Anton Kaestner - #340 - L - " Dust #2 ".

Énkel Piece, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#340 - L - " Dust #2 ".

Sprøjteakryl på plexiglasplade på 3 mm.
Gennemsigtigheder på print.
Dette maleri er ikke en tryk. Det er et originalt værk i "multi-lag", hvor den blanke, glossy overflade, der minder om resin, er unik.

Dimensioner: Inch 21,1 * 17,3 * 0,12 / 53,5 * 44 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitet fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, referencen 34 Natura 514 Eg (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for en yderligere pris af 110€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
En ægthedscertifikat følger med.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, billedhugger og forfatter bosat i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og valg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der til sidst skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og derefter A3-notesbøger – jeg har altid følt, at store billeder møder én direkte, dominerende og skræmmende, mens små værker kan fremkalde meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og mens jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbart.

I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig rundt i verden, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end tog hen, var jeg dybt involveret i lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simrende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig — en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre selv.

Jeg har altid fundet stor tilfredsstillelse i at male. Hvert nye værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at give andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at jeg trak mig tilbage fra min forretningskarriere, helt engagerede jeg mig i maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at vie mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse vandt mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger i hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genbrugt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen — noget jeg velkommer. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” — alt går, for at afkorte fornuften! — at guide udfaldet, lagene og spejlende effekter jeg skaber, og giver plads til åbenbaring og opdagelse, når værket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder træffer tilfældigheden aldrig beslutningerne; i bedste fald stiller den spørgsmål; meningsfulde “tilfældigheder” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der gengiver de afslørings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og befriende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender “irreducerbare nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis vil opdage, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk forestilling” men erfaringen af at være. Hverken “hurtig nydelse” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, mit kunst er en søgen efter “livet i hjertet af livet”, det, som Alain Damasio kalder “le vif” (det livlige). Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Som følge heraf har de hverken indhold, mening eller formål; de er som ting, træer, dyr, mennesker eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, ender eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken af farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en glinsende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny betragter. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Lysets, farvens og teksturens samspil, også manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer for nærheden” - et billed i detalje er et helt nyt billede - og “distance til helheden” opmuntre tilskuere til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg over, hvad der kan opnås. Enkelt sagt finder jeg tilfredsstillelse i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt skabelse er en konfrontation med mine grænser, der driver mig til at finjustere mine færdigheder og udforske mere, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i bevægelse, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Alderen af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forstærker lidenskaben for at kunne se."

Om sammenhængen i min praksis

I landskabet af nutidig kunst, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtræden, men af nærvær. Mine malerier — skinnende farve- og lysfelter inden for plexiglas — er de stille resultater af en lang og bevidst forespørgsel. For mig er det sande fokus mindre afsluttende billed end den stille samspil mellem tanke og proces, der gør det muligt at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre tilknyttede intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra P åtvungen Mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, mening eller sans” håber jeg at løsne forventningen om fortælling blidt. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Primacy of Lived Experience. Ind i dette åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg betragter som en “oplevelse af at være”. Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed, der skal føles — formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af betragteren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, ændrer det sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Processen som Indlejret Tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsens akte. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet, så maleriet bliver til, hvad jeg kalder et uafhængigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret først når det er færdigt. Det er et stille parallel til fotografisk udvikling — en tålmodig venten på, hvad der kommer “her og nu.”

Havende disse intentioner er der nogle milde paradokser, der holder arbejdet i live:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘tilfældigheder’”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældigheden er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stilhed.

Nostalgi for Nuværende Tid
En blød nostalgi hænger ved værket, men den er underligt rettet mod nuet: et længsel efter de “irreducerbare nødvendigheder”, fundet i “stilhed og lys” — et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.
S tr effort og Lethed
Processen kræver stabil opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af sin egen drift.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundværligt.
I denne ånd er jeg begyndt at føle, at “alderen for det uformelle kun lige er begyndt.” Min praksis låner ånden fra Art Informel, måske med mindre angst og mere ro — en uformelhed, hvor tilfældighed ikke er en rupture, men en stille samarbejdspartner.

I kernen er der en søgen efter “le vif” — det levende kjerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse snarere end intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spectacle.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til robusthed.

Anton Kaestner