Anton Kaestner - #355 - S - " Hommage à Richter in Paris ".

Unika stykke, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#355 - S - " Hædring til Richter i Paris ".

Sprøjet akryl på plexiglasplade på 3 mm.
Gennemsigtere ved print.
Dette maleri er ikke et print. Det er et originalt værk "multi-lag" hvis blanke, glossy overflade, der minder om påføring af har en resin, er unik.
Hvidt er i virkeligheden hvidere end på billedet.

Dimensioner: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 Natura Blanc eller Mat sølv (inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for yderligere 70€ inkl. moms.

Værket er underskrevet på bagsiden.
Et ægthedsbevis følger med.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en maler, billedhugger og forfatter, Schweiziskfødt og bosat i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi
Født i Genève, Schweiz, jeg voksede op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til, hvad der senere blev min livslang passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akrylmalerier i A4- og derefter A3-Notesbøger – jeg har altid følt, at store billeder møder én direkte, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først trukket mod ikke-figuratisk maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg anser mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for spirituelle materialer, da de resonate med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke umiddelbar.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asia og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og bragte en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor end jeg rejste, fordøjede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere har kunst altid været en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet enorm tilfredshed i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og opleve ægte erfaringer. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at hellige mig helt til min kunst. I slutningen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse vandt mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger i hele Europa, særligt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstner-CV

Mit første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, fremviste en særpræget tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprøjter på bagsiden af genbrugt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og sommetider skrøbelig overflade. Denne proces hindrer mig i at se værket, som det udvikler sig. Jeg har ingen visuelt feedback eller kontrol under processen—noget jeg velkommer. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkoble fornuften! - at styre udfaldet, lagene og spejleffekterne, jeg skaber, og giver plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig fremvises. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældet ikke beslutningerne; i højst grad stiller det spørgsmålene; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der korrelerer med åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og befriende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, samtidig med at hvert værk får en “asketisk” kvalitet: jeg er lykkelig, når jeg genkender “uundværlige nødvendigheder”, altså hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Ikke “emotion” eller “teoretisk begreb” men oplevelsen af at være. Ikke “hurtigt forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men bevidsthedens udvidelse og udforskning af virkelighedens synlige og usynlige historier; min kunst er en søgen efter “livet i hjertet af livet”, det, Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter i sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller mening, eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, eller noget endemål eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan vække gennemsigtigheden og luminositeten i stained glass, forbliver det næsten fuldstændigt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skinnende overflade, hvor man kan ane sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og struktur, inklusive de manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentligt vil spillet mellem “detaljer tæt på” - et billede er et helt nyt billede - og “afstand til helheden” opmuntre beskuerne til at begynde deres egne introspektive rejser.

Jeg gør mig ingen forhåbninger om at have alle svarene og vil forblive ydmyg overfor, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hver ny skabelse er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske yderligere, hvad jeg kan opnå. At male for mig er en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte gang i meningsfulde samtaler, en søgen efter en maling, der er så perfekt, at den ikke har brug for os. Alderens uformelle begyndelse er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis fordobler lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I samtidskunstens landskab, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende placering, men ved nærvær. Mine malerier — skimrende farvefelter og lys inden for plexiglas — er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil af tanke og proces, der får det til at dukke op.

Denne praksis hviler på tre sammenkoblede intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra påtvunget mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, eller mening, eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om fortælling. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Den Levede Erfarings første plads. Ind i det åbne rum forsøger jeg at lægge, hvad jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed at føle — formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, ”lives, ændrer sig, ses.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Processen som legemliggjort tænking. Maling på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men giver slip på udfaldet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder et selvstændigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling — tålmodig venten på, hvad der ankommer “her og nu.”

At holde disse intentioner står der nogle blide paradokser, der opretholder arbejdet:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ’besynderlige hændelser’,” men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældet er en velkommen gæst, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalgi for Nutiden
En blød nostalgi hænger ved værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et længsel efter de “uundværlige nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys” — et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv roligt tilbyder.

Tørrelse og Lethed
Processen kræver stabil opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af sin egen fri vilje.” Jeg drages af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “alderen for det uformelle kun lige er begyndt.” Min praksis er gældende for ånden i Art Informel, om end måske med mindre kval og mere ro — en uformelhed hvor tilfældet ikke er et brud, men en stille medarbejder.

I kernen er der en søgen efter “le vif” — det levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring snarere end intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis, der hviler på stille paradokser, ikke behøver at være skrøbelig. Gjennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, jeg tror, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner