Anton Kaestner - #188 - S - " Backwash 1 ".

Unik skulptur, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#188 - S - "Backwash 1".

Sprayakryl på plexiglasplade på 3 mm.
Dette maleri er ikke en tryk. Det er et originalt værk "multi-lag" hvis blanke, glossy finish, som minder om resin-applikation, er unik.

Dimensioner: 9,1 x 12,6 x 0,12 tommer / 23 x 32 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 Natura Hvid eller Mat Sølv (0,23 x 1,38 x 0,6 x 3,5 cm tommer) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for et tillægsbeløb på 70€ inkl. moms.

Værket er underskrevet på bagsiden.
Et Ægtheds-certifikat følger.
Levering er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, billedhugger og forfatter bosat i Paris. Hans værker udstilles overalt i Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og valg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Skabelse blev værdsat i min familie, og det var min afdøde bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøene til, hvad der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i notesbøger i A4 og derefter A3 – jeg har altid følt, at store billeder møder dig direkte, dominerende og intimiderende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af nicht-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Over tid, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for spirituelle materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Imidlertid var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbar.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, over Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Overalt, hvor jeg begav mig, kastede jeg mig ud i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokuset på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. Næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig — en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet enorm tilfredshed i at male. Hvert nye værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem autentiske oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, besluttede jeg fuldt ud at kaste mig ud i maleriet. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at vie mig fuldt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og, til min overraskelse, fik mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Holland.

Mod slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i et ledigt sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genbrugte extruderede plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen — noget jeg velkommer. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkorte fornuftens vej! - at guide udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og giver plads til åbenbaring og opdagelse når stykket endelig udstilles. Men lad os være tydelige: i mine billeder tager tilfældet aldrig beslutningerne; højest stiller tilfældet spørgsmålene; meningsfulde “tilfældigheder” er kun mulige med en stor portion disciplin. Denne tilgang, der ekkoer med fotografiets afslørings-/fikseringsproces, er udfordrende og frigørende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender “irreducible nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis vil opdage, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelser” eller “ teoretisk forestilling”, men oplevelsen af at være. Hverken “hurtig konsum” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søgen efter “livet i livets inderste”, det, som Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter i sig selv. Følgelig har de hverken indhold, mening eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, ingen ende eller formål. Selvom mit arbejde undertiden kan fremkalde gennemsigtigheden og luminositeten af farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en glitrende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet af lys, farve og tekstur, også manglen på dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer for nær” - et delt billede er et helt nyt billede - og “afstand til helheden” opmuntre seerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og vil forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nye skabende øjeblik er en konfrontation med mine grænser, der presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske, hvad jeg yderligere kan opnå. Maleri for mig er en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter en maling så perfekt at den ikke har brug for os. Alderen af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis multiplicerer lidenskaben for at se.

Om sammenhængen i min praksis

I nutidens kunstlandskab, hvor koncept og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende placering, men ved tilstedeværelse. Mine malerier—skinnende farve- og lysfelter inden for plexiglas—er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil mellem tanke og proces, der giver det fremtræde.

Denne praksis hviler på tre tilstemmende intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Påtvunget Mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og at have “hverken indhold, eller mening, eller sans,” håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra at afkode og mod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Primat af Levet Erfaring. Ind i det åbne rum prøver jeg at lægge det, jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt til fortolkning end en stille begivenhed at føle — formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, ændrer det sig, det ser.”

Det tredje er hvor idé møder hånd: Proces som Indlejret Tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet, hvilket gør maleriet til det, jeg kalder et uafhængigt “objekt i sig selv,” fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling — en tålmodig venten på, hvad der kommer “her og nu.”

At holde disse intentioner er nogle få blide paradokser, der opretholder arbejdet:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘tilfældigheder’,” men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældigheden er en velkommen gæst, men strukturen bygges med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalgi for Nuet
En blød nostalgi hænger ved arbejdet, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: en længsel efter de “irreducible nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys” — et ønske om en ren tilstedeværelse, som arbejdet selv roligt tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver rolig opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af egen drift.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd føler jeg, at “tiden for det uformelle kun netop er begyndt.” Min praksis er i gæld til ånden af Art Informel, omend måske med mindre smerte og mere ro—a formel uformalitet hvor tilfældighed ikke er et gennembrud, men en stille samarbejdspartner.

I hjertet er der en søgen efter “le vif” — det levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse frem for intellektualisering. Den beskedne skala jeg ofte vælger er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners sti. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt stræben. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner