Anton Kaestner - #497 - M - " Djebel ".

Una pieza unik, originalt maleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#497 - M - " Djebel ".

Sprøyteakryl på plexiglassplate 3 mm ( UV-skydd ).
Dette maleriet er ikke et trykk. Det er et originalt verk i "multi-lags"-utforming hvis blanke, glossy utseende, nær anvendelsen av en harpiks, er unik.

Dimensjoner: Tommer 19,7 * 15,4 * 0,12 / 50 * 39 * 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 524 eik bordfiner (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) eller annen anbefalt finish tilgjengelig ved sendingen for en tilleggskostnad på 90€ inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et Ekthetssertifikat følger med.
Leveransen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, billedhugger og forfatter basert i Paris. Verkene hans stilles ut over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og valg på www.antonkaestner.com.

Neste separatutstilling - Genève januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og kulturelle mangfold i mitt hjemland. Kreativiteten ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis påvirkning sådde frøet til det som senere skulle bli min livs lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akryler i A4- og deretter A3-notatbøker - jeg har alltid følt at store bilder står rett mot deg, dominerende og skremmende, mens små verker kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Med tiden, og selv om jeg anser meg selv som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Men veien mot å virkelig bli kunstner var ikke umiddelbar.
I mer enn tre tiår drev jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg over hele verden, fra USA til Marokko, Belgia, gjennom Asia og Frankrike. Mine reiser bredte mitt perspektiv, og utsatte meg for en rekke kulturelle påvirkninger. Hvor jeg enn gikk, fordypte jeg meg i de lokale kunstscenene og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på forretningskarrieren, var kunst alltid en del av meg, stille kokt under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg - en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom kunsten har jeg alltid håpet å tilby andre en oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra min forretningskarriere, viet jeg meg fullt ut til maleri. Jeg etablerte mitt studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Innen utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fikk arbeidet raskt anerkjennelse, og ble funnet i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i en ledig sacristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første separatutstilling, "Échos", holdt i Paris på slutten av 2024, presenterte en særegen tilnærming til kunst, vekk fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprays på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glossy og noen ganger skjør overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuelt tilbakemelding eller kontroll under prosessen—noe jeg ønsker. Jeg tillater «tilfeldige eksperimenter» - alt går for å avkorte fornuften! - å veilede resultatet, lagene og speileffektene jeg skaper, og la rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir utstilt. Men la oss være klare: i bildene mine tar sjansen aldri beslutningene; i verste fall stiller sjansen spørsmål; men meningsfulle “tilfeller” er bare mulig med stor disiplin. Denne tilnærmingen som klinger med åpenbarings-/fikseringsprosessen i fotografi er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen blir beriket av lag og gjennomsiktighet, samtidig som hvert verk får en “Asketisk” kvalitet: Jeg er lykkelig når jeg gjenkjenner “irreducerbare nødvendigheter”, det vil si det vi sannsynligvis oppdager når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken “følelse” eller “teoretisk begrep” men erfaring av å være. Verken “rask konsum” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, er kunsten min en søken etter “livet i hjertet av livet”, etter det Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Følgelig har de verken innhold, mening eller mening; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som også har verken grunn til å være, slutt eller formål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan vekke transparens og lysstyrke av farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Videre gir plexiglass maleriet en glinsende hud hvor man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny tilskuer. Hvert arbeid fungerer som et diskret speil: det lever, det endres, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, de manglende delene også, krever bare empati. Forhåpentlig vil leken mellom “detaljer på nært hold” - et lite bilde er et helt nytt bilde - og “avstand til helheten” oppmuntre betrakterne til å begi seg ut på sine egne introspektive reiser.

Jeg hevder ikke å ha alle svarene og ønsker å forbli beskjedne om hva som kan oppnås. Enkelt, jeg finner tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nye verk er en konfrontasjon med mine grenser, som tvinger meg til å finjustere ferdighetene og utforske mer av hva jeg kan oppnå. Maleri for meg er et daglig håndverk, en utforskning, en måte å skape meningsfulle samtaler, en søken etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Alderens uformelle har nettopp begynt.

Som Jean Bazaine ville ha sagt: "Daglig praksis forsterker lidenskapen for å se.

Om samsvar i min praksis

I landskapet av samtidskunst, hvor konsept og form har like stor vekt, søker jeg å skape arbeid som ikke defineres av fremtredende plass, men av tilstedeværelse. Maleriene mine—skinnende fargelandskap og lys i plexiglass—er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre sluttbildet enn den stille samspillet mellom tanke og prosess som gjør det mulig å oppstå.

Denne praksisen hviler på tre samstemte intensjoner.

Den første er en Tilbaktrekning fra påtatt betydning. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og å ha “hverken innhold, mening, eller betydning”, håper jeg å løsne forventningen om narrativ. Det er en invitasjon til å trekke seg unna avkodingen og mot en mer direkte måte å se på.

Dette fører til den andre intensjonen: Primat avlevd erfaring. Inn i dette åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “opplevelse av å være”. Verket blir mindre et objekt som skal tolkess og mer en stille hendelse å føle—formet av skiftende lys, translucent lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møter sin egen blikk. Som jeg ofte bemerker, “lever det, det endres, det ser.”

Den tredje er der ideen møter hånd: Prosess som legemliggjort tanke. Maleri på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis av å gi slipp. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skaperakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig “objekt i seg selv,” fullt avslørt først når det er fullført. Det er en stille parallell til fotografisk utvikling—en tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde disse intensjonene er det noen milde paradokser som opprettholder verket:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg snakker om “meningsfulle ‘sammenfall’”, men de er bare mulige innenfor forsiktige rammer. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en påstand, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgia for the Present
En myk nostalgi ligger i verket, men den er nysgjerrig rettet mot nåtiden: et ønske om de “irreducerbare nødvendigheter” funnet i “stilhet og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og Anstrengelsesløshet
Prosessen krever stødig oppmerksomhet, men ønsker et resultat som føles autonomt, som om det “oppsto av egen fri vilje.” Jeg tiltrekkes av det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at “alderens uformelle har bare så vidt begynt.” Min praksis er undergitt ånden i Art Informel, om enn kanskje med mindre angst og mer ro—en uformellhet hvor sjanse ikke er et brudd, men en rolig samarbeidspartner.

I kjernen er det en søken etter “le vif”—den levende kjernen. Verket lene seg mot direkte erfaring heller enn intellektualisering. Den beskjedne skalaen jeg ofte velger er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakel.
Til slutt er dette bare en kunstneres vei. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en enkelt jakt. Jeg har funnet at en praksis forankret i stille paradokser ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner