Anton Kaestner - #364 - S - " Chromatic MR#5 ".

Unik genstand, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#364 - S - " Chromatic MR#5 ".

Spray-akryl på plexiglasplade på 3 mm.
Denne tavle er ikke en tryk. Det er et originalt værk i "multi-lag", hvisblanke, glossy finish, der minder om påføringen af en harpiks, og som er helt unik.

Dimensioner: Inch 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitet fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse mod et tillæg på 70€ inkl. moms.

Værket er signeret på bagsiden.
Et certifikat for ægthed følger med.
Forsendelsen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en maler, skulptør og forfatter, Schweizisk født, baseret i Paris. Hans værker er udstillet over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Mere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min senere bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslange lidenskab.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akrylfarver i A4- og derefter A3-notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod dig, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Efterhånden, og selvom jeg betragter mig som ateist, udviklede jeg også en kærlighed til åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke umiddelbar.
I over tre årtier forfulgte jeg en international erhvervskarriere, der tog mig verden over, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede min horisont og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end rejste, fordybede jeg mig i de lokale kunstmiljøer og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min erhvervs-karriere var kunst altid en del af mig og kogte stille under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig - en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre selv.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse i at male. Hvert nye værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem autentiske oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at give andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min erhvervs-karriere, fuldt ud engageret i maleri. Jeg etablerede mit atelier i Paris og begyndte at hellige mig fuldt og helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse vandt mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Holland.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i et ledigt sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, fremviste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprøjter på bagsiden af genbrugt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, glossy og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, som det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen - noget jeg velkomner. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afbryde fornuften! - at guide udfaldet, lagene og spejl-effekterne, jeg skaber, og giver plads til åbenbaring og opdagelse, når værket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder tager tilfældet aldrig beslutningerne; højest viser tilfældet spørgsmålene; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der ekkoer med åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og befriende. Værdi i kompositionen beriges af lag og gennemsigtighed, samtidig med at hvert værk får en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender “uundværlige nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis vil opdage, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk forestilling” men oplevelsen af at være. Hverken “hurtig forbrug” eller “intellektuialisering/intellektuel ejerskab”, men udvidelse af bevidsthed og udforskning af virkelighedens synlige og usynlige historier, mit kunst er en søgen efter “livet i livets inderste”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden genstand. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, mening eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som også ikke har nogen grund til at være, ingen ende og intet formål. Mens mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtighed og lysende farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skinnende skal, hvor man kan få øje på sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farver og tekstur, samt de manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer tæt på” - et billede er et helt nyt billede - og “afstand for helheden” opmuntre beskuerne til at begynde deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg over, hvad der kan opnås. Simpelt sagt finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der driver mig til at finpudse mine færdigheder og udforske mere, hvad jeg kan opnå. At male for mig er en daglig håndværk, en udforskning, en måde at stimulere meningsfulde samtaler, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke behøver os. Alderens informalitet er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I landskabet af nutidig kunst, hvor konception og form har ligestillet vægt, søger jeg at skabe værker defineret ikke af fremtræden, men af tilstedeværelse. Mine malerier — skimrende farve- og lysfelter inden for plexiglas — er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det egentlige fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil mellem tænkning og proces, der giver det mulighed for at opstå.

Denne praksis hviler på tre sammenhængende intentioner.

Den første er en Tilbagekaldelse fra påtvunget mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og med “hverken indhold, eller mening, eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om narrativet. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Fremtrædende erfaring som udgangspunkt. Ind i det åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed, der skal føles — formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, lever stykket: “lever, ændrer sig, ser.”

Den tredje er, hvor idé møder hånd: Proces som indkapslet tanke. At male på bagsiden af plexiglas, uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst udgivelse af kontrol i selve skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men overgiver resultatet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder en uafhængig “genstand i sig selv”, fuldt afsløret først når fuldført. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling — et tålmodigt ventende øjeblik på, hvad der kommer “her og nu.”

At holde disse intentioner kræver nogle milde paradokser, der opretholder værket:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘sammenfald’”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældet er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omtanke.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at “formidle noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stilhed.

Nostalgi for Nutiden
En blød nostalgi hænger ved værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: en længsel efter de “uundværlige nødvendigheder”, der findes i “stilhed og lys” — et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter efter et resultat, der føles selvstændigt, som om det
"opstod af egen vilje". Jeg tiltrækkes af det, der føles fuldstændig uundgåeligt.
I denne ånd føler jeg, at “alderen for det uformelle kun lige er begyndt.” Min praksis er taknemmelig over for ånden i Art Informel, måske med mindre smerte og mere ro — en uformelhed, hvor tilfældighed ikke er en brud, men en stille medarbejder.

I sit hjerte er der en søgen efter “le vif” — det levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse snarere end intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spectacle.
Til sidst er dette blot en kunstners sti. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis, der hviler i stille paradokser, ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner