Anton Kaestner - #349 - L - " Forms ".

#349 - L - "Form".
Pierwsze i jedyne wydanie, oryginalne dzieło Anton Kaestnera, prosto z paryskiego atelier.

Akryl na spray na pleksiglasowej płycie o grubości 3 mm.
To nie jest reproduction. To oryginalne, namalowane dzieło o błyszczącym, wyraźnie „glossy” wykończeniu, zbliżonym do efektu nałożenia żywicy, i unikatowym.
Poświęć czas, by przyjrzeć się detalom i transparentności. To dzieło cię zaskoczy.

Wymiary: 24,2 x 17,3 x 0,12 cala / 61,5 x 44 x 0,3 cm bez ramy.
To dzieło dostarczane bez ramy.
Ramę o wysokiej jakości marki niemieckiej Nielsen w aluminium, wykończenie: Dąb lub inna (0,23 x 1,38 cala / 0,6 x 3,5 cm) zalecana i dostępna przy wysyłce za dodatkowe 120€.

Dzieło podpisane z tyłu.
Towarzyszy mu Certyfikat Autentyczności.
Dostawa objęta ubezpieczeniem.

Anton Kaestner to malarz, rzeźbiarz i autor szwajcarski, mieszkający w Paryżu. Jego prace wystawiane są w całej Europie, w Szwajcarii i w Dubaju. Więcej informacji i wybór na www.antonkaestner.com.

Następna wystawa – Lausanne, maj 2026.

"Biografia

Urodzony w Genewie, Szwajcaria, dorastałem otoczony naturalnym pięknem i kulturalnym bogactwem mojej ojczyzny. Kreatywność była ceniona w mojej rodzinie, a to mój zmarły dziadek, rzemieślnik i artysta, miał wpływ, który zasiał ziarno tego, co ostatecznie stało się pasją mojego życia.
W 1993 roku zacząłem malować prywatnie, eksperymentując z niezliczonymi akrylami w notesach A4, a potem A3. Najpierw pociągało mnie malarstwo niefiguratywne i abstrakcyjny ekspresjonizm. Z biegiem czasu, choć uważam się za ateistę, rozwinąłem również sympatię do duchowych materiałów, które rezonują z moimi poszukiwaniami ludzkiej egzystencji, melancholii i głębszych praw natury i życia.
Jednak droga do prawdziwego zostania artystą nie była natychmiastowa.
Przez ponad trzy dekady prowadziłem międzynarodową karierę biznesową, która zabierała mnie po całym świecie, od Stanów Zjednoczonych po Maroko, Belgię, przez Azję i Francję. Moje podróże poszerzyły perspektywę, eksponując mnie na szeroki zakres wpływów kulturowych. Gdziekolwiek bym nie poszedł, zanurzałem się w lokalne sceny artystyczne i angażowałem się w twórczą energię każdego miejsca.
Pomimo skupi­enia na karierze biznesowej, sztuka zawsze była częścią mnie, cicho tliła się pod powierzchnią. Przez prawie 30 lat malowanie stało się dla mnie formą sekretnej medytacji — sposobem na uwolnienie od świata i skupienie na sobie wewnętrznym.
Zawsze dawałem ogromną satysfakcję z malowania. Każde nowe dzieło to podróż, w której mogę testować swoją kreatywność, eksplorować nowe techniki i przeżywać autentyczne doświadczenia. Poprzez swoją sztukę zawsze miałem nadzieję ofiarować innym szczere spotkanie z pięknem, okazję, by zobaczyć świat z innej perspektywy i zastanowić się nad własnym życiem.
W 2021 roku, po przejściu na emeryturę z kariery biznesowej, całkowicie zaangażowałem się w malarstwo. Założyłem swoje studio w Paryżu i poświęciłem się całkowicie sztuce. Do końca 2023 roku uruchomiłem swoją publiczną karierę artystyczną i, ku mojemu zaskoczeniu, moja praca szybko zdobyła uznanie, trafiając do prywatnych kolekcji w całej Europie, zwłaszcza we Francji, Portugalii, Niemczech i Holandii.

KALENDARZ artystyczny

Moja pierwsza, solowa wystawa, "Échos", zorganizowana pod koniec 2024 roku w Paryżu, ukazała charakterystyczne podejście do sztuki, odchodzące od tradycyjnych technik malarskich: maluję akrylami, metalicznymi pigmentami i sprayami na odwrocie recyklingowanego, ekstrudowanego pleksiglasu, lekkiej, gładkiej, błyszczącej i czasem kruchiej powierzchni.
Ten proces uniemożliwia mi oglądanie dzieła w trakcie jego tworzenia. Nie mam wizualnego feedbacku ani kontroli podczas procesu — co uważam za zaletę. Pozwalam na „losowe eksperymenty” — wszystko, co może zablokować rozum — aby prowadzić wynik, warstwy i efekty lustra, które tworzę, pozostawiając miejsce na objawienie i odkrycie, gdy dzieło zostanie w końcu pokazane. To podejście, które rezonuje z procesem objawienia / utrwalenia fotografii, jest wyzwaniem i uwalnia. Wartości kompozycji wzbogacone są o warstwy i transparentność, a jednocześnie nadają każdemu dziełu cechę „ascetyczną”: cieszę się, gdy rozpoznaję „niezbędne niezbędności”, czyli to, co prawdopodobnie odkryjemy, gdy zatrzymamy się w milczeniu i świetle.
Świadomie utrzymuję podejście proste. Ani „emocje” ani „teoretyczna koncepcja” nie, ale doświadczenie bycia. Ani „szybkie konsumowanie” ani „intelektualizacja / intelektualne posiadanie”, lecz poszerzanie świadomości i eksploracja rzeczywistości, jej widzialnych i niewidzialnych historii; moje sztuka to poszukiwanie „życia w samym sercu życia”, „le vif”, jak to ujęłby francuski mistrz SF Alain Damasio.
Chociaż moja praca czasem może przywodzić na myśl transparentność i luminescję witrażu, pozostaje niemal całkowicie abstrakcyjna. Co więcej, pleksiglas nadaje malarstwu migotliwą skórę, pod którą można dostrzec własny zarys, inny dla każdego nowego widza. Każde dzieło działa jak dyskretnie lustro: żyje, zmienia się, widzi.
Wzajemne oddziaływanie światła, koloru i faktury, a także brakujących elementów, wymaga jedynie empatii. Mam nadzieję, że gra między „szczegółami z bliska” a „odległością dla całości” zachęci widzów do podjęcia własnych, introspektywnych podróży.
Nie twierdzę, że mam na wszystkie odpowiedzi, i chcę pozostać pokorny co do tego, co można osiągnąć. Po prostu czerpię satysfakcję z nieustannego zadawania pytań i rozwoju. Każde nowe dzieło to konfrontacja z moimi granicami, skłaniająca do doskonalenia umiejętności i dalszych poszukiwań, co mogę osiągnąć. Malarstwo dla mnie to codzienny rzemiosło, eksploracja, sposób na wywołanie znaczących rozmów.

Jak powiedziałby Jean Bazaine: „Codzienna praktyka potraja pasję do widzenia.”

Anton Kaestner