Yasuhiro Ishimoto - Chicago, Chicago (THIRD BOOK, WITH SLIPCASE) - 1969

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这是有史以来最美丽的日本画册之一：
- Martin Parr、Gerry Badger，《The Photobook》第1卷，第289页
- Manfred Heiting、Kaneko Ryuichi，《The Japanese Photobook》第390页

BREATH-TAKING PICTURES（由日本裔美国摄影师石元康弘，Yasuhiro Ishimoto，1921-2012）的大作之一，他是日本摄影界的巨擘之一，其数十年的职业生涯探索了在传统建筑中的现代主义设计表达、东京与芝加哥城市生活的静默焦虑，以及摄影机将日常世界中那些抽象与看似具体的事物呈现出来的能力。

BREATH-TAKING PRINTING。

极为罕见的书籍——配有极其罕见的原装滑盒（ slipcase）。

艺术家重要的早期著作之一 这是在《Aru hi aru tokoro》《Someday somewhere》1958年之后的第三部作品（Martin Parr、Gerry Badger，《The Photobook》第一卷，第272-273页）以及《Katsura: Nihon kenchiku ni okeru dentō to sōzō》，1960年。

前言：哈里·卡拉罕（Harry Callahan）。

战后初期在芝加哥的作品：
石元在战后抵达芝加哥，正值非裔美国人向北迁徙的第二波大迁徙时期。芝加哥在两次迁徙中的新增居民数量仅次于纽约。正如 Jasmine Alinder 所述，石元从南方农村到北方城市的新移民在芝加哥的照片，映射出他自己从日本农村到西海岸、最终到北方城市共同土地的迁徙模式。石元在“日裔美国人遭受歧视”这一经历中所体现的敏感性，似乎也在他的创作中体现出他对被剥夺权利群体困境的关注，以及他坚持要深入城市景观角落的愿望。
他在芝加哥的早期许多照片聚焦于各社区的儿童，捕捉他们放纵的活力、城市的活动场所，以及他们直率而在某种程度上难以穿透的凝视面对镜头，既不带感伤也不嘲讽。1958年，他出版了第一本写真集《Someday Somewhere》，以芝加哥与东京对话的方式呈现，通过排布与连载的策略，与他在设计学院的训练有着追溯性的联系。"（维基百科）

第二次在芝加哥的停留（1958-1961）：
1958年12月，石元的日本签证接近有效期，他与妻子茂（Shigeru）在名为“Chiyoda Kōgaku Kōgyō”（现为康能达 Minolta）的研究资助下重返芝加哥。尽管最初计划停留一年，他们将停留期延长至三年，并在芝加哥北区定居，其间石元在街头漫步，拍摄超过六万张照片。该阶段的作品在多家日本杂志刊载，并于1962年在日本桥白木屋百货店展出。1969年由 Bijutsutsu Shuppansha 出版的《Chicago, Chicago》对文本由哈里·卡拉罕和高木修撰写。书籍设计由龟仓裕作（Yūsaku Kamekura）负责，210张影像通过双色浮雕工艺印制，使画面中的暗部显得更加丰富。该书捕捉了芝加哥在50年代末至60年代初的城市大变革：前战建筑的拆除与新现代主义高层建筑、公共住房并置，并敏感地呈现出种族与政治紧张在公共空间的错综复杂。石元还沉浸在游行与游行队伍中，捕捉到1960年一次大会上马丁·路德·金在激情演讲时，身边排成一列的海报在抗议学校种族隔离的旗帜中漂浮。1960年，石元还成为芝加哥艺术学院的个展主角。
（维基百科）

Bijutsu Shuppan-sha. 1969. 第一版，第一印刷。

原装硬皮书，外覆全黑布，附原装滑盒。书籍尺寸：290 mm x 285 mm。224页。208张黑白照片。摄影：石元康弘。排版：龟仓裕作。前言：哈里·卡拉罕。文本：高木修。文本为日英双语。

状态：
书内外状况均优秀；崭新无瑕，干净无痕，无斑点。滑盒完整，但有使用痕迹；有三处撕裂，部分污渍。总体状况良好。

由石元康弘所创作的极美画册之一，堪称日本画册中的佼佼者。
并配有极其罕见的原装滑盒。

“这本书讲述者在美国出生，在日本长大，在第二次世界大战爆发前后返回美國时，因签署行政命令第9066号而被送往科罗拉多州的阿马奇集中营。战后，他在以包豪斯为灵感的伊利诺伊理工学院设计学院（ID）学习摄影，建立了横跨美国与日本的稳健摄影实践。作为一部跨国对话的艺术家，石元对日本建筑现代主义的传播起到了重要作用。他在1953-54年拍摄并于1960年出版的《 Katsura: Tradition and Creation in Japanese Architecture》（《桂离宮：日本建筑中的传统与创造》）以其对庭院几何纯粹性的表达和对空间气氛的敏感性，在建筑与设计界获得广泛赞誉。该书与随文的两位作者是拳头人物：丹下健三和沃尔特·格罗皮乌斯，被视为推动战后日本建筑传统与现代性的辩论。
石元的一生在美国与日本之间来回，他的作品在美国及日本广泛展出，1955年在现代艺术博物馆的《人之家庭》展览中有两幅作品入选。1969年他出版系列《Chicago, Chicago》，与他的建筑摄影并行，记录日常生活中的街景与普通人，以细腻的镜头呈现现代都市生活的坦率、焦虑、矛盾与欢乐。
石元于1921年6月14日出生在加利福尼亚州旧金山，父亲石元友正（Ishimoto Tom）与母亲吉信（Yoshine）均来自日本高知县的高岡町（现今的土佐市）。父母于1904年以务农为目的来到美国，后在加州以盐田农场业取得成功。1924年全家返回日本，定居在父母的故乡高知。石元就读于 Nada Narukawa 小学（现高知市高岡第二小学校）和高知农业高中，是一名中长跑健将，曾在 Meiji Jingu Gaien 体育场参赛。高中毕业后，1999年应父母及老师之嘱返回美国，学习现代农业方法。初居于父亲的日本农友家，后搬到加州奥克兰，与美国家庭同住并在一所小学学习英语。随后就读于 Fremont 的华盛顿联合高中，以及圣何塞城市学院（现圣何塞城市学院），夏季在农场工作。1942年1月，他进入加州大学伯克利分校农业学院，但太平洋战争迅速升级使学业中断。1942年2月19日，罗斯福总统签署行政命令9066号，批准大规模将日裔美国人关押在西海岸。5月21日，石元被强制送往中部加州的默塞德编组中心，随后转至科罗拉多的格兰纳达战争安置中心（ Camp Amache），在那里他被安排担任消防员。正是在营地，他第一次学会使用相机并在暗房中冲洗照片[5]。尽管起初相机被当局没收，但到1943年5月，营地外的相机限制被解除，石元开始在营地周围拍摄，使用一台柯达35mm相机。他和同伴们利用创造性的办法克服营地的技术限制，记得他的朋友用番茄酱罐和折叠相机的风箱自制放大器。1944年1月获准离营参观伊利诺伊州，两次就忠诚度问卷作出回应后于1944年12月正式获释。战争迁移管理局在芝加哥设立了首个重新安置办公室，旨在将西海岸日裔美国人分散到各地，以削弱他们的族裔聚居力量并减少对日本的忠诚。于是石元来到了芝加哥，在Color Graphics公司工作，后来进入西北大学学习建筑学，虽然入学不久就退学，但建筑学始终在他的摄影实践中占据重要位置。
接下来的一年，他通过日本裔美国摄影师哈里·K·重源（Harry K. Shigeta）的介绍加入位于芝加哥的Fort Dearborn 摄影俱乐部。很多社员仍坚持19世纪末至20世纪初的写实派摄影风格，试图通过摄影再现绘画般的质感。与此同时，石元接触到先锋出版物，如 György Kepes 的《视觉语言》（The Language of Vision）与 László Moholy-Nagy 的《动态图像》（Vision in Motion），对他后来的视觉感知与自然环境的结构性理解产生深远影响。
1948年，在Shigeta的鼓励下，石元进入伊利诺伊理工学院设计学院（ID），这所学校被称为“新包豪斯”，由莫霍洛-拿吉创办，旨在把包豪斯的教学理念带到芝加哥，并强调以人为本的设计。他取消了德国机构的性别偏见，学校分为建筑、产品设计和光线工作室三大系。
在教学中，莫霍洛-拿吉鼓励学生把光视作“原始材料”，通过化学、气氛、表面、相机设定及空间安排等精心控制来进行实验与操控，这一取向深深影响了石元在接下来的建筑摄影中对光与形态的刻意与严谨的排布。石元曾师从如 Siskind、Gordon Coster、Harry M. Callahan 等摄影师。相比之下，Callahan 对理论层面的兴趣不及，鼓励学生走出教室走进城市，采用更自由的拍摄方式，在ID时，石元与同学 Marvin E. Newman 建立了长久的友谊，两人经常一起探索并拍摄芝加哥的社区，甚至合拍了一部短片《麦克斯韦街上的教堂》，以非裔美国人的公开复兴集会为题。
ID 的经历让石元掌握了从前卫实验主义与几何原则的包豪斯态度，到Siskind 的纪录性视角，再到Callahan更主观、直觉驱动的实践的多样看待事物的方式，这些都影响了他此后几十年的摄影取向。
1961年回到日本，1968年成为日本公民。他在 Kuwasawa 设计学院（1962–66）、东京摄影专门学校（1962-66）及东京造形大学（1966–71）任教。
石元于2012年2月6日因中风住院后去世，享年90岁。
石元获得了众多荣誉：1951年 Life 杂志青年摄影师大赛；1957年日本摄影批评家协会年度摄影师；1970年每日新闻美术奖；日本摄影学会年度奖（1978、1990）及杰出贡献奖（1991）；1996年被日本政府列为文化功劳者。英文名为 Yas Ishimoto。
在ID 时期，卡拉罕将石元引荐给著名摄影师及策展人爱德华·斯泰肯（Edward Steichen），为这位新晋摄影师的职业生涯开辟新的专业路径。1955年的现代艺术博物馆（MoMA）《人之家庭》（The Family of Man）展览及其同名目录中，斯泰肯选取了石元的两幅作品，其中一幅在展览的儿童版块中，描绘一个小女孩背对镜头，手腕被绑在树上。这幅看似玩耍中的照片，因具有一种不易察觉的紧张感而显得有些阴森，体现了石元对过度煽情的抵制。斯泰肯还在1953年选石元参与二十五位新兴摄影师群展，后来在 MoMA 于1961年举办的三人展中再度邀请。1954年，石元在东京神田的 Takemiya 画廊举办个人展，这是当时东京知名的前卫艺术场所。1953年，他在东京国立现代美术馆首次参加摄影展，名为《日本与美国的当代摄影展》（Gendai shashin-ten: Nihon to Amerika），这一展览汇集了安森·亚当斯、贝瑞尼斯·阿博特、沃克·埃文斯、约翰·萨尔科夫斯基等知名人物。此展不仅标志着日本艺术界在媒介上的新转变，也参与了战后美国与日本之间的文化话语生产，石元在其中的参与至关重要。
1956年10月，石元与妻子川又茂（Kawamata Shigeru）在日本国际文化会馆举行婚礼，婚礼由茶道大师与前卫艺术家等人见证。他们在同年还出现在东京日本桥高岛屋举行的第一届国际主观摄影展上，与prewar avant-garde 的人物如山本寬等形成连结。
斯泰肯把石元引荐给 MoMA 的建筑策展人阿瑟·德雷克斯勒，54年那段旅程让石元第一次有机会在京都的桂离宮拍摄。他将照片交给丹下健三，丹下认为照片有能力解构并清晰呈现这座传统空间的要素，这成为该建筑现代性讨论的重要推动力。桂离宮被称为“传统与创造在日本建筑中的对话”，书中由 Walter Gropius 作序，丹下健三撰写了随笔，1960年出版。此书对于日本与海外建筑师影响深远，促成了关于战后日本建筑传统与现代性的持续讨论。
1976年至1982年，皇家家务省对桂离宮最大的住宅建筑（御所）进行了严格翻修。石元在1981年11月及1982年2月再次造访，使用 Sinar 相机与多种镜头拍摄黑白和彩色照片。彩色版于1983年由日之本出版，在美国由 Rizzoli 于1987年出版，两次出版在构图和排版上都与1960年代丹下编辑的版本有显著不同。第二版中 Isozaki 安建筑师提供了大量意见并撰写随笔，画面更加大规模、欣赏装饰与色彩的多样性，将设计细节放在建筑语境中呈现，而非单独强调。Isozaki 将石元对桂离宮的新拍法描述为“反现代主义”的视角，将古老的别墅放置在一个全新视野中，呈现多元、异端元素在同一环境中的共存。
在桂离宮：传统与创造在日本建筑中的对话出版之后，石元继续在全球拍摄建筑作品，保持对空间氛围与结构细节的关注。他受委托重走伊斯兰的传播路线，从科尔多瓦出发，横跨亚洲到印度的法特胡尔西克里、以及中国西安，成果刊为《Islam: Space and Continent》（1980）。石元与许多现代建筑师保持密切联系，包括丹下健三、安东尼·希洛齐、伊藤博等，并拍摄了他们的多处建筑。1974年，他为日本设计杂志Approach 拍摄了加州格林家族（Greene and Greene）的早期20世纪建筑作品。1993年，他受邀在第61次乘马仪式拆建时拍摄伊势神宫，他借鉴了渡边义男在1953年拍摄的一系列建筑细部，强调檐口和柱子的清晰形态。与晚期落日时的强光对比不同，石元选择正午时分的光线，以营造更柔和、深沉的氛围。
虽然石元以桂离宮和芝加哥的黑白作品最为知名，但他自 ID 时代便开始尝试彩色摄影，并在职业生涯后期逐渐增多彩色运用。在芝加哥的第二次停留期间，他开始尝试彩色胶片的多重曝光，通过叠影与色滤镜创造抽象、半透明的形态，随摄影机的偶然性而变动。这些技巧后来在他的系列《颜色与形状》（Iro to Katachi，2003）中再度使用，探讨花卉等各类植物的感性与抽象形式。
1973年，他在京都东寺的曼陀罗中拍摄数百尊佛像，用彩照与闪光灯捕捉原本因保存需要而常处于黑暗中的生动色彩与细节。这些经历强化了他对传统存在于现代生活中的兴趣，同时使他从以往对“减法美学”的偏好转向一种同时容纳对立力量、共构性与互相依存性的审美态度——这是一种在密宗佛教理念背景下形成的思维方式。
他对曼荼罗对摄影视角的影响有如下体会：“摄影师往往只抓取美好之处，将一切其他事物排除在画框之外。但对曼荼罗佛像而言，曼荼罗本身强调人类存在的低微元素，即使在追求觉悟的过程里也不排除它们。与其将坏的东西剃除，我逐渐认为需要把框中的空间变成万象的缩影。”1977年，由平凡出版社（Heibonsha）推出了《两界之曼荼罗：真言密教之传说》（The Mandalas of the Two Worlds: The Legend of Shingon-in）的特别盒装收藏版，并在西武美术馆的巡展中展出，设计师为田中一贯（Ikko Tanaka）。
在《食品日记/包装食品》（Shokumotsushi/Tsutsumareta shokumotsu）（1984）中，石元记录了超市日常食品的景象，通过在黑色背景下用强烈的色彩来突出鱼类、蔬菜等对塑料膜和泡沫塑料的拉伸，一方面呈现这些主题的色彩张力，另一方面使画面呈现出类似X 光影像的蓝绿色调。这一系列也揭示了1980年代日本大众消费主义的兴起，以及在那个资源匮乏时代成长的他对快速工业化和商业增长带来食物风味、品质辨识度下降及食品安全等问题的焦虑。