Miroslav Spadrna(Pintorcheco) - Esperando nueva vida-waiting for new life XL no reserve

Venter på nyt liv - waiting for new life
(Akrýl på lærred 100+80cm) Miroslav Spadrna (tsjekkisk maler) 2006-2024 fra Spanien
Miroslav Spadrna - er en tjekkisk maler, født i 1968 i České Budějovice, Tjekkiet. Før han studerede Billedkunst, malede og solgte han allerede mange af sine værker. Som 21-årig var han kendt i Tyskland, Holland og andre europæiske lande. Ved 25 havde han solgt over 1.000 værker verden over. Ved 40 forlod han den kommercielle malerkunst for dybt at fordybe sig i sit kunstneriske udtryk. Han forlod sit hjem og sit tidligere liv for at skabe kunst på gaden, tættere på fattigdom, ensomhed og passion. Denne forandring ændrede hans stil, tankegang og teknik. Som 43-årig begyndte han en ny fase i sit kunstneriske liv. For Špadrna er kunst et rum for absolut frihed, et sted for at finde essensen af tingene og de dybeste følelser i væsenet. Det er her, hvor den eneste målestok for tid er penselstrøget. At skabe eller genopfinde livet på et lærred, papir eller skulptur er for ham den mest sublime handling. Hans anerkendelser inkluderer European Artist Award i 2023 i Milano, Italien, og i 2021 blev han udnævnt til Kunst- og Malingskoordinator i Tjekkiet. Hans gruppeudstillinger inkluderer den kollektive udstilling i Berja, Andalusien, Spanien i 2023. Hans værker har modtaget positive anmeldelser i Spanien og har været omtalt i publikationer. I 1997 havde han en residens i Garachico, Kanarieøerne, Spanien. Spadrna er en anerkendt og prisbelønnet kunstner, der er blevet publiceret i forskellige medier. Han har været medlem af Galería de Arte Visual Chicote, Spanien, siden den 2. april 2024. Hans arbejde kan findes på flere hjemmesider, hvilket viser hans udviklingsrejse som kunstner. Hans værk er levende og tekstureret, hvilket indkapsler hans dybe forbindelse til kunst som et middel til at udtrykke dybderne i den menneskelige oplevelse.
Miroslav Spadrna alias pintorcheco
En intim rejse mellem lys, natur og essens
Por antonio sánchez. Direktør og kurator for 1819 art gallery
Denne samling er en billedlig symfoni, der svinger mellem det abstrakte og det figurative, og integrerer den visuelle struktur med en følelsesmæssig kraft, der gennemsyrer hvert værk. I en udstilling af impressionistisk og ekspressionistisk teknik udforsker kunstneren det symbiotiske forhold mellem mennesket og naturen, hvor former, farver og teksturer smelter sammen i en visuelt koreograferet, intens dans. De brede, kantede penselstrøg, anvendt med en blanding af impasto og energiske streger, giver overfladen en næsten taktil tredimensionalitet, der inviterer beskueren til at dykke ned i materialiteten af hvert enkelt værk.
Den farvepalet, der bruges i kollektionen, er tæt og multifacetteret, og leger med en livlig række af blå, grønne og jordfarver, kontrasteret med intense røde og orange accenter. Dette farvevalg er ikke tilfældigt, men svarer til en poetisk fortælling, hvor de kolde nuancer antyder ro og introspektion, mens de varme farver fungerer som visuelle kontrapunkter med energi og passion. Især de røde, med deres nuancer af karmin og vermillion, fremhæves i visse figurer og naturlige elementer, hvilket antyder både livets vitalitet og øjeblikkets forgængelighed, der er fanget på lærredet.
Kunstneren bruger tekstur som et vigtigt udtryksmiddel i kompositionen. Anvendelsen af tykke lag af olie og akryl, revet og overlejret i forskellige retninger, giver hvert værk en visuel tæthed, der afspejler kompleksiteten i den naturlige verden. Denne teksturelle behandling fremhæver ikke blot maleriets materialitet, men skaber også en omsluttende, næsten immersiv atmosfære, der placerer beskueren i et liminalt rum mellem det håndgribelige og det umiddelbare. Stregene bliver gestuelle, med en indeholdt energi, der antyder den organiske puls i selve livet, og skaber en slags billedsprog, der peger på det flygtige og det evige samtidigt.
Set fra et kompositorisk perspektiv udfordrer kunstneren konventionerne om symmetri og formel orden ved at skabe scener, der fremkalder den kontrollerede kaos i naturen. Elementerne er arrangeret i en dynamisk balance, hvor den tilsyneladende tilfældige placering af figurer og landskaber svarer til en intern logik af asymmetrisk harmoni. Denne tilgang skaber en visuel spænding, der holder blikket i konstant bevægelse, hvor det bevæger sig over hvert centimeter af lærredet på jagt efter skjulte detaljer og underliggende betydninger.

Kompositionen bliver således en interaktiv oplevelse, et rum hvor seerens øje frit kan navigere, opdage nye lag og perspektiver i hver observation. En af de mest bemærkelsesværdige aspekter ved denne serie er den måde, hvorpå den menneskelige figur præsenteres i en tilstand af fusion med omgivelserne. I flere af værkerne synes kroppe at træde frem af landskabet, som om de er naturlige udvidelser af træerne, vandet eller jorden. Denne integration understreger ideen om en indre forbindelse mellem mennesket og naturen, et bånd der går ud over blot sameksistens for at forvandle sig til en symbiotisk og åndelig union. Den menneskelige figur bliver ikke fremstillet som en isoleret enhed, men som et uadskilleligt element i det visuelle økosystem, der omgiver den, i en evig omfavnelse med kosmos.
Det billedlige rum i denne samling er dybt atmosfærisk, opbygget af lag af gennemsigtighed og uigennemsigtighed, der antyder forskellige dybdeplaner. Overlejningen af glasure og farvetryk skaber en illusion af bevægelse, som om landskabet selv ånder og forandrer sig foran vores øjne. Denne teknik, der kombinerer sfumato med brugen af kontraster mellem lys og skygge, tilføjer en næsten æterisk dimension til værkerne, og indhyller figurerne i en tåge, der forvandler dem til flydende spøgelser i et parallelunivers.

Den implicitte fortælling i samlingen er struktureret omkring universelle temaer som tid, metamorfose og naturens vedholdenhed. Hvert værk fungerer som et fragment af en større fortælling, hvor de tilbagevendende elementer – træer, vand og menneskelige figurer – fungerer som arketypiske symboler, der antyder evigheden og livets cyklus. Træerne, med deres dybe rødder og opadgående grene, repræsenterer stabilitet og forbindelse til jorden, mens vandet, med sin konstante strøm, symboliserer den uundgåelige tid og forandring. Den menneskelige tilstedeværelse præsenteres derimod i en tilstand af eftertanke eller bevægelse, som om den er bevidst om sin flygtighed i mødet med det enorme landskab, der omgiver den.
Brugen af lyset er et andet vigtigt aspekt i opbygningen af disse atmosfærer fyldt med symbolik. Belysningen, blid og diffus, udspringer fra forskellige punkter i kompositionen, hvilket skaber subtile kontraster, der afslører og skjuler fragmenter af landskabet. Dette lys er ikke blot et teknisk værktøj, men et symbol på det transcendentale; det bliver til en metafor for bevidsthed og perception, der oplyser de synlige dele, mens det antyder, at der er meget mere skjult i skumringen. Lyset guider i denne forstand seeren på en introspektiv rejse, hvilket gør ham til en medskaber af værket som en opdagelsesrejsende i mysterierne og betydningerne, der bor i hvert hjørne af lærredet.