Anton Kaestner - #295 - XL - " Dark Corner ".

Enunykt unikt maleri, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#295 - XL - " Mirror #1 ".

Acrylspray på Perpex-plade på 3mm.
Dette maleri er ikke ettryk. Det er et originalt værk i "multi-lag", hvis blanke glanslige udtryk "glossy", der nærmer sig en resin-lignende anvendelse, er unikt.

Dimensioner: Inch 34,3 * 24,2 * 0,12 / 87 * 61,5 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitet fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 Natura 514 Eg (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for et yderligere beløb på 150€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et certifikat for ægthed følger med.
Forsendelsen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, billedhugger og forfatter baseret i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og valg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min sene bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og derefter A3-notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod en, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og mens jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke umiddelbar.
I over tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig jorden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, over Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og åbnede mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end rejste, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min erhvervs-karriere har kunst altid været en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre.

Jeg har altid fundet enorm tilfredshed i at male. Hvert nye værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre et oprigtigt møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min erhvervskarriere, besluttede jeg fuldt ud at satse på maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at vie mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse, og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

Ved udgangen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris ved udgangen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle malerteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprays på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexi (Perpex), en let, glat, blank og sommetid sårbar overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuelt feedback eller kontrol under processen – noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt kan gå for at afkorte fornuftens bane! - at styre udfaldet, lagene og spejlende effekter jeg skaber, og jeg giver plads til åbenbaring og opdagelse, når værket endelig bliver udstillet. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældet aldrig beslutningerne; højst af og til stiller tilfældet spørgsmål; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der klinger med fotografiets åbenbarings-/fikseringsproces, er udfordrende og befriende. Værkets kompositions værdier beriges af lag og gennemsigtigheder og giver hver enkel værk en “asketisk” kvalitet: jeg er lykkelig, når jeg genkender “irreducerbare nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelser” eller “teoretisk opfattelse” men oplevelsen af at være. Ingen “hurtig forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier; min kunst er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, efter det, som Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter i sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller mening, eller betydning; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som også ikke har nogen grund til at være, noget endepunkt eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken af glasmaling, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglasmalingen maleriet en glinsende overflade, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “ detaljer for nær” - et detaljer i et billede er et helt nyt billede - og “afstand for helheden” opmuntre seerne til at påbegynde deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svar og ønsker at forblive ydmyg om, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der skubber mig til at forfine mine færdigheder og udforske længere, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at stimulere meningsfulde samtaler, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Informel alder er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se."

Om sammenhæng i min praksis

I landskabet af samtidskunsten, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædendehed, men af tilstedeværelse. Mine malerier – skimrende farve- og lysfelter inden for plexiglas – er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil af tanke og proces, der får det til at fremstå.

Denne praksis hviler på tre samstemmede intentioner.

Den første er en Trækning ud af pålagt mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, eller mening, eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om fortælling blidt. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Primatet af Levet Erfaring. Ind i det åbne rum forsøger jeg at sætte, hvad jeg betragter som en “oplevelse af at være”. Værket bliver mindre et objekt der skal tolkes end en stille begivenhed der skal føles – formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og den svage refleksion af betragteren møder deres egne øjne. Som jeg ofte bemærker, “lever det, det ændrer sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som Indkapslet Tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg fastsætter betingelser, men giver afkald på udfaldet, så maleriet bliver, hvad jeg kalder et uafhængigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret først når det er færdigt. Det er et stille parallel til fotografisk udvikling – tålmodig venten på det, der ankommer her og nu.

At holde fast i disse intentioner er nogle få milde paradokser, der opretholder værket:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘sammenfald’”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand – en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en gennemtrængende stilhed.

Nostalgi for Nuet
En blid nostalgi hænger ved i værket, men den er underligt rettet mod nuet: et ønske om de “irreducerbare nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys” – et ønske om ren nærvær som værket selv stille tilbyder.
Effort og Effortlessness
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af sin egen vilje.” Jeg tiltrækkes af det, der føles næsten uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “alderen for det uformelle kun lige er begyndt.” Min praksis skyldes ånden i Art Informel, måske med mindre smerte og mere ro – en uformelhed hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille samaritan.

Kernen i dette er en søgen efter “le vif” – den levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment at tilskynde til intimitet, ikke til spektakel.
I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt stræben. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til robusthed.

Anton Kaestner