Anton Kaestner - #348 - XL - " Hommage à Soulages ".

Unikke stykket, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#348 - XL - " Hæder til Soulages ".

Sprøjtemaling i akryl på 3 mm Perpex-plade.
Dette maleri er ikke et print. Det er et originalt værk i «multi-lag» med en blank, glossy effekt, som minder om påføring af et resin og som er helt unik.

Dimensioner: Tommer 34,3 × 24,2 × 0,12 / cm 87 × 61,5 × 0,3 uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 Natura 514 Eg træ (Tommer 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for en tillægspris på 150€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et Certifikat for Ægthed følger med.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter bosat i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og valg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling – Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og den kulturelle rigdom i mit fædreland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og derefter A3-notesbøger – jeg har altid følt, at store billeder møder én direkte, dominerende og intimiderende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg anser mig selv som ateist, udviklede jeg også en kærlighed til åndelige materialer, da de svarede til min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke øjeblikkelig.
I over tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig rundt i verden, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end rejste, fordøjede jeg mig i de lokale kunstmiljøer og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min karriere inden for forretning var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem autentiske oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid ønsket at give andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at vie mig fuldt ud til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse vandt mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

Ved udgangen af 2025 flyttede jeg til et større studium i et ledigt sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Mit førstesidsudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, præsenterede en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryl samt metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexiglas (Perpex), et let, glat, blankt og til tider skrøbeligt underlag. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen – noget, jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” – alt går for at afbryde fornuftens gang – at guide udfaldet, lagene og spejlvirkningerne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når værket endelig bliver udstillet. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældet aldrig beslutningerne; højst må tilfældet stille spørgsmålene; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, som ekkoer med åbenbaringen/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og frigørende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtighed, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender de “uundgåelige nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Ikke “følelse” eller “teoretisk forestilling”, men oplevelsen af at være. Ikke “hurtig tilførsel” eller “intellektualisering/intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier; min kunst er en søgen efter “livet i hjertet af livet”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller mening, eller fornuft; de er som ting, træer, dyr, mennesker eller dage, som heller ikke har nogen berettigelse, end og formål. Mens mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og glansen af farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en glinsende hinde, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk virker som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også manglede dele, kræver kun empati. Forhåbentligt vil spillet mellem “detaljer tæt på” – et billede bliver til et helt nyt billede – og “afstand til helheden” inspirere beskuerne til at påbegynde deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og ønsker at være ydmyg omkring, hvad der kan opnås. Enkelt sagt finder jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt skud på stammen er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske mere, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte gang i meningsfulde samtaler, en søgen efter et maleri så perfekt, at det ikke behøver os. Tiden for det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I det nx samtidskunstlandskab, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værker defineret ikke af fremtrædendehed, men af tilstedeværelse. Mine malerier – skimrende farve- og lysfelter inden for plexiglas – er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille samspil af tanke og proces, der gør det muligt at opstå.

Denne praksis hviler på tre sammenhængende intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Påtvunget Mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, mening eller sans” håber jeg at løsne forventningen om narrativitet. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Primatet af Levet Erfaring. Ind i dette åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg tænker på som en “oplevelse af at være”. Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed, der skal føles – formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, ændrer det sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som indlejret tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabeprocessen. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder et selvstændigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret først når det er komplet. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling – en tålmodig venten på, hvad der kommer her og nu.

At holde disse intentioner er nogle få blide paradokser, der opretholder arbejdet:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde coincidences”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældet er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at “formidle noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand – en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalgi for Nutiden
En blød nostalgi hænger ved værket, men den er nysgerrig rettet mod nuet: et længsel efter de “uundgåelige nødvendigheder”, der findes i “stilhed og lys” – et ønske om en ren nærvær, som værket selv diskret tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af egen drift.” Jeg tiltrækkes af det, der føles fuldstændig uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “den uformelle tidsalder kun lige er begyndt.” Min praksis er gæld til ånden i Art Informel, om end måske med mindre smerte og mere ro – en uformalisme, hvor tilfældigheden ikke er en ruptur, men en stille medarbejder.

I kernen er der en søgen efter “le vif” – det levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at tilskynde til intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstneres vej. Min biografi, min proces og mine overvejelser er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har erfaret, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner