Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Unik stykke, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Sprøjtemaling på plexiglasplade på 3 mm.
Dette maleri er ikke et print. Det er et originalt værk i "multi-lag", hvis blanke, glossy udtryk minder om påføringen af en epoxy og er unikt.

Dimensioner: Inch 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitetsmærket tysk Nielsen i aluminium, reference 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved forsendelsen mod en tillægssum på 70€ inkl. moms.

Værket er signeret bagpå.
En ægthedscertifikat følger med.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en maler, skulptør og forfatter fra Schweiz med base i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og valg findes på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, som senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akrylfarver i notesbøger i A4 og derefter A3 - jeg har altid følt, at store billeder møder en direkte, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Over tid, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Men vejen til virkelig at blive kunstner var ikke umiddelbar.
I over tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, over Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end tog hen, fordømte jeg mig selv til at fordype mig i de lokale kunstmiljøer og engagere mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere har kunst altid været en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig — en måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altidhaft stor tilfredsstillelse i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at give andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at ofre mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse blev mit arbejde hurtigt anerkendt og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

Ved udgangen af 2025 flyttede jeg til et større studie i et ledigt sacristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første ensomudstilling, "Échos", holdt i Paris i slutningen af 2024, viste en karakteristisk tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genbrugt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen — noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkorte ræsonens fornuft! - at guide udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig stilles ud. Men lad os være tydelige: i mine billeder tager tilfældet aldrig beslutningerne; i højst betegner tilfældigheden spørgsmålene; meningsfulde "samtidigheder" er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der rimer med åbenbarings-/fikseringsprocessen inden for fotografi, er udfordrende og frigørende. Kompositionens værdier beriges af lag og gennemsigtigheder, samtidig med at hvert værk får en „asketisk“ kvalitet: Jeg er lykkelig, når jeg genkender »irreduktible nødvendigheder«, dvs. hvad vi sandsynligvis vil opdage, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken "følelse" eller "teoretisk forestilling" men oplevelse af at være. Hverken "hurtigt forbrug" eller "intellektualisering / intellektuel besiddelse", men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkelighedens synlige og usynlige fortællinger, min kunst er en søgen efter "nyt liv ved livets hjerte", det, som Alain Damasio kalder "le vif". Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter i sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller mening, eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, nogen ende eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og luminositeten af glasmaling, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skimrende overflade, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny beskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, samt de manglende dele, kræver også empati. Forhåbentlig vil spillet mellem "detaljer for nærstudiet" - et detaljer af et billede er et helt nyt billede - og "afstand til helheden" opmuntre beskuerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og vil forblive ydmyg over, hvad der kan opnås. Enkelt, jeg finder tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nye værk er en konfrontation med mine grænser, der tvinger mig til at forfine mine færdigheder og udforske endnu mere, hvad jeg kan opnå. Maling for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter et maleri så perfekt, at det ikke har brug for os. Den æra af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis multiplicerer lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I samtidskunstens landskab, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende position, men af nærvær. Mine malerier — skimrende farve- og lysfelter inden for plexiglas — er de tavse resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på den stille samspil mellem tanke og proces, der tillader, at det opstår.

Denne praksis hviler på tre sammenhængende intentioner.

Den første er en tilbagetrækning fra påtvunget mening. Ved at beskrive værkerne som „uden objekt“ og have „hverken indhold, eller mening, eller sans“, håber jeg at løsne forventningen om fortælling. Det er en invitation til at forlade afkodning og gå mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: overlegenhed af oplevet erfaring. Ind i det åbne rum forsøger jeg at placere det, jeg betragter som en „oplevelse af at være“. Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed, der skal mærkes — formet af skiftende lys, gennemsigtige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sin egen blik. Som jeg ofte bemærker, ”værket lever, det ændrer sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Processen som indkapslet tanke. At male på bagsiden af plexiglas, at arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i selve skabelsesprocessen. Jeg sætter betingelser, men overgiver resultatet, hvilket tillader maleriet at blive det, jeg kalder et selvstændigt ”objekt i sig selv”, fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling — en tålmodig venten på, hvad der kommer ”her og nu.”

At holde disse intentioner er der nogle blide paradokser, der opretholder værket:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om meningsfulde ”samtidigheder”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er skabt med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at „kommunikere noget“ gennem værker, som jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalgi for nutiden
En blød nostalgi varer ved i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: en længsel efter de „irreducerbare nødvendigheder“, der findes i „ stilhed og lys “ — et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv subtilt tilbyder.

Anstrengelse og lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det ”opstod af egen vilje.” Jeg tiltrækkes af det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at „den uformelle tidsalder kun lige er begyndt.“ Min praksis skylder ånden i Art Informel, omend måske med mindre smerte og mere ro — en uformalisme, hvor tilfældigheden ikke er et brud, men en stille samarbejdspartner.

I hjertet ligger et søgen efter "le vif" — den levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse snarere end intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment til at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt stræben. Jeg har erfaret, at en praksis baseret på stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger, tror jeg, blive en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner