Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Unikk verks: originalmaleri av Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#485 - M - " Landskap #1 ".

Hurtigmaleri i spray på 3 mm plexiglassplate (UV-bestandig).
Dette kunstverket er ikke et trykk. Det er et originalverk i flere lag med en blank, glossy finish som minner om anvendelse av resin, og som er unik.

Dimensjoner: Tommer 17,3 x 12,6 x 0,12 / 44 x 32 x 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 520 eikefagrad (Tommer 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefales og er tilgjengelig ved avsendelse mot tillegg på 90 € inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
En ekthetssertifisering følger med.
Leveringen er dekket av en forsikring.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter basert i Paris. Verkene hans utstilles over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste separatutstilling – Genève, januar 2027.

Biografi
Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og kulturelle rikdom i mitt hjemland. Kreativitet ble verdsatt i familien min, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis påvirkning plantet frøet til det som senere skulle bli min livslange lidenskap.

I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder møter deg rett, dominerende og skremmende, mens små verker kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.

Over tid, og selv om jeg regner meg som ateist, utviklet jeg også en trang til å bruke åndelige materialer ettersom de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til virkelig å bli en kunstner ikke umiddelbar.

I mer enn tre tiår fulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som tok meg verden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, gjennom Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet mitt perspektiv og utsatte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Wherever jeg dro, fordypte jeg meg i de lokale kunstscenene og møtte den kreative energien i hvert sted.

Til tross for fokus på forretningskarrieren, var kunst alltid en del av meg, stille småkokt under overflaten. I nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å slippe taket i verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sitt eget liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra min forretningskarriere, viet jeg meg helt til maleri. Jeg etablerte studioet mitt i Paris og begynte å vie meg fullstendig til kunst. Mot slutten av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstnerkarriere, og overraskende raskt fikk verket anerkjennelse, og fant boliger i private samlinger over hele Europa, særlig i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederland.

På slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i et ledig sakristi i Lisieux, Norman on.

Kunstnerisk CV

Min første separatutstilling, "Échos", som ble holdt i Paris mot slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, avveid fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og spray på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, skinnende og noen ganger sårbar overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ingen visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen – noe jeg velger å omfavne. Jeg tillater “tilfeldige eksperimenter” – hva som helst for å kortslutte fornuften! – å veilede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og gi rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir vist. Men la oss være klare: i mine bilder tar ikke tilfeldighetene beslutningene; maks tar tilfeldighetene spørsmålene; meningsfulle “sjanser” er bare mulige med stor disiplin. Denne tilnærmingen som ekkoer refleksjons- og fastsettingsprosessen i fotografi, er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen blir beriket av lag og tranparenser som likevel gir hvert verk en “asketisk” kvalitet: jeg er glad når jeg gjenkjenner “uunngåelige nødvendigheter”, altså hva vi sannsynlig vil oppdage når vi stopper i stillhet og lys.

Jeg holder min tilnærming bevisst enkel. Verken “følelse” eller “teoretisk begrep” men opplevelsen av å være. Verken “rask konsum” eller “intellektualisering / intellektuell besittelse”, men utvidelse av bevissthet og utforskning av virkeligheten og dens synlige og usynlige historier; min kunst er en søken etter “livet i hjertet av livet”, etter hva Alain Damasio kaller “le vif”. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekter. Som alle objekter er de objekter av seg selv. Derfor har de verken innhold, mening eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn, eller dager, som heller ikke har noen grunn til å være, eller slutt, eller formål. Selv om arbeidet mitt noen ganger kan fremkalle gjennomskinnelighet og lysstyrke til farget glass, forblir det nesten helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en glinsende overflate der man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk opptrer som et diskret speil: det lever, det endrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, også av de manglende delene, krever bare empati. Forhåpentlig vil spill mellom “detaljer for nærheten” – et detalj av et bilde er et helt nytt bilde – og “avstand for helheten” oppmuntre betrakterne til å begi seg ut på egne introspektive reiser.

Jeg påstår ikke å ha alle svarene og ønsker å være ydmyk om hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige prosessen med spørsmål og vekst. Hvert nytt skaperverk er en konfrontasjon med mine grenser, som driver meg til å finjustere ferdighetene mine og utforske videre hva jeg kan oppnå. Å male er for meg en daglig håndverk, en utforskning, en måte å skape meningsfulle samtaler, en søken etter en maling så perfekt at den ikke trenger oss. Alderen for det uformelle har så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville sagt: "Den daglige praksisen multiplerer lidenskapen for å se.

Om sammenheng i min praksis

I landskapet av samtidskunst, der konsept og form har lik vekt, søker jeg å skape verk som defineres ikke av fremtredende posisjon, men av tilstedeværelse. Mine malerier – skimrende felt av farge og lys innenfor plexiglass – er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre på det endelige bildet enn den stille samspillet mellom tanke og prosess som lar det vokse.

Denne praksisen hviler på tre justerte intensjoner.

Den første er en Tilbaketrekning fra Pålagt meningsinnhold. Ved å beskrive verkene som “uten objekt” og ha “hverken innhold, mening eller sans”, håper jeg å løsne berettelsen for narrativitet mildt. Det er en invitasjon til å tre bort fra avkodingen og mot en mer direkte form for betraktning.

Dette fører til den andre intensjonen: Primacy of Lived Experience (Primæren forlevde erfaring). I dette åpne rommet prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en “opplevelse av å være.” Verket blir mindre et objekt som skal tolkes enn en stille hendelse som skal føles – formet av skiftende lys, gjennomsiktige lag og den svake refleksjonen av betrakteren som møtes av sitt eget blikk. Som jeg ofte bemerker, “lever det, det endrer seg, det ser.”

Den tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som innkroppet Tankegang. Å male på baksiden av plexiglass, å jobbe uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis av å gi slipp. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig “objekt av seg selv”, fullt avslørt bare når det er fullført. Det er et stille parallelt til fotografisk utvikling – tålmodig venting på det som kommer “her og nå.”

Å holde disse intensjonene er noen milde paradokser som opprettholder verket:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg taler om “meningsfulle ‘sjanser’,” men de er bare mulig innenfor forsiktig grenser. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen bygges med omtanke.

Kommunikasjon uten budskap
Jeg håper å “kommunisere noe” gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en påstand, men en tilstand – en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig ro.

Nostalgi for nåtiden
En myk nostalgi henger igjen i verket, men den er underlig nok rettet mot nåtiden: et lengsel etter “uunngåelige nødvendigheter” funnet i “stillhet og lys” – et ønske om ren nærvær som verket selv stille tilbyr.

Anstrengelse og letthet
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men søker et resultat som kjennes autonomt, som om det “oppsto av egen vilje.” Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånd har jeg kommet til å føle at “tiden for det uformelle har nettopp begynt.” Min praksis er forpliktet til ånden av Art Informel, selv om kanskje med mindre uro og mer ro – en uformellitet der tilfeldigheten ikke er et brudd, men en stille samarbeidspartner.

I kjernen er det en søken etter “le vif” – den levende kjernen. Verket lener seg mot direkte erfaring snarere enn intellektualisering. Den beskjedne skala jeg ofte velger, er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakel.

Til slutt er dette bare én kunstners vei. Min biografi, min prosess, og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av et enkelt jakt. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradokser ikke trenger å være skjør. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger bli, tror jeg, en kilde til motstandskraft.

Anton Kaestner