Anton Kaestner - #274 - XL - " Dark Corner ".

Énkelmals fremstilling, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#274 - XL - " Dark Corner ".

Spray-akryl på 3mm Perpex-plade.
Dette lærred er ikke et tryk. Det er et originalt værk "multiskelet" hvis blanke, glossy finish, der minder om påføringen af en resin, er helt unik.

Dimensioner: Tommer 34,3 * 24,2 * 0,12 / 87 * 61,5 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 Natura 514 Eg (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved forsendelsen for en yderligere pris af 150€ inklusive alle afgifter.

Værket er signeret på bagsiden.
Et certifikat om ægthed følger med.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter baseret i Paris. Hans værker er udstillet over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Flere oplysninger og valg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturskønne skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min sene farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der til sidst skulle blive min livs passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og derefter A3-notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder kommer lige imod dig, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Først blev jeg tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en kærlighed til åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskets eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke umiddelbar.
I over tre årtier forfulgte jeg en international erhvervskarriere, der bragte mig rundt om i verden, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor end jeg rejste, fordøjede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokusset på min erhvervskarriere har kunst altid været en del af mig og koge under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig—en måde at bryde fri af verden og fokusere på mit indre selv.

Jeg har altid fundet stor tilfredsstillelse i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan afprøve min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en ærlig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min erhvervskarriere, besluttede jeg fuldt ud at satse på maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at devote mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse vandt mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle malerteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genbrugt ekstrudert plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg velkomment. Jeg tillader “random-eksperimenter” - alt går for at afkorte fornuften! - at styre udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være tydelige: i mine billeder tager tilfældet aldrig beslutningerne; i det højeste grad spørger tilfældet til spørgsmålene; meningsfulde “tilfælde” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der hænger sammen med åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og befriende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender “uundgåelige nødvendigheder”, altså hvad vi sandsynligvis opdager, når vi står stille i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Ikke “følelser” eller “teoretisk begreb” men oplevelsen af at være. Ikke “hurtigt forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidsthed og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, mit kunst er en søgen efter “ livet i hjertet af livet ”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter i sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller mening, eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har grund til at være, slut eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken af farvet glas, forbliver det næsten udelukkende abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skinnende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, mellem de manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer for nær” - et detaljer i et billede er et helt nyt billede - og “afstand for helhed” opfordre seerne til at begive sig ud på deres egne indre rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg over, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige proces af spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, som presser mig til at finpudse mine færdigheder og udforske, hvad jeg kan opnå. At male for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter en maling så perfekt at den ikke har brug for os. Den æra af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis fordobler lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I den moderne kunsts landskab, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der ikke defineres af fremtrædende position, men af tilstedeværelse. Mine malerier—skinnende farve- og lysfelter inden for plexiglas—er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille samspil af tanke og proces, der gør det muligt at opstå.

Denne praksis hviler på tre tilsluttede intentioner.

Den første er et Tilbagetrækning fra Påtvunget Betydning. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, mening eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Primatet af Levet Erfaring. Ind i den åbne plads forsøger jeg at placere, hvad jeg ser som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt at fortolke end en stille begivenhed, der skal føles—formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og det svage spejl af, at tilskueren møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever stykket, det ændrer sig, det ser.”

Den tredje er, hvor idé møder hånd: Proces som inkorporeret tanke. At male på bagsiden af plexiglas, uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder et uafhængigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling—en tålmodig venten på, hvad der rammer “her og nu.”

At holde fast i disse intentioner er et par milde paradokser, der holder værket i live:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om “meningsfulde 'tilfældigheder'”, men de er kun mulige inden for omhyggelige grænser. Tilfældet er en velkommen gæst, men strukturen er opbygget med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “formidle noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske hvad der deles ikke er en erklæring, men en tilstand—en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stilhed.

Nostalgia for the Present
En blød nostalgia hænger ved værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: et begær efter de “uundgåelige nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som værket stille tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af egen vilje.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg begyndt at føle, at “den uformelle æra netop er begyndt.” Min praksis er gældende til åndet i Art Informel, om end måske med mindre kval og mere ro—en uformelhed, hvor tilfældighed ikke er en ruptur, men en stille samarbejder.

I kernen er der søgen efter “le vif”—den levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse frem for intellektualisering. Den beskedne størrelse, jeg ofte vælger, er ment at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot en kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt stræben. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandskraft.

Anton Kaestner