Anton Kaestner - #88 - XL - " Squander ".

Én af slagsen, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra værkstedet.
#88 - XL - "Squander".

Acryldamp på Perpex-plade af 3 mm.
Dette maleri er ikke en oplagstrykning. Det er et originalt værk i "multi-lag" hvis blanke, glossy overflade ligner anvendelsen af et resin og er unik.

Dimensioner: 24,2 x 34,3 x 0,12 tommer / 61,5 x 87 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 Natura 514 Eg (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelsen for en yderligere pris af 150 € inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et ægthedscertifikat følger.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en maler, skulptør og forfatter fra Schweiz med base i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslang passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige acrylmalerier i A4- og derefter A3-notesbøger – jeg har altid følt, at store malerier kommer direkte imod én, dominerende og intimiderende, mens små værker kan give meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en kærlighed til åndeligt materiale, da det resonnerede med min udforskning af menneskets eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke umiddelbar.
I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig verden over, fra USA til Marokko, Belgien, Asia og Frankrig. Mine rejser udvidede min horisont og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor end jeg drog, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre.

Jeg har altid fundet stor tilfredsstillelse ved at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan afprøve min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede min studie i Paris og begyndte at hellige mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Holland.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig kaver der i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, udstillede en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle malerteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genbrugt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og sommetider skrøbelig overflade. Denne proces hindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen — noget jeg velkommer. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkorte fornuften! - at vejlede resultatet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse når stykket endelig udstilles. Men lad os være tydelige: i mine billeder træffer tilfældet ikke beslutningerne; i det mest, spørger tilfældet spørgsmålene; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med en stor disciplin. Denne tilgang, der hænger sammen med fotografiets åbenbaring/fastfrysningsproces, er udfordrende og frigørende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er tilfreds, når jeg genkender “uundgåelige nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelser” eller “teoretisk forståelse” men erfaringen af at være. Hverken “hurtig forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udbredelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, mit kunstværk er en søgen efter “livet i hjertet af livet”, det Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter i sig selv. Følgelig har de hverken indhold, mening eller fornuft; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, slut eller formål. Mens mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og luminescensen af farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skimrende overflade, hvor man kan få øje på sin egen silhuet, forskellig for hver ny betragter. Hvert værk opfører sig som et discret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Legen mellem lys, farve og tekstur, mellem de manglende dele, kræver også empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer for nær” - et billede er et helt nyt billede - og “afstand for helheden” opmuntre beskuerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg påstår ikke, at jeg har alle svarene og vil forblive ydmyg overfor, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den fortsatte proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt skabende er en konfrontation med mine grænser, hvilket presser mig til at forfine mine færdigheder og udforske yderligere, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at fremkalde meningsfulde samtaler, en søgen efter et farvem, så perfekt, at det ikke behøver os. Alderens informal er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I det aktuelle kunstlandskab, hvor begreb og form har lige stor vægt, søger jeg at skabe værker, der defineres ikke af fremtrædendehed, men af nærvær. Mine malerier — skimrende farver og lysfelter inden for plexiglas — er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end den stille samspil mellem tanke og proces, der gør det muligt at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre sammenhængende intentioner.

Den første er en Træk tilbage fra pålagt betydning. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, mening eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra afkodningen og mod en mere direkte måde at se.

Dette fører til den anden intention: Lærdommen i erfaret liv. Ind i dette åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg tænker på som en “oplevelse af at være”. Værket bliver mindre et objekt til fortolkning end en stille begivenhed til at føle — formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage spejling af beskueren møder deres eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever stykket, det ændrer sig, det ser.”

Den tredje er, hvor idé møder hånd: Processen som indlemmet tanke. At male på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet og lader maleriet blive det, jeg kalder et uafhængigt “objekt i sig selv”, fuldt afsløret først når det er færdigt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling — en tålmodig venten på det, der kommer her og nu.

At opretholde disse intentioner er der nogle blide paradokser, der understøtter værket:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘sammenfald’”, men de er kun mulige inden for omhyggelige grænser. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at kunne “formidle noget” gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en sanselig stilhed.

Nostalgia for andres nutid
En blød nostalgi hænger ved i værket, men den er underligt rettet mod nuet: et længsel efter de “uundværlige nødvendigheder”, fundet i“ stilhed og lys” — et ønske om ren tilstedeværelse som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og anstrengelsesløshed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter efter et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af sin egen kraft.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “informalens tidsalder kun lige er begyndt.” Min praksis er båret af ånden i Art Informel, om end måske med mindre smerte og mere ro — en informalitet hvor tilfældighed ikke er en brud, men en stille medarbejder.

I kernen er der en søgen efter “le vif” — det levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis rodfæstet i stille paradokser ikke behøver være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan disse spændinger blive, tror jeg, en kilde til robusthed.

Anton Kaestner