Anton Kaestner - #378 - S - " Cities ".

Unik æske, originalt maleri af Anton Kaestner, direkte fra atelieret.
#378 - S - " Cities ".

Akryl- spray på plexiglasplade på 3 mm.
Dette maleri er ikke en print. Det er et originalt værk i"multi-lag" hvis klare, glossy overflade nær anvendelsen af en resin er unik.
Gennemsigtighed på print.

Dimensioner: Tommer 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm uden ramme.

Dette maleri leveres uden ramme.
Ramme af høj kvalitet fra det tyske mærke Nielsen i aluminium, reference 34 (Tommer 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) anbefalet og tilgængelig ved afsendelse for en supplerende pris på 70€ inkl. moms.

Værket er signeret bagpå.
Et certifikat for ægthed følger med.
Leveringen er forsikret.

Anton Kaestner er en maler, skulptør og forfatter fra Schweiz, bosat i Paris. Hans værker udstilles overalt i Europa, i Schweiz og i Dubai. Yderligere oplysninger og valg på www.antonkaestner.com.

Næste udstilling - Lausanne maj 2026.

Biografi

Født i Genève, Schweiz, er jeg vokset op omgivet af den naturlige skønhed og kulturelle rigdom i mit hjemland. Kreativitet blev værdsat i min familie, og det var min afdøde farfar, en håndværker og kunstner, hvis indflydelse plantede frøet til det, der senere skulle blive min livslange passion.
I 1993 begyndte jeg at male privat, eksperimenterende med utallige akrylfarver i notesbøger i A4 og derefter A3 - jeg har altid følt, at store billeder kommer lige imod dig, dominerende og skræmmende, mens små værker kan inspirere meget mere kærlighed. Jeg blev først tiltrukket af ikke-figurativ maleri og abstrakt ekspressionisme.
Med tiden, og mens jeg betragter mig selv som ateist, udviklede jeg også en forkærlighed for åndelige materialer, idet de resonnerede med min udforskning af menneskelig eksistens og naturens og livets dybere sandheder.

Dog var vejen til virkelig at blive kunstner ikke umiddelbar.
I over tre årtier fulgte jeg en international forretningskarriere, der førte mig rundt i verden, fra USA til Marokko, Belgien, over Asien og Frankrig. Mine rejser udvidede mit perspektiv og udsatte mig for en bred vifte af kulturelle påvirkninger. Hvor jeg end rejste, blev jeg en del af det lokale kunstmiljø og engagerede mig i den kreative energi i hvert sted.
På trods af fokus på min forretningskarriere var kunst altid en del af mig, stille simmerende under overfladen. I næsten 30 år blev maleri en form for hemmelig meditation for mig – en måde at bryde fri fra verden og fokusere på mit indre selv.

Jeg har altid fundet stor tilfredshed i at male. Hvert nyt værk er en rejse, hvor jeg kan teste min kreativitet, udforske nye teknikker og opleve ægte oplevelser. Gennem min kunst har jeg altid håbet at tilbyde andre en oprigtig møde med skønhed, en mulighed for at se verden fra et andet perspektiv og reflektere over deres eget liv.

I 2023, efter at have trukket mig tilbage fra min forretningskarriere, forpligtede jeg mig fuldt ud til maleri. Jeg etablerede mit studie i Paris og begyndte at vie mig helt til min kunst. Ved udgangen af 2024 lancerede jeg min offentlige kunstneriske karriere, og til min overraskelse vandt mit arbejde hurtigt anerkendelse og fandt hjem i privatsamlinger over hele Europa, især i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien og Nederlandene.

Ved udgangen af 2025 flyttede jeg til et større studie i et tomt sacristi i Lisieux, Normandiet.

Kunstnerisk CV

Mit første soloudstilling, "Échos", afholdt i Paris i slutningen af 2024, viste en særegen tilgang til kunst, væk fra traditionelle malerteknikker: Jeg maler med akryler, metalliske pigmenter og sprays på bagsiden af genanvendt ekstruderet plexiglas (Perpex), en let, glat, glossy og nogle gange skrøbelig overflade. Denne proces forhindrer mig i at se værket, mens det udvikler sig. Jeg har ingen visuel feedback eller kontrol under processen – noget jeg byder velkommen. Jeg tillader “tilfældige eksperimenter” - alt går for at afkorte fornuften! - at styre udfaldet, lagene og spejleffekter jeg skaber, og giver plads til åbenbaring og opdagelse, når værket endelig vises. Men lad os være klare: i mine billeder træffer tilfældet aldrig beslutningerne; i højst tilfælde stiller tilfældet spørgsmålene; meningsfulde ”tilfældigheder” er kun mulige med en stor disciplin. Denne tilgang, der virker lidt som en spejling/fastfrysning-processen i fotografi, er udfordrende og frigørende. Værdierne i kompositionen beriges af lag og gennemsigtigheder og giver hvert værk en ”asketisk” kvalitet: Jeg er tilfreds, når jeg genkender “uundgåelige nødvendigheder”, dvs. hvad vi sandsynligvis opdager, når vi stopper i stilhed og lys.

Jeg holder min tilgang bevidst enkel. Hverken ”følelse” eller ”teoretisk forestilling”, men erfaringen af at være til stede. Hverken ”hurtig forbrug” eller ”intellektualisering/intellektuel besiddelse”, men udvidelse af bevidstheden og udforskning af virkeligheden, dens synlige og usynlige historier; min kunst er en søgen efter ”livet ved livets inderste kerne”, det, Alain Damasio kalder ”le vif”. Selvom nostalgi altid har været en del af mit arbejde, er mine malerier uden objekt. Ligesom alle objekter er de objekter af sig selv. Derfor har de hverken indhold, eller mening, eller mening; de er som ting, træer, dyr, mænd eller dage, som heller ikke har nogen grund til at være, ingen ende eller formål. Selvom mit arbejde nogle gange kan fremkalde gennemsigtigheden og luminositeten i farvet glas, forbliver det næsten helt abstrakt. Endnu mere giver plexiglas maleriet en glinsende sans, hvor man kan skimte sin egen silhuet, forskellig for hver ny tilskuer. Hvert værk fungerer som et diskret spejl: det lever, det ændrer sig, det ser. Lys, farve og tekstur, de manglende dele, kræver også empati. Forhåbentlig vil spillet mellem ”detaljer for det nære” - et billede er et helt nyt billede - og ”afstand til helheden” hjælpe tilskuere med at begive sig ud på deres egne introspektive rejser.

Jeg hævder ikke at have alle svarene og vil forblive ydmyg over for, hvad der kan opnås. Enkelt sagt finder jeg tilfredshed i den kontinuerlige proces med spørgsmål og vækst. Hvert nyt værk er en konfrontation med mine grænser, der driver mig til at finpudse mine færdigheder og udforske, hvor meget jeg kan opnå. At male er for mig en daglig håndværk, en udforskning, en måde at sætte gang i meningsfulde samtaler, en søgen efter en maling så perfekt at den ikke har brug for os. Alderens informalitet er kun lige begyndt.

Som Jean Bazaine ville sige: ”Den daglige praksis multiplicerer lidenskaben for at se.

Om sammenhængen i min praksis

I det moderne kunstlandskab, hvor begreb og form har lige stor betydning, søger jeg at skabe værk, der defineres ikke af fremtrædendehed, men af nærvær. Mine malerier – skimrende farve- og lysfelter inden i plexiglas – er de stille resultater af en lang og bevidst undersøgelse. For mig er det sande fokus mindre på det endelige billede end på det stille samspil mellem tanke og proces, der gør det muligt at fremkomme.

Denne praksis hviler på tre afstemte intentioner.

Den første er et Tilbageholdenhed fra påført betydning. Ved at beskrive værkerne som “uden objekt” og have “hverken indhold, eller mening, eller sense”, håber jeg at løsne forventningen om narrativ. Det er en invitation til at træde væk fra afkodning og mod en mere direkte måde at se på.

Dette fører til den andet intention: Præmacy of lived experience. Ind i det åbne rum forsøger jeg at placere det, jeg betragter som en “oplevelse af at være.” Værket bliver mindre et objekt til tolkning end en stille begivenhed at føle—formet af skiftende lys, gennemskinnelige lag og det svage spejl af beskueren, der møder deres egen blikke. Som jeg ofte bemærker, ”værket lever, det ændrer sig, det ser.”

Det tredje er hvor idé møder hånd: Proces som indkapslet tænkning. Maleri bagpå plexiglas, arbejde uden visuel feedback, er en fysisk praksis i at give slip. Det er en bevidst frigivelse af kontrol i skabelsesprocessen. Jeg opstiller betingelser, men giver slip på udfaldet og lader maleriet blive, hvad jeg kalder et uafhængigt ”objekt i sig selv”, fuldt afsløret først når det er fuldendt. Det er et stille parallelt til fotografisk udvikling—tålmodig venten på, hvad der ankommer ”her og nu.”

At holde disse intentioner kræver nogle få, blide paradokser, der bærer arbejdet:

Tilfældighed og disciplin
Jeg taler om meningsfulde ”sammenfald”, men de er kun muligt inden for omhyggelige grænser. Tilfældet er en velkommen gæst, men strukturen er bygget med omhu.

Kommunikation uden budskab
Jeg håber at ”kommunikere noget” gennem værker jeg kalder meningsløse. Måske det, der deles, ikke er en erklæring, men en tilstand—en tekstur af lys, en stille tilstedeværelse, en håndgribeligt stilhed.

Nostalgi for nutiden
En blid nostalgi hænger ved værket, men den er forunderlig rettet mod nuet: en længsel efter de “uundgåelige nødvendigheder”, fundet i “stilhed og lys”—et ønske om ren tilstedeværelse som værket selv stille tilbyder.

Anstrengelse og anstrengelsesløshed
Processen kræver konstant opmærksomhed, men sigter mod et resultat, der føles autonomt, som om det “opstod af sin egen kælenavn.” Jeg tiltrækkes af det, der føles fuldstændig uundgåeligt.
I denne ånd er jeg begyndt at føle, at ”informalitetens æra kun lige er begyndt.” Min praksis skyldes ånden i Art Informel, måske med mindre angst og mere ro—en uformelhed hvor tilfældighed ikke er et brud, men en stille samarbejdspartner.

I kernen er det en søgen efter ”le vif”—den levende kerne. Værket læner sig mod direkte oplevelse frem for intellektualisering. Den beskedne skala, jeg ofte vælger, er ment at fremme intimitet, ikke spektakel.

I sidste ende er dette blot én kunstners vej. Min biografi, min proces og mine refleksioner er ikke separate tråde, men dele af en samlet søgen. Jeg har fundet ud af, at en praksis forankret i stille paradokser ikke behøver at være skrøbelig. Gennem disciplin og klarhed kan sådanne spændinger blive, tror jeg, en kilde til modstandsdygtighed.

Anton Kaestner