Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Unik del, originalt maleri av Anton Kaestner, rett fra atelieret.
#484 - M - " Landskap #2 ".

Sprøytemaling i spray på 3mm plexiglassplate (UV-bestandig).
Dette maleriet er ikke en trykktrykk. Det er et originalt verk av typen "multi-lag" hvis glansfulle finish "glossy", nær ved anvendelse av resine, er unik.

Dimensjoner: Inch 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm uten ramme.

Dette maleriet leveres uten ramme.
Ramme av høy kvalitet fra det tyske merket Nielsen i aluminium, referanse 34 520 eikefiner hvit (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalt og tilgjengelig ved forsendelse mot tilleggskostnad på 90€ inkl. mva.

Verket er signert på baksiden.
Et autentisitetssertifikat følger med.
Leveransen er forsikret.

Anton Kaestner er en sveitsisk maler, skulptør og forfatter basert i Paris. Verkene hans vises over hele Europa, i Sveits og i Dubai. Mer informasjon og utvalg på www.antonkaestner.com.

Neste separatutstilling - Genève januar 2027.

Biografi

Født i Genève, Sveits, vokste jeg opp omgitt av den naturlige skjønnheten og den kulturelle rikdommen i mitt fedreland. Kreativitet ble verdsatt i min familie, og det var min avdøde bestefar, en håndverker og kunstner, hvis påvirkning plantet frøet til det som til slutt ble min livslange lidenskap.
I 1993 begynte jeg å male privat, eksperimenterte med utallige akryler i A4- og deretter A3-notatbøker – jeg har alltid følt at store bilder møter deg rett på, dominerende og skremmende, mens små arbeider kan inspirere mye mer kjærlighet. Jeg ble først tiltrukket av ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspresjonisme.
Over tid, og selv om jeg anser meg selv som ateist, utviklet jeg også en forkjærlighet for åndelige materialer da de resonnerte med min utforskning av menneskelig eksistens og naturens og livets dypere sannheter.

Imidlertid var veien til å virkelig bli en kunstner ikke umiddelbar.
I over tre tiår forfulgte jeg en internasjonal forretningskarriere som førte meg jorden rundt, fra USA til Marokko, Belgia, Asia og Frankrike. Mine reiser utvidet mitt perspektiv, og utsatte meg for et bredt spekter av kulturelle påvirkninger. Hvor jeg enn gikk, fordypet jeg meg i lokale kunstscener og engasjerte meg i den kreative energien i hvert sted.
Til tross for fokuset på forretningskarrieren var kunst alltid en del av meg, stille simmerende under overflaten. Nesten 30 år ble maleri en form for hemmelig meditasjon for meg – en måte å bryte fri fra verden og fokusere på mitt indre jeg.

Jeg har alltid funnet stor tilfredsstillelse i å male. Hvert nye verk er en reise hvor jeg kan teste min kreativitet, utforske nye teknikker og leve gjennom ekte opplevelser. Gjennom min kunst har jeg alltid håpet å tilby andre et oppriktig møte med skjønnhet, en mulighet til å se verden fra et annet perspektiv og reflektere over sine egne liv.

I 2023, etter å ha trukket meg tilbake fra min forretningskarriere, viet jeg meg fullt ut til maleriet. Jeg etablerte studio i Paris og begynte å vie meg helt til kunsten. Ved utgangen av 2024 lanserte jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fikk arbeidet raskt anerkjennelse, og fant hjem i private samlinger over hele Europa, spesielt i Tyskland, Portugal, Belgia, Italia og Nederlandene.

Ved slutten av 2025 flyttet jeg til et større studio i et ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første soloutstilling, "Échos," holdt i Paris i slutten av 2024, viste en særegen tilnærming til kunst, vekk fra tradisjonelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprayer på baksiden av resirkulert ekstrudert plexiglass (Perpex), en lett, glatt, glansfull og noen ganger sårbar overflate. Denne prosessen hindrer meg i å se verket mens det utvikler seg. Jeg har ikke visuell tilbakemelding eller kontroll under prosessen—noe jeg ser på som en fordel. Jeg tillater «tilfeldige eksperimenter» - alt går for å kortslutte fornuften! - å veilede utfallet, lagene og speileffektene jeg skaper, og lar rom for åpenbaring og oppdagelse når stykket endelig blir vist. Men for å være tydelig: i bildene mine tar ikke tilfeldigheter beslutningene; i det meste tilfelle stiller tilfeldighetene spørsmålene; meningsfulle "samskjebner" er bare mulige med stor disiplin. Denne tilnærmingen som gjenspeiler avslørings-/fikseringsprosessen i fotografi, er utfordrende og frigjørende. Verdiene i komposisjonen blir beriket av lag og transparenser, samtidig som hvert arbeid får en «asketisk» kvalitet: Jeg er lykkelig når jeg gjenkjenner “utholdelige nødvendigheter”, dvs. hva vi sannsynligvis oppdager når vi stanser i stillhet og lys.

Jeg holder tilnærmingen min bevisst enkel. Verken «emosjon» eller «teoretisk forestilling» men erfaring av å være. Verken «rask konsumering» eller «intellektualisering / intellektuell besittelse», men bevissthetens bredere horisont og utforskning av virkeligheten, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søken etter „livet i livets kjerne“, etter det Alain Damasio kaller „le vif“. Selv om nostalgi alltid har vært en del av arbeidet mitt, er maleriene mine uten objekt. Som alle objekter, er de objekter av seg selv. Derfor har de verken innhold, mening eller sans; de er som ting, trær, dyr, menn eller dager, som også har verken grunn til å være, slutt eller mål. Mens arbeidet mitt noen ganger kan minne om gjennomskinnelighet og luminositet i farget glass, forblir det nærmest helt abstrakt. Dessuten gir plexiglass maleriet en skimrende hud hvor man kan skimte sin egen silhuett, forskjellig for hver ny betrakter. Hvert verk fungerer som et diskret speil: det lever, det forandrer seg, det ser. Samspillet mellom lys, farge og tekstur, også manglende deler, krever kun empati. Forhåpentlig vil leken mellom «detaljer for nære» - et detalj av et bilde er et helt nytt bilde - og «avstand for helheten», oppmuntre betrakterne til å begi seg ut på egne introspektive reiser.

Jeg krever ikke å ha alle svarene og ønsker å forbli ydmyk for hva som kan oppnås. Enkelt sagt finner jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige spørsmålstillingen og veksten. Hvert nytt verk er en konfrontasjon med mine grenser, som driver meg til å forbedre mine ferdigheter og utforske nærmere hva jeg kan oppnå. For meg er maling en daglig håndverksmessig aktivitet, en utforskning, en måte å frembringe meningsfulle samtaler, en jakt etter et malingsgrunn som er så perfekt at det ikke trenger oss. Alderstiden for det uformelle har bare så vidt begynt.

Som Jean Bazaine ville ha sagt: "Den daglige praksisen multipliserer lidenskapen for å se."

Om sammenheng i min praksis

I landskapet av samtidskunst, der konsept og form har lik verdi, søker jeg å skape verk som defineres ikke av fremtredende plass, men av nærvær. Mine malerier—skinnende felt av farge og lys i plexiglass—er de stille resultatene av en lang og bevisst undersøkelse. For meg er det sanne fokuset mindre på det endelige bildet enn på det stille samspillet mellom tanke og prosess som gjør det mulig å komme til uttrykk.

Denne praksisen hviler på tre samstemte intensjoner.

Den første er et Tilbaketrekkelse fra Påtatte Betydninger. Ved å beskrive verkene som «uten objekt» og å ha «hverken innhold, betydning eller sans», håper jeg å løsne forventningen om fortelling. Det er en invitasjon til å trekke seg tilbake fra avkodingen, og mot en mer direkte måte å se på.

Dette leder til den andre intensjonen: Primæriteten av Levd Erfaring. Inn i dette åpne rom, prøver jeg å plassere det jeg tenker på som en «erfaring av å være». Verket blir mindre et objekt som skal tolkespes og mer en stille hendelse å føle—formen av skiftende lys,透 gjennomlag og det svake speilet betrakteren møter sitt eget blikk. Som jeg ofte bemerker, «livet lever, det forandrer seg, det ser».

Den tredje er hvor idé møter hånd: Prosess som Legemligt Tanke. Maling på baksiden av plexiglass, arbeid uten visuell tilbakemelding, er en fysisk praksis av å slippe kontroll. Det er en bevisst frigivelse av kontroll i skapelsesakten. Jeg setter betingelser, men overgir utfallet, og lar maleriet bli det jeg kaller et uavhengig «objekt av seg selv», helt avslørt først når det er fullført. Det er et stille parallell til fotografisk utvikling—a tålmodig venting på hva som kommer «her og nå».

Å holde disse intensjonene består av noen få milde paradokser som opprettholder arbeidet:

Tilfeldighet og Disiplin
Jeg snakker om «meningsfulle «samskjebner»», men de er bare mulige innenfor nøye grenser. Tilfeldighet er en velkommen gjest, men strukturen er bygd med omtanke.

Kommunikasjon Uten Budskap
Jeg håper å «kommunisere noe» gjennom verk jeg kaller meningsløse. Kanskje det som deles ikke er en erklæring, men en tilstand—en tekstur av lys, en stille tilstedeværelse, en håndgripelig stillhet.

Nostalgi for Nåtiden
En myk nostalgi henger igjen i verket, men den retter seg underlig mot nåtiden: en lengsel etter de «uutholdelige nødvendighetene» funnet i «stille og lys»—et ønske om ren tilstedeværelse som verket selv stille tilbyr.

Arbeidet og Enkelheten
Prosessen krever jevn oppmerksomhet, men søker et resultat som føles autonomt, som om det «oppstod av seg selv». Jeg trekkes mot det som føles helt uunngåelig.
I denne ånden har jeg kommet til å føle at «tiden for det uformelle har bare så vidt begynt». Min praksis er skyldig til ånden til Art Informel, om enn kanskje med mindre angst og mer ro—en uformellitet hvor tilfeldigheter ikke er en brudd, men en stille samarbeidspartner.

Kjernen er et søk etter «le vif»—den levende kjernen. Verket trekker mot direkte erfaring heller enn intellektualisering. Den beskjedne skala jeg ofte velger, er ment å oppmuntre intimitet, ikke spektakel.
Til slutt er dette bare en enkel kunstnersti. Min biografi, min prosess og mine refleksjoner er ikke separate tråder, men deler av en eneste søken. Jeg har funnet ut at en praksis forankret i stille paradoks ikke trenger å være sprø. Gjennom disiplin og klarhet kan slike spenninger, tror jeg, bli en kilde til motstandsdyktighet.

Anton Kaestner