TD - Tempero Diabetico [1985] - Fragmented Serenity

TD - Tempero Diabético de 1985, portugisisk og urban kunstner siden 1999.
Fragmented Serenity er et håndmalet værk på bomuldssav, sprøjtet og med enkelte detaljer i acryl-malet tusch, fra året 2026, med billedformat på 161x96 cm. Signeret i hånden bagpå med en blæk-pen. Samlerobjekt i perfekt stand, solgt direkte af kunstneren og leveret med COA, certifikat for ægthed signeret i hånden og stemplet. Forsendt rullet i en paprør af karton via speditør.

"Fragmented Serenity" Serenitet fragmenteret i uroende penselstrøg, der antyder introspektion og spredt identitet

Jeg er en urban kunstner, formet af gaden, fejlene og vedholdenheden. Siden 1999 har graffiti været en del af min krop og måden, jeg ser verden på. Jeg begyndte på væggene, i offentlige rum, i byens hurtige tempo, og det var der, jeg udviklede et selvstændigt, råt og intuitivt sprog. Med tiden bredte dette sprog sig ud over lærrederne, hvor sprøjtepenslen var mit primære værktøj, ikke som dekoration, men som en direkte forlængelse af gesten, hastigheden og den erkendte ufuldkommenhed.

Jeg lever med PHDA (ADHD), hvor opmærksomhedsunderskuddet er den mest markante træk ved min måde at fungere på. I mange år så jeg det som en hindring: vanskeligheden med at holde fokus, den ustabile opmærksomhed, tanken, der hele tiden hopper fra stimuli til stimuli. At male var en konstant kamp mod mig selv, et forsøg på at disciplinere noget, der naturligt nægter at holde sig stille. Min opmærksomhed, når jeg maler, er tilfældig og afbrudt, sommetider dybt nedsænket i billedet, sommetider fuldstændig fraværende, som om jeg allerede var i et andet maleri, en anden idé, en anden mur.

Med tiden stoppede jeg med at forsøge at rette denne funktion og begyndte at lytte til den. Det var dér, jeg indså noget essentielt: for mig afsluttes et maleri ikke ved slutningen af den traditionelle proces. Der er et punkt et sted mellem 60 og 65%, hvor værket når sin mest ærlige tilstand. Det er i dette øjeblik, at billedet stadig ånder, stadig lover, stadig ikke er lukket om sig selv. Fra dette øjeblik forsvinder glæden. At fortsætte ville blot opfylde en ydre forventning om færdiggørelse, ikke en indre nødvendighed.

Så besluttede jeg at omstrukturere det, jeg i årevis har betragtet som en begrænsning i min arbejdsproces. Mine lærreder begynder at være ufuldstændige, ikke på grund af forsømmelse, men som et bevidst valg. Det ufuldendte er for mig et rum af sandhed. Det er der gesten stadig er i live, hvor fejlen stadig ikke er gemt, hvor beskueren inviteres til at forestille sig, fuldføre og projicere. Når jeg ser på et lærred i dette mellemliggende punkt, ser jeg det som færdigt, intet mangler, intet er overflødigt.

Efter femten år med at kæmpe mod opmærksomhedsunderskud, forstod jeg, at det ikke er min arbejds fjende, men dets råmateriale. Den fragmenterede opmærksomhed former rytmen, afbrydelser skaber lag, og den manglende evne til at blive længe i samme billede hindrer overdreven kontrol. Patologien, før set som fejl, er blevet en kreativ allieret. I dag maler jeg ved at acceptere min egen mentale strøm og lade den bestemme, hvornår et værk begynder og vigtigst af alt, hvornår det slutter.

Mit arbejde lever i den ustabile balance mellem impuls og fravær, mellem det, der siges, og det der forbliver sagt. Jeg søger ikke perfektion eller den klassiske finish. Jeg søger det nøjagtige øjeblik, hvor maleriet stadig er åbent, som jeg altid har været: ufuldstændigt, i bevægelse og dybt levende.

ENG
I am an urban artist, shaped by the streets, mistakes, and persistence. Since 1999, graffiti has been part of my body and the way I perceive the world. Over time, my raw, intuitive street language spilled onto canvas, with spray paint as my primary tool, not decorative, but a direct extension of gesture, urgency, and embraced imperfection.
I live with ADHD, and attention deficit has profoundly shaped my creative process. My focus is erratic and intermittent, my mind jumping between images and ideas. For years, I saw this as a limitation, but I now embrace it as a source of energy and inspiration.
My works reach their most honest state when they are only 60 to 65 percent complete. At this stage, the painting still breathes, still promises, still feels alive. Beyond that point, the pleasure disappears, and continuing would only satisfy external expectations. The unfinished has become a conscious choice, a space of truth where gestures remain alive, mistakes are visible, and the viewer is invited to imagine and complete.
After fifteen years of working with attention deficit, I understand it not as an obstacle, but as the raw material of my art. Fragmented attention shapes rhythm, interruptions create layers, and the inability to linger too long prevents overcontrol. My work lives in this unstable balance between impulse and absence, between what is said and what remains unsaid, incomplete, in motion, and deeply aliveh.