busstasjonen for evakuering, men i siste øyeblikk bestemte hun seg for å stikke av og vendte tilbake til familien for å bli i London under Blitzen. I sine formative år ble hun veldig nær sin eldre bror James Hull, som hadde en lidenskap for maleri og som, tidlig i halvtredtallet, skulle bli en av de første britiske abstrakte malerne på spissen av avant-garde-bevegelsen. Det var gjennom James’ påvirkning at Eileen utviklet en fascinasjon for tegning, abstraksjon og Bauhaus-undervisningen. Hun søkte til Hornsey College, som var hennes nærmeste kunstskole, men ble avledet fra den tradisjonelle maleavdelingen til keramikk og glassmaleri. Her møtte hun medstudenten Michael Casson, med hvem hun skulle danne et livslangt vennskap. Deretter tok hun ved Central School of Art Basic Art-kurs, under William Turnbull, fulgt av NDD Ceramics-kurset, med Kenneth Clark som veileder. Imidlertid var hennes ambisjoner som student en maler, og de bredere problemstillingene innen maleri, tegning og skulptur forble grunnlaget for hennes arbeid. Dette interessefeltet fortsatte etter utdannelsen i 1963, da hun fortsatte å lage keramikk, men det var gjennom eksperimenter med å tegne direkte i leire at Nisbet oppdaget at hun virkelig kunne uttrykke seg.

Dette Diagrammet indikerer utseendet av nytt arbeid slik hun laget det, i visse perioder i hennes karriere. Dets betydning vil bli tydelig når du leser videre.

Selv om hun elsket potter, likte Nisbet ikke å kjerne dem på en dreieinndre. Ved å lage en flatter, pressformet skål, skapte hun et lett bølgete landskap som hun kunne prøve ut en rekke enkle tegninger. Dette ble opprinnelig avledet fra linjen som dannes av det skiftende vannivået når det beveger seg rundt innsiden av en hellingsbeholder og påvirkningen fra Paul Klees arbeid, ved å ta en linje en tur. Perfeksjonen av en rik, semi-matt ravfarget glasur og den kjennetegnte klarheten i de lineære designene akkentuert av innfylte brune/svarte oksider, gjorde disse skålene svært populære - (se Dish/D1271).

I et avsnitt av Michael Cassons ‘The Craft of the Potter’ (BBC) kan hun ses i prosessen med å lage noen av disse linjene på en skål. Hun snakker kort om forholdet mellom den glatte kurven på skålen og den rivede linjen, mens hun snur skålen i den ene hånden og styrer verktøyet med den andre.

"Etter å ha besluttet denne formen, og bruken av innskåret eller riftet linje, fant jeg ut at jeg måtte lære hvor bratt den kurven var, hvor raskt den stiger mens jeg kutter en linje, for å produsere kurver og rette linjer etter behov. Jeg ønsket at dekorasjonen skulle være en form for underholdning slik at hvis du bare ser halve dekorasjonen ved et blikk, skulle det få deg til å ønske å se hva som skjer på den andre siden." EN 'The Craft of the Potter' BBC 1976.

Den uforbeholdent flytende stokken er et hypnotiserende syn, og viser kunstneren helt i ett med sitt medium og personlige visjon, selv om hun på dette tidspunktet hadde gått videre til en helt annen type arbeid.

Det var Nisbets omvendelse til porselen i 1975 som resulterte i den mest innovative og fruktbare perioden i hennes karriere. Etter å ha arbeidet med det tidligere, hadde hun alltid betraktet mediet som begrenset og mislikt dets “ dyrebarhet”, men på innstendig forespørsel fra Pan Henry ved Casson Gallery om å delta i en utstilling av porselen, aksepterte hun invitasjonen som en utfordring. Det nye mediet krevde en helt annen tilnærming til arbeidet hennes; den tette strukturen av tørket porselen gir en evne til styrke og tynnhet til et punkt av gjennomsiktighet. Hun oppdaget at det kunne behandles nesten som papir. Etter å ha laget en serie porselensskåler med brede, flate kanter, bestemte hun seg for å forkaste alle funksjonelle aspekter og eksperimentere med planare overflater. Disse ble vippet opp ned for å danne et skulpturelt språk, som hun ville utvikle i de neste femten årene.

Tidligere planarverk fra 1975 til 1977 hadde ingen farge påført, og stolte på lys og skygge som ble skapt av varierende tykkelser av leire og samspillet mellom gjennomtrengte hull, inntrukne sirkler og spor. Med få unntak var disse verkene abstrakte konstruksjoner. Skulpturene would bli vist baklys, for å smelte de dekorative trekkene med den papir-lignende kvaliteten til keramikk (se FishForm/E1152) fra Light and Plane-seksjonen). Bortsett fra deres skjønnhet og innovative tekniske kvaliteter, er denne perioden bemerkelsesverdig for sine sterke forbindelser til hennes tidligere opplæring i blyglass; å jobbe med lys og todimensjonale planer i et tredimensjonalt territorium.

Etter nøye eksperimentering for å brenne tynne plater uten å trekke seg sammen eller få forvrengning, var den nødvendige teknikken hun utviklet assemblage. De ferdige formene, som måtte brennes flate, ble lagd vertikalt ved å binde rørformede porselenseparators mellom dem. På den tiden ble denne bindingen ansett som skandaløs, selv om det i dag er litt vanligere å bruke sterk lim i keramisk skulptur.

Hun arbeidet på en grundig og metodisk måte, og var veldig sparsommelig. I begynnelsen ble hver del av en skulptur laget slik at den forholdt seg til andre deler i verket, men ofte ble deres plass innenfor den endelige komposisjonen endret fra det som opprinnelig var tenkt. Også var det viktig at verket var fysisk stabilt når det ble plassert på et bord, en betraktning som ofte gikk på tvers av estetikk. Samlingprosessen var noe Nisbet ville legge stor vekt på å få riktig, av og til ble deler laget om med subtile endringer og de første forsøkene plassert i oppbevaring.

"Når man setter former sammen, er det en veldig fin linje mellom hvor en ser bra ut og hvor det ikke gjør det. ...Å starte med en bestemt form betyr at du må finne andre som passer til den, og alt må være motveid i estetisk og fysisk forstand. Å få disse forholdene til å fungere kan være ganske vanskelig." EN. Studio Porcelain av Peter Lane.

Etter å ha presset grensene for det nye materialet, følte Nisbet at selv om porselenskvalitetene fortsatt var viktige, var dets gjennomsiktighet som sluttprodukt ikke tilstrekkelig. Hun prøvde en ny serie av assemblages først ved å kontrastere det glatte porselenet med den grynete teksturen til hvit, grovsteinholdig stengods (se WhiteMask/T1043) fra Panels-seksjonen) og deretter ved å bruke porselen alene, men i tykkere skiver. Som det fremgår av LargeGame/G1706, er intensjonen som vanlig ikke en lekende blanding av former, men som skålene, et driv mot å skape mer aktive rom hvor linjer og overflater trekker øyet gjennom den antydede hoppingen og rullingen av elementene.

'Large Game' er en av de første skulpturene som har fargede tilslørte innslag. Innenfor materialets begrensninger måtte et begrenset palett av dempede farger med et nøye balansert tonalt spekter utvikles.

I 1978 startet den første av de plana pot-formene, disse fortsatte det plana temaet men innarbeidet den avrundete silhuetten og leppedetaljene oversatt fra konteinervis keramikk - (se PotWithLip/P930).

"Skålene oppstod gjennom «flate» tegninger som jeg laget da jeg designet blyglass. Silhuetten måtte formidle alle viktige detaljer fra ett synspunkt. Disse keramiske skålene (som for meg) er som tegninger, flate, men viser form, kanter, innsiden, håndtak i et blikk." EN. Studio Porcelain av Peter Lane.

'As this pot is not meant to contain anything, I do not need to make it round or join the sides. My visual image is more clear this way.' EN. Statement for Anatol Orient. 1983.

Nisbet fortsatte å bruke farger i små områder for å gripe øyet. Først bulls eye-motivet på HorizontalFlower/F743 og deretter, bemerkelsesverdig, i striper på Flyer/P436, som avbildet ideen om dekor slik at den kunne fly av potten som et flagg.

"Fargen brukes flyktig, som en fargeforslag, en fargeblanding, en bevissthet, snarere enn å spesifisere 'Dette er en blå skål'" EN.

'Tegningene på stripene brukes over en antydet rund form av potten eller skålformen på en grafisk måte og blir en annen form som et flagg, som flyr av potten og gir en følelse av bevegelse til en stillestående form.' EN. Statement for Anatol Orient. 1983.

Inspirasjonen for skulpturene i denne perioden kom fra ulike kilder men spesielt fra fly, propell, blomsterformer og pottene, som alltid var favoritter. Generelt imidlertid ble hennes påvirkninger akkumulert fra erfaringer, snarere enn bestemte temaer. Hun fant en visuell verdi i de fleste ting, selv hverdagslige og tilsynelatende ubetydelige objekter ble utforsket gjennom rikelig omslags-skisser. Denne disiplinen med å se og forstå lå i roten av alt hennes arbeid. Noen av skisseboksidene gir innsikt i hennes arbeidsmetoder og utvikling av ideer.

Kvaliteten som var felles for Eileen Nisbets arbeid gjennom hele hennes karriere var en destillasjon av form til dens essens. Hennes verk var ment å fange stemningen i et objekt, snarere enn dets image. Av GerminatingSeed/F759-skulpturene skriver hun –
'This sculpture does not represent a flower, nor is it a 'new' flower, but about a flower. It contains some of the ideas about a plant from a seed with a single wiggling root, transforming into a bud, bursting into flower, showing first signs of coloured petals. In the minds eye, the root then becomes a curling stalk.' EN. Statement for Anatol Orient. 1983.

'With the aeroform pieces she was seeking to achieve a feeling of movement so that "...even though the object has no power to move, it might appear to have just alighted or be about to take off." EN. Studio Porcelain by Peter Lane.

Kombinasjonen av Nisbets entusiasme for å lage større verker og det økende antallet forespørsler fra internasjonale kuratorer resulterte i et behov for å gjøre skulpturene mer motstandsdyktige. Store tynne strukturer ville være mindre motstandsdyktige mot brudd i transport, så skivene ble laget tykkere i proporsjon til størrelsen og var ikke lenger avsmalende i kantene. Denne tykkingen av planene åpnet flere muligheter for kantbehandling, spesielt utviklingen av en laminerende flint-lignende kant på BowlWithRainbow/P1187 og senere kander, men som først dukket opp på SimpleOval/E1119 i 1978.

Søket etter nye materialer og teknisk forbedring ble en iboende del av produksjonsprosessen. Etter en serie tester med ulike tilsetningsstoffer for å gi en matt overflate, fant Nisbet ut at keramiske emaljer som nylig ble tilgjengelige, kunne brukes på porselen for å oppnå lyse translucent farger som ligner på vannfarger. Sterkt misfornøyd med keramiske purister, fra 1985 og utover ville hun bruke keramisk emalje utelukkende for påført fargearbeid (se WingAndLoopHandledJugs/P452).

Særutviklede flis-lignende marqueterte-elementer, brukt i flekker på noen av de senere kander, motsvarte maleriet og innlagte linjer. Yndefullt buede håndtak ble muliggjort av fininnstilling av brenningstemperaturen; noe som ga subtile og varierende skygge-detaljer til de flate planene. 'Loop Handled Jug' har et lyrisk snitt i håndtaket og ShardJugOnTable/P1636 har en leppe formet i det ellers flate kroppsområdet.

Omhyggelig utvalgte naturlige skifer-takstein fra Nisbets ombygde kornisk låve ble integrert som skygger eller bakgrunner i flere stykker, inkludert den utsøkte BoatBowlWithLip/P986 fra 1988, som også har fin overflate-detalj laget ved å fylle riper med lett påførte av svært grovt sandpapir med farget slep. Tekniske bak teknologien bak fargen på VesselWithLip/P1144 og på mange av krukkene laget i 1989 og 1990, er mer arbeidet til en finkunstner og grafiker.

"Jeg elsker potter - selv om jeg aldri lager dem - spesielt runde. ...Folk tenker vanligvis på pottemakere som lager ting som er runde, på dreien eller for hånd. Jeg finner dette svært begrensende så jeg pleier å bruke leire for hva den lar meg gjøre. Jeg liker å tenke på leire bare som et materiale for å uttrykke ideer." EN. Studio Porcelain av Peter Lane.

Et av hennes siste verk er et vanlig, flatt rektangulært porselenspanelet hvorpå et maleri ble laget (se Painting/T1503). Dette skulle være starten på en ny serie, men dessverre forverret helsen hennes. Hennes død kom på et tidspunkt hvor Eileens karriere virkelig hadde fått momentum, både med tanke på kreativ utvikling og anerkjennelse.

Central School of Art i London (nå Central Saint Martins College of Art and Design) mistet også en av sine mest forpliktede og inspirerende lærere, en rolle hun oppfylte fra 1963 til slutten av livet. Foruten å tilby praktisk støtte, ga hennes entusiasme og empati henne evnen til raskt å finne en students sanne potensial og deretter trekke det ut, uten å påtvinge sine egne ideer. I tillegg til pliktene som Senior Lecturer, var hun en drivkraft i utviklingen av keramikk-kurset og hadde sterke meninger om hva studenter burde kunne oppnå og hva kurset skulle tilby dem.

Eileen Nisbets følsomhet og selvutmattelse gjorde henne til en veldig spesiell lærer, men kanskje bidro også disse trekkene til hennes beskjedne forsøk på selgende selvpromotering. Hennes forpliktelser var først og fremst til hennes arbeid og hennes studenter, og kommersiell suksess var mer et biprodukt enn en prioritert sak. Dette aspektet av hennes karakter og unikheten i hennes arbeid, kombinert med den smale mediedekningen av keramikk på den tiden, har gjort at Eileen Nisbet har blitt noe undervurdert.

Referanser:

Peter Lane – Studio Porcelain Contemporary Design and Techniques. Pitman.