Anton Kaestner - #332/2 - S - " Enough 2 ".

Unik genstand, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#332 - S - " Enough 2 ".

Acrylspray på plexiglasplade af 3 mm.
Dette maleri er ikke et tryk. Det er et originalt værk i flere lag, hvis blanke, glossy overflade minder om påførelsen af en resin og er unik i sit udtryk.

Dimensioner: Inch 8,7 * 12,6 * 0,12 / 22 * 32 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Kvalitetsramme fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse mod en ekstra pris på 70€ inkl. moms.

Værket er signeret bagpå.
En ægthedsudskrift følger.
Forsendelsen er dækket af forsikring.

Anton Kaestner er en schweizisk maler, skulptør og forfatter baseret i Paris. Hans værker udstilles over hele Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere information og udvalg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, er jeg vokset op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min sene bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige acrylfar i A4- og derefter A3-notesbøger; jeg har altid følt, at store billeder kommer direkte imod en, dominerende og intimiderende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev første gang tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og mens jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en Forkærlighed for åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbar.
I over tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig verden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, over Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end gik, fordybede jeg mig i den lokale kunstscene og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig—a måde at bryde ud af verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet stor tilfredshed i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at give andre en ærlig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, engagerede jeg mig fuldt ud i malerkunsten. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at vie mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse vandt mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

Ved udgangen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Mit første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og sprays på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, som det udvikler sig. Jeg har ikke visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” — alt går for at afbryde fornuften! — at guide udfaldet, lagene og spejlvirkningerne jeg skaber, og give plads til åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være tydelige: i mine billeder træffer tilfældet aldrig beslutningerne; i værste fald stiller tilfældigheden spørgsmålene; meningsfulde “tilfældigheder” er kun mulige med en stor disciplin. Denne tilgang, der klinger med åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografiet, er udfordrende og befriende. Kompositionens værdier beriges af lag og gennemsigtighed og giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er glad, når jeg genkender “ irreducible necessities”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk forestilling” men oplevelsen af at være. Hverken “hurtigt forbrug” eller “intellektualisering / intellektuel besiddelse”, men udbredelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden og dens synlige og usynlige historier, min kunst er en søgen efter “ livet i selve hjertet af livet ”, efter hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden genstand. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller betydning, eller sans; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, ingen ende eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og lysstyrken i farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skinnende hud, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, de manglende dele også, kræver kun empati. Jeg håber, at spillet mellem “detaljer tæt på” - et billede er et helt nyt billede - og “afstand til helheden” vil opmuntre seerne til at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og vil forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Simpelthen finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nye værk er en konfrontation med mine grænser, der skubber mig til at forfine mine færdigheder og udforske, hvad jeg kan opnå. Maleri for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte gang i meningsfulde samtaler, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har noget behov for os. Alderens informalitet er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis multiplicerer lidenskaben for at se.

Om sammenhængen i min praksis

I landskabet af nutidig kunst, hvor koncept og form har lige vægt, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædendehed, men af nærvær. Mine malerier—skinnende farvefelter og lys inden for plexiglas—er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil af tanke og proces, der gør det muligt at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre sammenstillede intentioner.

Den første er en Tilbagetrækning fra Pålagt Betydning. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, eller betydning, eller sans”, håber jeg at løsne forventningen om fortælling blidt. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Det Primære i Levet Erfaring. Ind i det åbne rum forsøger jeg at lægge det, jeg tænker på som en “erfaring af væren.” Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed at føle—formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og det svage gensyn af beskueren, der møder sit eget blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, ændrer det sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som Legemliggjort Tanke. At male på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i udøvelsen af skabelse. Jeg sætter betingelser, men overgiver udfaldet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder en uafhængig “genstand i sig selv,” fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er en stilleParallel til fotografisk udvikling—a patient venten for det, der kommer “her og nu.”

At holde disse intentioner er nogle få milde paradokser, der bærer arbejdet:

Tilfældighed og Disciplin
Jeg taler om meningsfulde “sammenfald”, men de er kun mulige inden for sikre rammer. Tilfældighed er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation Uden Budskab
Jeg håber at “formidle noget” gennem værker, jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand—a tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig stilhed.

Nostalgi for Nutiden
En blød nostalgi hænger ved i værket, men den er kendetegnet ved nuet: et længsel efter de “urtegnede nødvendigheder”, der findes i “stilhed og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv diskret tilbyder.
Indsats og Lethed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af egen drift.” Jeg drages mod det, der føles helt uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “tiden for det uformelle kun lige er begyndt.” Min praksis står i taknemmelighed til ånden bag Art Informel, måske med mindre smerte og mere ro—en informalisme, hvor tilfældighed ikke er et brud, men en rolig medarbejder.

I sin kerne er det en søgen efter “le vif”—den levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse snarere end intellektualisering. Den beskedne størrelse, jeg ofte vælger, er ment til at tilskynde til intimitet, ikke til spectacle.
Til sidst er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en samlet stræben. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandskraft.

Anton Kaestner