Anton Kaestner - #197 - S - " Backwash 2 ".

Éneste stykke, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#197 - S - " Backwash 2 ".
Et sødt lille maleri, der tilbragte sidste år i Australien.

Sprøjte-akryl malet på 3 mm plexiglasplade.
Dette maleri er ikke et print. Det er et originalt arbejde "multi-lags" hvis blanke, glossy overflade, der ligner på brugen af harpiks, og som er unik i sit udtryk.

Dimensioner : 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 Natura hvid eller Mat sølv (0,23" x 1,38" / 0,6" x 3,5 cm) anbefales og er tilgængelig ved forsendelsen mod en yderligere pris på 70 € inkl. moms.

Værket er underskrevet bagpå.
Et Ægthedscertifikat følger med.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter bosat i Paris. Hans værker vises over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og valg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af min hjemlands naturlige skønhed og kulturelle rigdom. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterede med utallige akryler i A4- og derefter A3-notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder møder én direkte, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativt maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for spirituelle materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbar.
I mere end tre årtier syntes jeg i en international forretningskarriere, der førte mig rundt i verden, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end drog hen, nedsænkede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille summende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig—a måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre selvet.

Jeg har altid fundet stor tilfredsstillelse ved at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan afprøve min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at give mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse vandt mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, særligt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos," afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genbrugte ekstruderede plexiglasskiver (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange sårbar overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg velkomner. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” -alt går for at afbryde fornuften! - at styre resultatet, lagene og spejl-effekterne, jeg skaber, og giver plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være tydelige: i mine billeder træffer tilfældet aldrig beslutningerne; i værste fald stiller tilfældet spørgsmålene; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der ekkoer med afslørings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og befriende. Kommpositionens værdier bliver beriget af lag og gennemsigtighed, samtidig med at hvert værk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender “irreducerbare nødvendigheder”, dvs. det, vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkelt. Hverken “følelse” eller “teoretisk forestilling” men erfaringen af at være. Hverken “hurtig forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidsthed og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, mit kunstværk er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, efter hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, mening eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som også hverken har grund til at være, ende eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken af farvet glas, forbliver det næsten fuldstændigt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skinnende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny beskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, af de manglende dele også, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer tæt på” - et detalje af et billede er en helt ny tegning - og “afstand til helheden” opmuntre beskuerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg påstår ikke at have alle svarene og vil forblive ydmyg overfor, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt skabende øjeblik er en konfrontation med mine grænser, der skubber mig til at forfine mine færdigheder og udforske mere, hvad jeg kan opnå. at male er for mig en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte gang i meningsfulde samtaler, en søgen efter en maling så perfekt at den ikke behøver os. Alderdommen af det uformelle er først lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis multiplicerer lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I det moderne kunstlandskab, hvor begreb og form er lige vigtige, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende position, men af tilstedeværelse. Mine malerier—glinsende farve- og lysfelter i plexiglas—er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end den rolige samspil af tanke og proces, der gør det muligt at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre sammenhængende intentioner.

Den første er en Tilbageholdenhed fra påtvungen mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og at have “hverken indhold, eller mening, eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra at tyde og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Fortrinsret af Levet Erfaring. Ind i dette åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg tænker på som en “oplevelse af at være”. Værket bliver mindre et objekt at fortolke end en stille begivenhed at føle—formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, ændrer det sig, det ser.”

Det tredje er hvor ide møder hånd: Processen som indkapslet tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i handlings øjeblikket. Jeg sætter betingelser, men overgiver resultatet og lader maleriet blive til det, jeg kalder et selvstændigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling—tålmodig venten på det, der ankommer “her og nu.”

At holde disse intentioner står i form af nogle milde paradokser, der opretholder værket:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘sammenfald’,” men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældigheden er en velkommen gæst, men strukturen er skabt med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand—a tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stilhed.

Nostalgi for nutiden
En blid nostalgi hænger ved værket, men den er underligt rettet mod nuet: et længsel efter “irreducerbare nødvendigheder” fundet i “stilhed og lys”—en ønsket om ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og uden anstrengelse
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det "opstod af sin egen vilje." Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd føler jeg, at “aldersinformel netop er begyndt.” Min praksis er i gæld til ånden i Art Informel, måske med mindre smerte og mere ro—en uformelhed hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille samarbejdspartner.

I hjertet af det ligger en søgen efter “le vif”—det levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse snarere end intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt stræben. Jeg har fundet ud af, at en praksis baseret på stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, jeg tror, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner