Anton Kaestner - #329 - S - " Hommage à Soulages #6 ".

Unik ting, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#329 - S - " Hyldest til Soulages #6 ".

Sprøjtemaling i akryl på 3 mm plexiglasplade.
Gennemsigtigheder på tryk.
Dette maleri er ikke et tryk. Det er et originalt værk "multi-lag" hvor den blanke, glossy overflade, som tæt er på anvendelsen af en epoxy, er unik.

Dimensioner: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme af det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 Natura 514 Eg (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for en supplerende pris på 70€ inkl. moms.

Værket er underskrevet på bagsiden.
Et Certifikat for Ægthed følger med.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en maler, billedhugger og forfatter, schweizisk baseret i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvælgelse på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne marts 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og den kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativiteten blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfars, en håndværker og kunstner, som gennem sit arbejde plantede frøet til, hvad der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akrylfarver i A4- og senere A3-notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod en, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Over tid, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de gengældte min udforskning af menneskelig tilværelse og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbar.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturel indflydelse. Overalt, hvor jeg rejste, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig—a måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre selv.

Jeg har altid fundet stor tilfredshed i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan afprøve min kreativitet, udforske nye teknikker og gennemleve ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en ærlig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte at vie mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private kollektioner over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", holdt i Paris i slutningen af 2024, viste en distinkt tilgang til kunst, væk fra traditionelle malerteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprays på bagsiden af genbrugt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og sommetider perfor væg. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg velkomment. Jeg tillader "tilfældige eksperimenter" - alt kan gå for at afkorte fornuften! - at guide resultatet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad mig være klar: i mine billeder tager tilfældet aldrig beslutningerne; i værste fald stiller tilfældigheden spørgsmålene; meningsfulde "tilfældigheder" er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der svarer til åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og frigørende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtighed og giver hvert værk en "asketisk" kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender de "uundgåelige nødvendigheder", dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken "følelser" eller "teoretisk forestilling" men erfaringen af at være. Hverken "hurtigt forbrug" eller "intellektualisering / intellektuel besiddelse", men bevidsthedens udvidelse og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier; min kunst er en søgen efter "livet i hjertet af livet", eller hvad Alain Damasio kalder "le vif". Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, mening eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen årsag til at være, ingen ende eller formål. Selvom mit arbejde til tider kan vække gennemsigtigheden og lysstyrken af farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skinnende overflade, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det forandres, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også manglen på dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil legen mellem "detaljer tæt på" - et billede er et helt nyt billede - og "afstand til helheden" opmuntre beskueren til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at finpudse mine færdigheder og udforske nærmere, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er en daglig håndværk, en udforskning, en måde at inspirere meningsfulde samtaler, en søgen efter en farve så perfekt, at den ikke behøver os. Alder af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se.

Om sammenhæng i min praksis

I det moderne kunstlandskab, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende position, men af tilstedeværelse. Mine malerier—funklende farvefelter og lys i plexiglas—er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille samspil mellem tanke og proces, som gør det muligt at opstå.

Denne praksis hviler på tre tilstemmende intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Pålæggende Mening. Ved at beskrive værkerne som "uden objekt" og som "hverken indhold, eller mening, eller sans" håber jeg at løsne forventningen om en fortælling. Det er en invitation til at træde væk fra dekodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Primaliteten af Levet Erfaring. Ind i det åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg betragter som en "oplevelse af at være". Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed at føle—formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, 'stykket lever, det ændrer sig, det ser.'

Det tredje er, hvor idé møder hånd: Proces som Indkapslet Tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst løsladelse af kontrollen i den skabende handling. Jeg sætter betingelser, men giver afkald på udfaldet, hvilket gør, at maleriet bliver, hvad jeg kalder et selvstændigt 'objekt i sig selv', fuldt afsløret kun når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling—tålmodig venten på, hvad der kommer 'her og nu'.

At holde fast i disse intentioner er nogle få milde paradokser, der opretholder arbejdet:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om "meningsfulde 'tilfældigheder'", men de er kun mulige inden for nøje rammer. Tilfældigheden er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at "kommunikere noget" gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand—a tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribeligt ro.

Nostalgi for Nutiden
En blød nostalgi hænger ved i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et længsel efter de "uundgåelige nødvendigheder", der findes i 'stilhed og lys'—et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv roligt tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det 'opstod af egen drift.' Jeg tiltrækkes af det, der føles fuldstændig uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at "æraen for det uformelle kun lige er begyndt". Min praksis er i gæld til ånden i Art Informel, omend måske med mindre angst og mere ro—en uformalisme hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille medskyldig.

Kernen i det hele er en søgen efter 'le vif'—den levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men en sammenhængende stræben. Jeg har fundet ud af, at en praksis bundet i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger, som jeg tror, blive en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner