Anton Kaestner - #332/1 - S - " Enough 1 ".

Unik genstand, original maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#332 - S - " Enough 1 ".

Hvidt akryl i spray på plexiglassplade af 3 mm.
Dette maleri er ikke et tryk. Det er et originalt værk "multi-lag" hvis blanke, glossy overflade, der minder om påføringen af en epoxy og er unik.

Dimensioner: 8,7 x 12,6 x 0,12 tommer / 22 x 32 x 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitet fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 (8,9 x 1,38 cm / 0,6 x 3,5 cm), anbefalet og tilgængelig ved afsendelse mod en tillægspris på 70€ inkl. moms.

Værket er signeret bagpå.
Et certifikat om ægthed ledsager det.
Leveringen er dækket af en forsikring.

Anton Kaestner er en maler, skulptør og forfatter fra Schweiz med base i Paris. Hans værker udstilles overalt i Europa, i Schweiz og i Dubai. Flere oplysninger og valgmuligheder på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, er jeg opvokset omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde bedstefar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akryler i A4- og derefter A3-notesbøger – jeg har altid følt, at store billeder går lige i møde dig, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev første gang tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og selvom jeg anser mig selv for ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, da de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbar.

I mere end tre årtier forfulgte jeg en international forretningskarriere, der tog mig jorden rundt, fra USA til Marokko, Belgien, gennem Asia og Frankrig. Mine rejser udvidede mit syn, eksponerende mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvorend jeg tog hen, fordybede jeg mig i de lokale kunstscener og engagerede mig i den kreative energi i hver by.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simrende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig — en måde at bryde fri af verden og fokusere på mit indre jeg.

Jeg har altid fundet stor tilfredsstillelse i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og leve gennem ægte erfaringer. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit studio i Paris og begyndte at vie mig helt til min kunst. ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og/til min overraskelse opnåede mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i private samlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

I slutningen af 2025 flyttede jeg til et større studie i en ledig sakristi i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min første soloudstilling, "Échos," afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en udtalt tilgang til kunst, væk fra traditionelle maleteknikker: Jeg maler med akryl, metalliske pigmenter og spray på bagsiden af genanvendt udstødt plexiglas (Perpex), en let, glat, blank og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, som det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen—noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkorte fornuftens veje! - at styre udfaldet, lagene og spejleffekterne jeg skaber, og give rum for åbenbaring og opdagelse, når stykket endelig udstilles. Men lad os være tydelige: i mine billeder træffer tilfældigheden aldrig beslutningerne; højest muligt rækker tilfældigheden ind som spørgsmål; meningsfulde “sammenfald” er kun mulige med stor disciplin. Denne tilgang, der harmonerer med åbenbarings-/fikseringsprocessen i fotografi, er udfordrende og frigørende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder, men giver hvert værk en “asketisk” kvalitet: Jeg er tilfreds, når jeg genkender “uundværlige nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken “følelse” eller “teoretisk forestilling”, men oplevelsen af at være. Hverken “hurtigt forbrug” eller “intellektualisering/intellektuel besiddelse”, men udbredelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier; min kunst er en søgen efter “livet i selve hjertet af livet”, efter hvad Alain Damasio kalder “le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller mening, eller fornuft; de er som ting, træer, dyr, mænd, eller dage, som heller ikke har en begrundelse for at være, end ikke nogen ende eller formål. Mens mit arbejde nogle gange kan vække gennemsigtigheden og lysstyrken i farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Desuden giver plexiglas maleriet en skimrende overflade, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det forandrer sig, det ser. Samspillet mellem lys, farve og tekstur, også af de manglende dele, kræver kun empati. Forhåbentlig vil spillet mellem “detaljer for nær- betragtning” - et detalje af et billede er et helt nyt billede - og “afstand for helheden” opmuntre tilskuere til at begynde deres egne indre rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og ønsker at forblive ydmyg over, hvad der kan opnås. Enkelt sagt finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der driver mig til at forfine mine færdigheder og udforske yderligere, hvad jeg kan opnå. at male for mig er et dagligt håndværk, en udforskning, en måde at sætte meningsfulde samtaler i gang, en søgen efter en maling så perfekt, at den ikke har brug for os. Alderen af det uformelle er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: "Den daglige praksis forøger lidenskaben for at se.

Om sammenhængen i min praksis

I samtidskunstens landskab, hvor begreb og form har lige vægt, søger jeg at skabe arbejde, der defineres ikke af fremtrædende position, men af tilstedeværelse. Mine malerier — skimrende farvefelter og lys inden for plexiglass — er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er den egentlige fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil af tanke og proces, der tillader det at fremstå.

Denne praksis hviler på tre sammenkoblede intentioner.

Den første er et Tilbageholdelse fra pålagt mening. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, eller mening, eller sans” håber jeg at løsne forventningen om en narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra dekodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den anden intention: Primacy of Lived Experience. Ind i det åbne rum forsøger jeg at placere, hvad jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt, der skal fortolkes, end en stille begivenhed, der skal føles — formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og den svage refleksion af beskueren, der møder sin egen blik. Som jeg ofte bemærker, “lever det, det ændrer sig, det ser.”

Den tredje er hvor idé møder hånd: Proces som indlejret tænkning. Maleri på bagsiden af plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsen. Jeg sætter betingelser, men giver afkald på resultatet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder et uafhængigt “objekt af sig selv,” fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er en stille parallel til fotografisk udvikling — en tålmodig venten på, hvad der ankommer “her og nu.”

At holde fast i disse intentioner er nogle få milde paradoxer, der opretholder værket:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om “meningsfulde 'sammenfald'”, men de er kun mulige inden for omhyggelige rammer. Tilfældighed er en ønsket gæst, men strukturen er konstrueret med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at “kommunikere noget” gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske er det, der deles, ikke en erklæring, men en tilstand — en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribelig ro.

Nostalgi for Nuet
En mild nostalgi hænger ved i værket, men den er nysgerrigt rettet mod nuet: en længsel efter de “uundværlige nødvendigheder”, der findes i “stilhed og lys” — et ønske om ren tilstedeværelse, som værket selv stille byder på.

Det kræver og kræver ikke
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter efter et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af sin egen vilje.” Jeg drages af, hvad der føles fuldstændig uundgåeligt.
I denne ånd er jeg kommet til at føle, at “den uformelle æra kun lige er begyndt.” Min praksis er taknemmelig over for ånden i Art Informel, dog måske med mindre angst og mere ro — en uformalisme, hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille samarbejdspartner.

I sin kerne er der en søgen efter “le vif” — den levende kerne. Værket lader sig mere direkte opleves end intellektualiseres. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot en kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en enkelt bestræbelse. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner