Sonia J. - " Rupture" - "Here, There and Everywhere" Series - XXL

«Rupture» ble opprettet oTitle: Rupture
Kunstner: Sonia J. (1971, Portugal)
Her, Der og Overalt
Teknikk: Akryl og mixed media på lerret
Dimensjoner: 116 × 148 cm (XXL-format)
År: 2025
Ny – direkte fra kunstnerens studio.
Signatur: Håndskrevet på baksiden
Sertifikat: Inkluderer et signert sertifikat for ekthet.
Frakt: Rullet i et sterkt beskyttende rør (sporet og forsikret)


Beskrivelse av kunstverket:

"Rupture" — fra serien Here, There and Everywhere — ble skapt på en dag hvor flere følelser kolliderte: sorg, glede, sinne, forvirring og det presserende behovet for å forstå seg selv som kvinne. De dype, lagdelte blåtonene danner et atmosfærisk felt av introspeksjon, og forankrer maleriet med en stille, men kraftfull tilstedeværelse.

I sentrum dukker røde og grønne glimt opp som en nedsenket hjerteslag — rått, uløst og tydelig menneskelig. Disse fargene søker ikke balanse; de stiger opp og avbryter, og legemliggjør de emosjonelle sprekkenes som oppstår når den indre verden ikke lenger kan holdes innesperret.

De gesturale merkene gjennom hele verket er bekjennende heller enn dekorative. Hver strek bærer på spenningen mellom å holde tilbake og å bryte opp, stillhet og uttrykk, disiplin og frigjøring. «Ruptur» har ikke som mål å oppnå harmoni — den omfavner kompleksiteten og motsetningene i levd erfaring. Den avslører de intime bruddene i hjertet, de sårbare øyeblikkene når følelser renner innad i stedet for ut.

Fra et dekorasjonsmessig perspektiv introduserer dette XXL-verket en kraftig emosjonell dybde i raffinerte interiører. Dets rike, sofistikerte palett og dominerende tilstedeværelse gjør det til et eksepsjonelt midtpunkt for moderne oppholdsrom, arkitektoniske miljøer, samlerhjem og luksusinnstillinger. "Rupture" står som en dristig, elegant uttalelse — og bringer intensitet, nyanser og stille styrke til ethvert rom som hyller kunst med emosjonell tyngde.

Om kunstneren — Sonia J. (Portugal, 1971):

Fra møterom til lerret...
Fra forretningssans til rå natur...
Fra strategi til en visjon utover lerretet...
Kvinnelig styrke gjennom kunst...

Jeg lever mellom to verdener — den jeg bygde gjennom presisjon, og den jeg gjenopprettet gjennom følelser. «Dual Hirathe» er stedet hvor de møtes.

Jeg tilbrakte tre tiår i en verden preget av klarhet, fart og kontroll. Hvert valg ble målt. Hvert minutt regnet. Hvert mål, en linje på et strategikart. Det var et liv bygget på presisjon — analyserende, opphissende, krevende og av og til slitsomt. I årevis trodde jeg at leadership betydde å bære vekten med eleganse, aldri nøle, aldri bremse opp. Jeg var omgitt av mennesker som trivdes med ambisjon og logikk, og jeg lærte å utmerke meg innenfor den strukturen. Men et sted mellom den konstante bevegelsen og de polerte møtene begynte jeg å miste lyden av min egen stemme. Når jeg endelig tok et opphold (Midt-2024) — virkelig tok et opphold — var det jeg hørte stillhet. Ikke tomhet, men en stillhet full av potensial. Den typen som inviterer noe nytt til å dukke opp. Det var begynnelsen på min metamorfose.

Mitt arbeid er født ut av en dialog mellom verdener — mellom det rasjonelle og det intuitive, det målte og det instinktive. Det reflekterer reisen fra forretningssans til uttrykksevne, fra et liv med global strategi til et liv formet av tekstur, stillhet og landskap. Etter tre tiår med lederskap i den bedriftsmessige sfæren, lærte jeg språket til struktur — klarhet, presisjon, formål. Det trente øyet mitt til å se systemer, gjenkjenne mønstre, balansere kompleksitet med enkelhet. Men da jeg vendte meg mot kunst, begynte dette språket å oppløses. I stedet oppsto et annet vokabular — taktilt, emosjonelt, flytende — et som bare kunne uttrykkes gjennom pigment og sand, gjennom det lagdelte tålmodet til et lerret som utvikler seg over tid.

Å forlate næringslivet var ikke en enkelt handling av mot; det var en gradvis overgivelse. Først prøvde jeg å ta med de samme reglene inn i mitt nye liv — mål, resultater, ytelsesindikatorer. Men kunsten nektet å bli styrt. Den krevde sårbarhet. Den krevde at jeg skulle lytte i stedet for å dirigere. Da jeg først berørte et tomt lerret, visste jeg ikke at det ville bli mitt nye språk. Jeg visste bare at ord hadde grenser, og at følelser — de jeg hadde begravd under effektivitet og profesjonalitet — ba om å få puste. Fargene ble mitt vokabular. Teksturen ble min syntaks. Hver lag av sand, gesso og pigment talte det jeg ennå ikke kunne si høyt: at forvandling ikke handler om å viske ut hvem du var, men om å la alle versjoner av deg selv eksistere sammen.

I lederskap levde jeg etter maskulin energi: besluttsom, analytisk, utadrettet. I kunst møtte jeg dens motstykke — den feminine: mottakelig, intuitiv, innadrettet ekspansiv.
Verken er overlegen; begge er hellige. Jeg oppdaget at skapelse skjer nettopp der disse to møtes. For mye struktur gjør kunsten stiv, og for mye flyt fører til kaos. Det samme gjelder for livet. Å male lærte meg balanse. Det minnet meg om at styrke kan eksistere i stillhet, og at følsomhet ikke er svakhet — det er visdom i en annen form. På mange måter ble min praksis en forsoning av energier: den assertive og den ettergivende, det konkrete og det eteriske, logikken som bygde min fortid og intuisjonen som definerer min nåtid.

Jeg lever nå mellom to verdener: den kosmopolitiske intensiteten fra fortiden min og den rå roen i Serra da Estrela, fjellandskapet som nå former studioet mitt og sjelen min. Fra Lisbons betonggeometri til den naturlige erosjonen av stein og vind, speiler min kreative rytme den overgangen — fra akselerasjon til stillhet, fra ytelse til tilstedeværelse. Gjennom teksturerte abstraksjoner oversetter jeg disse levde kontrastene til visuell form. Maleriene mine er emosjonelle topografier — lagdelte overflater hvor motstandskraft, frigjøring og stille kraft sameksisterer. De er ikke representasjoner av steder, men tilstander av å være: indre landskap formet av bevegelse, minne og metamorfose.

Mitt arbeid navigerer kontinuerlig mellom duale spenninger — mellom orden og følelser, lys og materie, minne og fornyelse, logikk og intuisjon, lederskap og kreativitet, kontroll og overgivelse, fortid og gjenfødelse, strategi og følsomhet, bedriftsnøyaktighet og rå natur. Disse spenningene er ikke motsetninger, men harmonier i endring. De er friksjonen som skaper uttrykk, den usynlige pulsen under hvert merke jeg lager. Hver lerret begynner i dialog med kontroll — den delen av meg som fortsatt søker struktur, klarhet og resultat. Men etter hvert som prosessen utvikler seg, gir kontroll etter for instinkt. Selv når kaos ser ut til å dominere, forblir min intensjon menneskelig — å speile den emosjonelle balansen vi alle søker mellom styrke og overgivelse, fra organisasjon til frihet.

Jeg tror kunst ikke er en luksus; det er en måte å komme tilbake til oss selv på. I en verden som verdsetter produksjon mer enn tilstedeværelse, senker kunst oss ned nok til å føle igjen. For meg er kunst helbredelse — ikke av det som gikk tapt, men av det som ble glemt. Mykheten, sensualiteten, den ubegrensede skjønnheten i å bare være. Gjennom taktil abstraksjon skaper jeg ikke for å imponere, men for å berolige, for å jordfeste, for å gjenopprette. Mitt arbeid inviterer til berøring — ikke bokstavelig, men emosjonell. Det ber om at betraktere blir værende, puster, føler sitt eget speilbilde i stillheten av tekstur. Jeg maler for rom som trenger ro, og for kvinner som har levd livene sine med å bære andre, lede, oppnå, opptre. Min kunst gir dem tilflukt — et øyeblikk hvor de ikke trenger å bevise, oppnå eller forklare. Hver maleri er en stille handling av opprør mot støyen av produktivitet. Det er en påminnelse om at stillhet kan være kraftfull, og at helbredelse kan skje i stillhet.

"Dual Hirathe" er mer enn bare en tittel; det er min kunstneriske identitet — en kompass for alt jeg skaper. Hirathe" stammer fra ildsted og hjerte, fra varme og opprinnelse, det intime stedet hvor skapelsen begynner. "Dual" representerer sameksistensen av motsetninger — de to verdenene jeg lever i: den strukturerte, logiske sfæren av lederskap og den intuitive, sensoriske verden av kunst. Sammen betyr "Dual Hirathe" hjertet i dualitet — det levende skjæringspunktet hvor sinn og materie, orden og følelser, maskulint og feminint møtes. Det er pulsen bak min praksis, den usynlige arkitekturen under hvert penselstrøk, hver tekstur, hver linje. Når samlere lever med mine verk, kjøper de ikke bare et bilde — de engasjerer seg i den levende dualiteten. Linjen blir deres speil: en spenning de kan føle, en terskel de kan krysse, en invitasjon til å bo i rommet mellom tyngdekraft og nåde.

Hver av mine samlinger er et fragment av en større samtale – en kontinuerlig fortelling om transformasjon. De skiller seg ut i tone, rytme og form, men forblir forent av ett underliggende spørsmål: hvordan forener vi struktur med frihet?

Etter år med å lede gjennom logikk, leder jeg nå gjennom følelser. Det som en gang var strategi, har blitt fornuft — et skifte fra å styre resultater til å forme opplevelser, fra å veilede organisasjoner til å veilede følelser gjennom form. Min kunst binder ART AND DESIGN, og oversetter følelser til håndgripelig tilstedeværelse. Hvert verk er mer enn et bilde; det er et miljø — en levende overflate som samhandler med rom, lys og minner. De er forfatterskap designet for å leve med mennesker, ikke uten dem. Enten de plasseres i et privat hjem, et hotell, en bedriftslobby, en gallerie eller et museum, er mine malerier tenkt som en del av opplevelsesarkitekturen. De er ment å puste, å holde, å helbrede — ikke bare henge som dekorasjon, men å transformere atmosfæren rundt dem.


For meg er kunst ikke et objekt. Det er en atmosfære, et PORTAL — et taktilt, visuelt språk av harmoni og tilstedeværelse. Det lever gjennom vibrasjon: farge, tekstur, stillhet og lys i dialog med rommet det befinner seg i. Når noen står foran et maleri, observerer de ikke noe eksternt; de går inn i et resonansfelt. En teksturert overflate, en subtil linje, en dempet tone — dette blir invitasjoner til å senke tempoet, å gjenopprette forbindelsen, å puste annerledes. Hvert verk bærer minnet om menneskelig gest — energi gjort synlig.

I et bedriftsmiljø myker denne energien opp rigiditet. I et privat hjem gir den jordnærhet og intimitet. I et velværesenter eller hotell gjenoppretter den ro. I et galleri samtaler den med lys og arkitektur, og forvandler refleksjon til følelser. På et museum blir den til dialog — mellom fortid og nåtid, mellom betrakterens kropp og kollektiv hukommelse. På en utstilling samler den tilstedeværelse — en koreografi av farge, materiale og stillhet som forbinder fremmede gjennom delt stillhet.

Uansett hvor det eksisterer, skaper det tilstedeværelse — det usynlige, men oppfattelige skiftet som får et rom til å føles levende, og «tilstedeværelse er den nye luksusen». - Sonia J.

Fra "Autoritet til Opplevelse": Kunstverdenen er i endring.
I århundrer har det operert gjennom autoritet — museer, eksperter, samlere som bestemmer hva som betyr noe. Men i dag, i det 21. århundre, beveger vi oss fra et autoritetsbasert system til et opplevelsesbasert system. Kunst er ikke lenger begrenset til hvite vegger eller eksklusive rom; den utvider seg inn i rytmen av hverdagen. Folk ønsker å leve med kunst — å føle den, å bo i den, å la den påvirke miljøene og følelsene sine. Og dette er akkurat det en plattform som CATAWIKI gjør — hjelper folk å leve med kunst! Og dette er grunnen til at jeg også er her.

Mine malerier er laget ikke bare for gallerier eller utstillinger. Til tross for at gallerier forblir de mest demokratiske rommene for kunst – steder hvor vi kan møte skapelsen i sin reneste form, oppleve den fysisk, og la sansene våre, ikke systemene, definere dens verdi. Mine malerier er også for rom hvor det virkelige livet utspiller seg – hjem, velvære-retreats, kontorer, hoteller, museer som inviterer til berøring og interaksjon. De tilhører en æra hvor kunst integreres med design, arkitektur og emosjonell velvære. For meg er dette ikke utvanning – det er utvidelse. Det er kunst som vender tilbake til sitt opprinnelige formål: å følge menneskelivet, å markere hellige rom, å skape forbindelse.

Store kunstnere som Pollock, Mitchell, Bourgeois, Rembrandt, Van Gogh — og mange andre — skapte aldri verk med gallerier eller museer i tankene. De malte ut av nødvendighet, fra innsiden og ut. Deres lerreter var overlevelsesinstrumenter — speil for sjelen, forlengelser av pusten. Gjennom sin rå ærlighet oppfant de nye uttrykksmåter; IKKE FOR Å IMPONERE, MEN FOR Å EXISTERE. Mange av dem kjempet dypt — med isolasjon, fattigdom, depresjon — noen mistet til og med kampen med sitt eget indre kaos. Likevel varer kunsten deres fordi den taler til det kollektive behovet for skjønnhet, mening og følelsesmessig sannhet. De hadde ikke som mål å skape historie; de hadde som mål å FØLE — og ved det ga de kunsten muligheten til å utvikle seg. Igjen minner arven oss om at kunstens høyeste formål ikke er prestisje, men NÆRVÆR! Den var alltid ment å følge menneskelivet — å vitne om glede og sorg, å bo i hjem og hjerter, å markere hellige rom og delte øyeblikk.

Visjon utover lerret
Så, i det 21. århundre er kunstens formål ikke å vente femti år på anerkjennelse i museer eller gallerier – det er å LEVE NÅ — å eksistere i dialog med våre daglige liv, å transformere miljøene vi oppholder oss i, og å vekke følelser i sanntid. Kunst i dag må puste med oss: i hjemmene våre, på arbeidsplassene, i våre tilfluktssteder, i byene våre, institusjonene våre, samfunnene våre, planeten vår og i våre stille hjørner. Den må integreres i hvordan vi lever, ikke forbli fjernt som noe man besøker. Den må myke opp arkitekturen i det moderne livet og gjeninnføre ømhet i våre rom. Det er visjonen jeg bærer med meg utover lerretet — en tro på at kunstens verdi ikke bare ligger i hva den representerer, men i hva den vekker. Akkurat som de som kom før oss malte for å overleve sine indre stormer, maler jeg for å gjenkoble de fragmenterte delene av det moderne livet — for å fusjonere følelser med miljø, logikk med følelse, kunst med liv. Dette er det nye kapitlet i kunstens utvikling: IKKE SKILLET MELLOM ESTETIKK OG OPPLEVELSE, MEN DERES GJENSAMMENFØRING — hvor kunst igjen blir det den alltid har vært i sin essens: en menneskelig nødvendighet.

I denne visjonen blir kunstneren både skaper og komponist — som former ikke bare det som ses, men også hvordan det føles. Hver beslutning — fra pigment til skala, fra tekstur til plassering — svarer på energien i et rom og menneskene som bor i det. Jeg tenker ofte på maleriene mine som arkitekturer av følelser. De forankrer rommet som stille følgesvenner, og bringer rytme der det er tomt, ro der det er kaos. De pålegger ikke mening; de inviterer til opplevelse. Når jeg samarbeider med interiørdesignere eller kuratorer, går dialogen utover estetikk. Det handler om hvordan verket kan forbedre den emosjonelle arkitekturen i rommet — hvordan det kan forsterke lys, balansere energi eller skape kontrast der stillhet er nødvendig. Det er en fusjon av følsomhet og strategi, en fortsettelse av mitt tidligere liv — men oversatt til kreativ form. Dette er møtet mellom to intelligenser: den rasjonelle presisjonen i forretningsstrategi og den intuitive dybden i kunstnerisk visjon. Det er ikke en avvisning av logikk, men dens transformasjon til empati. Der jeg tidligere designet rammeverk for team, designer jeg nå miljøer for følelser.


Til syvende og sist er mitt arbeid en handling av integrasjon — å forene den strukturelle klarheten fra min tidligere corporate bakgrunn med den organiske flyten i kunst. Hver lerret er et økosystem: farge, tekstur, tyngdekraft og stillhet som finner sin likevekt. I en verden som ofte fragmenteres — der sinn skilles fra kropp, kunst fra liv, fornuft fra følelser — forsøker jeg å gjenforene det moderne liv har delt. Det er det jeg mener med kunstintegrasjon: gjenforeningen av estetisk, menneskelig og romlig opplevelse. Maleriene mine er ikke ment å bare bli sett på — de skal leves med. De er følgesvenner, anker, terskler til ro. De minner oss om at kunst fortsatt kan ha mening i en hyperdigital verden — ikke gjennom forklaringer, men gjennom nærvær.

Dette er min visjon utover lerretet: å bringe kunst tilbake inn i dagliglivet, å gjøre rom mer menneskelige, og å erstatte autoritetens støy med opplevelsens intimitet. Mine kolleksjoner handler ikke om representasjon, men om tilstedeværelse. De er ikke laget bare for å dekorere, men for å INNBY — for å skape atmosfærer som jordfester og helbreder. De hører hjemme like naturlig i et privat rom som i et offentlig, i et bedriftsmiljø som i et fjellhjem. Min visjon er å gjøre kunst til en del av hvordan vi lever, ikke bare hva vi ser på — å forvandle rom til levende miljøer hvor følelser og design smelter sammen, hvor kunst blir en atmosfære av fornyelse. Fra forretningssans til uttrykksevne, fra kosmopolitisk rytme til fjellstille — hvert maleri jeg skaper bærer begge verdener i seg, og det finnes broer mellom logikk og intuisjon, mellom menneskets ønske om orden og sjelens behov for frihet. Hver lerret er en forhandling mellom disse kreftene — og i denne forhandlingen finner kunsten min sin egen stemme.


Kunstneriske prestasjoner og utstillinger

Sonia J.s økende internasjonale anerkjennelse inkluderer:

• Portefølje Gjennomgang — Charlotte Paritzky, direktør for Z&B Gallery & medstifter av OBRA Art (mai 2025)
• Topp 10 Berlin samtidskunstnere (2024–2025)
• 5. internasjonale samtidskunstmesse, IT’S LIQUID Group — Barcelona, Spania (18.–28. juli 2025)
• Månedens artist — IT’S LIQUID Group (september 2025)
• Braga samtidskunstutstilling — Braga, Portugal (12.–14. september 2025)
• Porteføljegjennomgang — Quentin Métayer, PR & Kommunikasjon, Perrotin (oktober 2025)
• Porteføljeevaluering — Flavio Scaloni, gallerileder, Galerie Lo Scalo (oktober 2025)
• Terapeutisk helsesenterprosjekt — oppdraget full samling for et helsesenter i Portugal.
• Juridisk notarius' kontor kunstprosjekt — bestilt full samling inspirert av Blues Collection
• SensesART, IT’S LIQUID Group — Lecce, Italia (desember 2025)
• European Artist Award 2025 — IT’S LIQUID Group, Venezia, Italia (5. desember 2025)
• Verona SPA Art Project — bestilte en full kolleksjon for et hotell spa i Verona, inspirert av Middelhavets teksturer.
• Fremtredende kunstner på Singulart, Artmajeur, og oppført på Artprice.com
• AKOUN Verdivurdering (juni 2025) — Offisielt sertifisert til €550 for format 15P (65 × 50 cm)

Emballasje og frakt

Kunstverket vil bli sendt rullet inn i et sterkt beskyttende rør, innpakket med syrefritt papir og flere lag med forsterkning for å sikre total sikkerhet og betydelig redusert fraktkostnader.
Frakt inkluderer sporingsnummer og forsikring.

Estimert levering:
• EU: 3–7 dager
• Ikke-EU: 7–15 dager (avhengig av toll)