Anton Kaestner - #366 - S - " Chromatic MR#7 ".

Unikværk, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#366 - S - " Chromatic MR#7 ".

SPray-akryl på plexiglasplade på 3 mm.
Dette maleri er ikke et tryk. Det er et originalt værk i "multi-lag" hvis blanke, glossy udtryk minder om en epoxy-belægning og er helt unikt.

Dimensioner: Tommer 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for en merudgift på 70€inkl. moms.

Værket er signeret bagpå.
Et certificeret ægthedsbevis følger med.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter bosat i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Mere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, voksede jeg op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse tog frø, der senere skulle blive til min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og senere A3-notesbøger - jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod én, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først fascineret af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med årene, og selvom jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de resonerede med min udforskning af menneskets eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Imidlertid var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbar.
I over tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der bragte mig rundt om i verden, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturel indflydelse. Hver gang jeg rejste, dykkede jeg ned i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere har kunst altid været en del af mig og koger stille under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at flygte fra verden og fokusere på mit indre.

Jeg har altid fundet enorm tilfredsstillelse i at male. Hvert nye værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte erfaringer. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, blev jeg fuldt engageret i malerkunsten. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at hellige mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstnerkarriere, og til min overraskelse fik mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Holland.

Ved udgangen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, præsenterede en særpræget tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprayer på bagsiden af genbrugte ekstruderede plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen – noget, jeg byder velkomment. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” – alt går for at afkorte fornuftens rammer! – at lede udfaldet, lagene & spejleffekterne, jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være klare: i mine billeder går tilfældet aldrig beslutningerne; i værste fald stiller tilfældigheden spørgsmålene; meningsfulde “udfoldelser” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der ekkoer åbenbarings-/fastsættelsesprocessen i fotografiet, er udfordrende og befriende. Værkets kompositionsværdier beriges af lag og gennemsigtigheder, samtidig med at hvert arbejde får en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender “irreducerbare nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst simpel. Ikke “følelse” eller “teoretisk opfattelse”, men erfaringen af at være. Ikke “hurtigt forbrug” eller “intellektualisering/intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier, mit kunst værker er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, for hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Som alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, mening eller betydning; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har noget nødvendigt væsen, sluttid eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan vække gennemsigtigheden og luminositeten af farvet glas, forbliver det næsten fuldstændig abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skinnende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny betragter. Hvert værk virker som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur samt de manglende dele kræver også empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer tæt på” – et detaljeret element i et billede er et helt nyt billede – og “afstand til helheden” opmuntre seerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg påstår ikke, at jeg har alle svar, og jeg ønsker at forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Enkelt sagt finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige spørgsmål og vækst. Hvert nyt skabende øjeblik er en konfrontation med mine grænser, der får mig til at forfine mine færdigheder og udforske, hvad jeg kan opnå. For mig er maleri en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang på, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Alderens informalitet er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se."

Om sammenhængen i min praksis

I samtidskunstens landskab, hvor begreb og form har lige stor vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædende position, men af tilstedeværelse. Mine malerier — skinnende farvefelter og lys inden for plexiglas — er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil af tanke og proces, som får det til at opstå.

Denne praksis hviler på tre samstemmende intentioner.

Den første er en Tilbageholdenhed fra påtvungen mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og at have “hverken indhold, mening eller betydning” håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra kodning og imod en mere direkte form for at se.

Dette fører til den anden intention: Primatet af oplevet erfaring. Ind i dette åbne rum forsøger jeg at begynde at place, hvad jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt til fortolkning og mere en stille begivenhed at føle — formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og den svage refleksion af betragteren, der møder sin egen blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, ændrer det sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som indlejret tanke. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesakten. Jeg sætter betingelser, men giver slip på udfaldet og lader maleriet blive det, jeg kalder et uafhængigt “objekt af sig selv”, fuldt afsløret kun når det er færdigt. Det er en stilfærdig parallel til fotografisk udvikling – en tålmodig venten på det, der ankommer “her og nu.”

At holde disse intentioner giver nogle få blide paradokser, der opretholder værket:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde ‘tilfældigheder’”, men de er kun mulige inden for omhyggelige grænser. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden besked
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stillhed.

Nostalgi for Nuet
En blød nostalgi hænger ved værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: en længsel efter de “irreducerbare nødvendigheder”, man finder i “stilhed og lys” — et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af egen drift.” Jeg tiltrækkes af det, der føles fuldstændig uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “tiden for det uformelle kun netop er begyndt.” Min praksis er forpligtet til ånden af Art Informel, dog måske med mindre smerte og mere ro — en uformelhed hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille medarbejder.

I hjertet af det ligger en søgen efter “le vif” — den levende kerne. Værket læner sig mod direkte erfaring frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment at opmuntre intimitet, ikke spectacle.

I sidste ende er dette blot en kunstneres sti. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt søgen. Jeg har erfaret, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, mener jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner