Sonia J. - " Rupture" - "Here, There and Everywhere" Series - XXL

Rupture
Kunstner: Sonia J. (1971, Portugal)
Her, Der og Overalt
Teknik: Akryl og mixed media på lærred
Dimensioner: 116 × 148 cm (XXL-format)
År: 2025
Stand: Ny – direkte fra kunstnerens studie
Signatur: Håndunderskrevet på bagsiden
Certifikat: Inkluderer et underskrevet ægthedscertifikat.
Forsendelse: Rullet i et stærkt beskyttende rør (sporet og forsikret)


Beskrivelse af kunstværket

«Brud» — fra serien Her, Der og Overalt — blev skabt på en dag, hvor flere følelser kolliderede: sorg, glæde, vrede, forvirring og det presserende behov for at forstå sig selv som kvinde. De dybe, lagdelte blå nuancer danner et atmosfærisk felt af introspektion, der forankrer maleriet med en stille, men kraftfuld tilstedeværelse.

I midten opstår blink af rød og grøn som et underfundet hjerteslag — råt, uløst og tydeligt menneskeligt. Disse farver søger ikke balance; de stiger op og afbryder, og legemliggør de følelsesmæssige sprækker, der opstår, når den indre verden ikke længere kan holdes inde.

De gestuelle mærker gennem hele værket er mere bekendende end dekorative. Hver streg bærer på spændingen mellem at holde tilbage og at bryde ud, stilhed og udtryk, disciplin og frigivelse. 'Brud' sigter ikke mod harmoni — det omfavner kompleksiteten og modsigelsen i den levede erfaring. Det afslører de intime brud i hjertet, de sårbare øjeblikke, hvor følelser flyder indad i stedet for udad.

Fra et dekorationsperspektiv introducerer dette XXL-stykke en kraftfuld følelsesmæssig dybde i raffinerede interiører. Dets rige, sofistikerede palette og dominerende tilstedeværelse gør det til et enestående fokuspunkt for moderne opholdsrum, arkitektoniske miljøer, samlerhjem og luksusindretninger. "Rupture" står som en dristig, elegant erklæring — der bringer intensitet, nuance og stille styrke til ethvert rum, der hylder kunst med følelsesmæssig tyngde.

Om kunstneren — Sonia J. (Portugal, 1971):

FRA bestyrelseslokaler til lærred
Fra forretningssans til rå natur...
Fra strategi til en vision ud over lærredet...
KVINDERNES STYRKELSE Gennem kunst...

Jeg bor mellem to verdener — den, jeg har bygget gennem præcision, og den, jeg har genvundet gennem følelser. 'Dual Hirathe' er stedet, hvor de mødes.

Jeg tilbragte tre årtier inde i en verden defineret af klarhed, hastighed og kontrol. Hvert valg var målt. Hvert minut regnet med. Hvert mål, en linje på et strategikort. Det var et liv bygget på præcision — analyserende, spændende, krævende og til tider opslugende. I årevis troede jeg, at lederskab betød at bære vægt med ynde, aldrig tøve, aldrig sænke tempoet. Jeg var omgivet af mennesker, der blomstrede på ambition og logik, og jeg lærte at excellere inden for den struktur. Men et sted mellem den konstante bevægelse og de polerede møder begyndte jeg at miste lyden af min egen stemme. Da jeg endelig standsede (Mid-2024) — virkelig standsede — var det, jeg hørte, stilhed. Ikke tomhed, men en stilhed fuld af potentiale. Den slags, der inviterer noget nyt til at opstå. Det var begyndelsen på min metamorfose.

Mit arbejde er født ud af en dialog mellem verdener — mellem det rationelle og det intuitive, det målte og det instinktive. Det afspejler rejsen fra forretningssans til udtryksfuldhed, fra et liv med global strategi til et liv formet af tekstur, stilhed og landskab. Efter tre årtier lederskab i erhvervslivet lærte jeg sproget for struktur — klarhed, præcision, formål. Det trænede mit øje til at se systemer, genkende mønstre, balancere kompleksitet med enkelhed. Men da jeg vendte mig mod kunsten, begyndte dette sprog at opløses. I stedet opstod et andet ordforråd — taktilt, følelsesmæssigt, flydende — et sprog, der kun kunne tales gennem pigment og sand, gennem det lagdelte tålmodighed hos et lærred, der udvikler sig over tid.

At forlade erhvervslivet var ikke en enkelt handling af mod; det var en gradvis overgivelse. Først prøvede jeg at føre de samme regler ind i mit nye liv — mål, resultater, præstationsindikatorer. Men kunsten nægtede at blive styret. Den krævede sårbarhed. Den krævede, at jeg lyttede i stedet for at dirigere. Da jeg først rørte ved et tomt lærred, vidste jeg ikke, at det ville blive mit nye sprog. Jeg vidste blot, at ord havde begrænsninger, og at følelser — dem, jeg havde begravet under effektivitet og professionalisme — bad om at få lov til at ånde. Farver blev mit ordforråd. Tekstur blev min syntaks. Hver lag af sand, gesso og pigment talte det, jeg endnu ikke kunne sige højt: at transformation ikke handler om at slette, hvem du var, men om at tillade alle versioner af dig selv at eksistere side om side.

I lederskab levede jeg efter maskulin energi: beslutsom, analytisk, udadrettet. I kunst mødte jeg dens modsvar — den feminine: modtagelig, intuitiv, indadtil ekspansiv.
hverken er overlegen; begge er hellige. Jeg opdagede, at skabelse sker præcis dér, hvor disse to mødes. For meget struktur gør kunsten stiv, og for meget flow opløses den i kaos. Det samme gælder for livet. At male lærte mig balance. Det mindede mig om, at styrke kan eksistere i stilhed, og at følsomhed ikke er svaghed — det er visdom i en anden form. På mange måder blev min praksis en forsoning af energier: den assertive og den eftergivende, det konkrete og det æteriske, den logik, der byggede min fortid, og intuitionen, der definerer min nutid.

Jeg bor nu mellem to verdener: den kosmopolitiske intensitet fra mit fortid og den rå ro fra Serra da Estrela, bjerglandskabet, der nu former mit studie og min sjæl. Fra Lisbons betongeometri til den naturlige erosion af sten og vind afspejler mit kreative tempo den overgang — fra acceleration til stilhed, fra præstation til nærvær. Gennem tekstureret abstraktion oversætter jeg disse levde kontraster til visuel form. Mine malerier er følelsesmæssige topografier — lagdelte overflader, hvor modstandskraft, frigørelse og stille kraft sameksisterer. De er ikke repræsentationer af steder, men tilstande af væren: indre landskaber formet af bevægelse, hukommelse og metamorfose.

Mit arbejde navigerer kontinuerligt i en dobbelt spænding — mellem orden og følelse, lys og stof, erindring og fornyelse, logik og intuition, lederskab og kreativitet, kontrol og overgivelse, fortid og genfødsel, strategi og følsomhed, virksomhedens præcision og rå natur. Disse spændinger er ikke modsætninger, men harmonier i forandring. De er friktionen, der skaber udtryk, den usynlige puls under hver mærkning, jeg laver. Hver lærred begynder i dialog med kontrollen — den del af mig, der stadig søger struktur, klarhed, resultat. Men efterhånden som processen udfolder sig, giver kontrollen plads til instinkt. Selv når kaos synes at dominere, forbliver min intention menneskelig — at spejle den følelsesmæssige balance, vi alle søger mellem styrke og overgivelse, mellem organisation og frihed.

Jeg tror, at kunst ikke er en luksus; det er en måde at vende tilbage til os selv på. I en verden, der værdsætter output mere end tilstedeværelse, sænker kunst os ned i tempo nok til at føle igen. For mig er kunst genopretning — ikke af det, der gik tabt, men af det, der blev glemt. Blødheden, sensualiteten, den uforudsigelige skønhed i blot at være. Gennem taktil abstraktion skaber jeg ikke for at imponere, men for at berolige, forankre og genoprette. Mit arbejde inviterer til berøring — ikke bogstavelig, men følelsesmæssig. Det beder seerne om at dvæle, trække vejret og føle deres egen refleksion i teksturens stilhed. Jeg maler til rum, der har brug for ro, og for kvinder, der har levet deres liv med andre på skuldrene, ledt, opnået, performet. Min kunst tilbyder dem tilflugt — et øjeblik, hvor de ikke behøver at bevise, opnå eller forklare. Hvert maleri er en stille handling af oprør mod støjen af produktivitet. Det er en påmindelse om, at stilhed kan være kraftfuldt, og at heling kan ske i tavshed.

Dual Hirathe er mere end blot en titel; det er min kunstneriske identitet — en kompas for alt, jeg skaber. 'Hirathe' stammer fra ildsted og hjerte, fra varme og oprindelse, det intime sted, hvor skabelsen begynder. 'Dual' repræsenterer sameksistensen af modsætninger — de to verdener, jeg bebor: den strukturerede, logiske ledelsesverden og den intuitive, sanselige kunstverden. Samlet set betyder 'Dual Hirathe' hjertet i dualitet — det levende krydsfelt, hvor sind og materie, orden og følelse, maskulint og feminint mødes. Det er pulsen bag min praksis, den usynlige arkitektur under hver penselstrøg, hver tekstur, hver linje. Når samlere lever med mine værker, erhverver de ikke blot et billede — de engagerer sig i den levende dualitet. Linjen bliver deres spejl: en spænding, de kan føle, en tærskel, de kan krydse, en invitation til at bo i rummet mellem tyngdekraft og ynde.

Hver af mine samlinger er et fragment af en større samtale — en kontinuerlig fortælling om forandring. De adskiller sig i tone, rytme og form, men forbliver forenet af ét underliggende spørgsmål: hvordan forener vi struktur med frihed?

Efter år med at lede gennem logik, leder jeg nu gennem følelse. Det, der engang var strategi, er blevet fornuft — et skift fra at styre resultater til at forme oplevelser, fra at guide organisationer til at guide følelser gennem form. Min kunst forbinder ART AND DESIGN, og oversætter følelser til håndgribelig tilstedeværelse. Hvert værk er mere end et billede; det er et miljø — en levende overflade, der interagerer med rum, lys og hukommelse. De er forfatterskaber designet til at leve med mennesker, ikke adskilt fra dem. Uanset om de placeres i et privat hjem, et hotel, en virksomhedslobby, en gallerie eller et museum, er mine malerier tænkt som en del af oplevelsesarkitekturen. De er skabt til at ånde, holde, hele — ikke blot som dekoration, men for at forvandle atmosfæren omkring dem.


For mig er kunst ikke et objekt. Det er en atmosfære, en PORTAL — et taktilt, visuelt sprog af harmoni og nærvær. Det lever gennem vibration: farve, tekstur, stilhed og lys i dialog med det rum, det befinder sig i. Når nogen står foran et maleri, observerer de ikke noget eksternt; de træder ind i et resonansfelt. En tekstureret overflade, en subtil linje, en dæmpet tone — disse bliver invitationer til at sænke tempoet, genoprette forbindelsen og trække vejret anderledes. Hvert værk bærer mindet om menneskelige gestus — energi gjort synlig.

I en virksomhedsmiljø blødgør den energi rigiditet. I et privat hjem bringer den jordforbindelse og intimitet. I et wellnesscenter eller hotel genopretter den ro. I et galleri samtaler den med lys og arkitektur, hvilket forvandler eftertanke til følelser. På et museum bliver den til dialog — mellem fortid og nutid, mellem beskuerens krop og kollektiv hukommelse. I en udstilling samler den tilstedeværelse — en koreografi af farve, materiale og stilhed, der forbinder fremmede gennem fælles stilhed.

Hvor end det findes, skaber det tilstedeværelse — det usynlige, men mærkbare skift, der får et rum til at føles levende, og 'tilstedeværelse er den nye luksus'. - Sonia J.

Fra 'Authority to Experience': Kunstverdenen er under forandring.
I århundreder opererede det gennem autoritet — museer, eksperter, samlere, der bestemte, hvad der var vigtigt. Men i dag, i det 21. århundrede, bevæger vi os fra et autoritetsbaseret system til et oplevelsesbaseret system. Kunst er ikke længere begrænset til hvide vægge eller eksklusive rum; den breder sig ud i rytmen af hverdagen. Folk ønsker at leve med kunst — at føle den, at bo med den, og lade den påvirke deres omgivelser og følelser. Og det er præcis, hvad en platform som CATAWIKI gør — hjælper folk med at leve med KUNST! Og det er grunden til, at jeg også er her.

Mine malerier er skabt ikke kun til gallerier eller udstillinger. På trods af at gallerier forbliver de mest demokratiske rum for kunst — steder hvor vi kan møde skabelsen i dens reneste form, opleve den fysisk, og lade vores sanser, ikke systemer, definere dens værdi. Mine malerier er også for de rum, hvor det virkelige liv udfolder sig — hjem, wellness retreats, kontorer, hoteller, museer, der inviterer til berøring og interaktion. De tilhører en æra, hvor kunst integreres med design, arkitektur og følelsesmæssig velvære. For mig er dette ikke dilution — det er udvidelse. Det er kunst, der vender tilbage til sit oprindelige formål: at følge menneskelivet, markere hellige rum, skabe forbindelse.

Store kunstnere som Pollock, Mitchell, Bourgeois, Rembrandt, Van Gogh — og så mange andre — skabte aldrig deres værker med gallerier eller museer i tankerne. De malede ud af nødvendighed, indefra og ud. Deres lærreder var overlevelsesinstrumenter — spejle for sjælen, forlængelser af åndedrættet. Gennem deres rå ærlighed opfandt de nye udtryksformer; IKKE FOR AT IMPRESSIONERE, MEN FOR AT EXISTERE. Mange af dem kæmpede dybt — med isolation, fattigdom, depression — nogle endda med at tabe kampen mod deres eget indre kaos. Og alligevel består deres kunst, fordi den taler til det kollektive behov for skønhed, mening og følelsesmæssig sandhed. De satte ikke ud for at skabe historie; de satte ud for at FØLE — og dermed tillod de kunsten at udvikle sig. Endnu en gang minder deres arv os om, at kunstens højeste formål ikke er prestige, men TILSTEDEVÆRELSE! Den var altid ment til at følge menneskelivet — til at vidne om glæde og sorg, til at bo i hjem og hjerter, til at markere hellige rum og fælles øjeblikke.

Vision Udover Lærredet
Så, i det 21. århundrede er kunstens formål ikke at vente femti år på anerkendelse i museer eller gallerier – det er at LEVE NU – at eksistere i dialog med vores daglige liv, at forvandle de miljøer, vi bebor, og at vække følelser i realtid. Kunst i dag skal ånde med os: i vores hjem, på vores arbejdspladser, i vores tilflugtssteder, i vores byer, vores institutioner, vores samfund, vores planet og i vores stille hjørner. Den skal integreres i den måde, vi lever på, ikke forblive fjernt som noget, der skal besøges. Den skal blødgøre arkitekturen i det moderne liv og genindføre ømhed i vores rum. Det er den vision, jeg bærer ud over lærredet – en tro på, at kunstens værdi ikke kun ligger i, hvad den repræsenterer, men i det, den vækker. Ligesom dem, der kom før, malede for at overleve deres indre storme, maler jeg for at genforbinde de fragmenterede dele af det moderne liv – for at fusionere følelser med miljø, logik med følelse, kunst med liv. Dette er det nye kapitel i kunstens udvikling: IKKE adskillelsen af æstetik fra erfaring, men deres GENFORENING – hvor kunst igen bliver det, den altid har været i sin kerne: en menneskelig nødvendighed.

I denne vision bliver kunstneren både skaber og komponist — der former ikke kun det, der ses, men også hvordan det føles. Hvert valg — fra pigment til skala, fra tekstur til placering — reagerer på energien i et rum og de mennesker, der bor i det. Jeg tænker ofte på mine malerier som arkitekturer af følelse. De forankrer rummet som stille følgesvende, bringer rytme hvor der er tomhed, ro hvor der er kaos. De påtvinger ikke mening; de inviterer til oplevelse. Når jeg samarbejder med indretningsarkitekter eller kuratorer, går dialogen ud over æstetik. Det handler om, hvordan værket kan forbedre den emotionelle arkitektur i rummet — hvordan det kan forstærke lys, balancere energi eller skabe kontrast, hvor stilhed er nødvendig. Det er en fusion af følsomhed og strategi, en fortsættelse af mit tidligere liv — men oversat til kreativ form. Dette er mødet mellem to intelligenser: den rationelle præcision i forretningsstrategi og den intuitive dybde i kunstnerisk vision. Det er ikke en afvisning af logik, men dens transformation til empati. Hvor jeg engang designede rammer for teams, designer jeg nu miljøer for følelser.

Leveomgivelser
I sidste ende er mit arbejde en handling af integration — at sammenflette den strukturelle klarhed fra min tidligere erhvervskarriere med den organiske flydendehed i kunsten. Hvert lærred er et økosystem: farve, tekstur, tyngdekraft og stilhed, der finder balance. I en verden, der ofte fragmenteres — adskiller sind fra krop, kunst fra liv, fornuft fra følelser — stræber jeg efter at genforbinde det, den moderne livsstil har delt. Det er, hvad jeg mener med kunstintegration: genforeningen af æstetisk, menneskelig og rumlig oplevelse. Mine malerier er ikke til blot at se på — de er til at leve med. De er følgesvende, ankre, tærskler til ro. De minder os om, at kunst stadig kan have mening i en hyperdigital verden — ikke gennem forklaring, men gennem nærvær.

Dette er min vision ud over lærredet: at bringe kunst tilbage i dagligdagen, at gøre rum mere menneskelige og erstatte autoritetens støj med oplevelsens intimitet. Mine samlinger handler ikke om repræsentation, men om tilstedeværelse. De er ikke kun lavet for at dekorere, men for at BEBO — at skabe atmosfærer, der jordfæster og genopretter. De hører hjemme lige så naturligt i et privat rum som i et offentligt, i en virksomhed som i et bjerghus. Min vision er at gøre kunst til en del af vores liv, ikke blot det, vi ser på — at forvandle rum til levende miljøer, hvor følelser og design smelter sammen, hvor kunst bliver en atmosfære af fornyelse. Fra forretningssans til udtryksfuldhed, fra kosmopolitisk rytme til bjergstilhed — hvert maleri jeg skaber, bærer begge verdener inden i sig, og der er broer mellem logik og intuition, mellem det menneskelige ønske om orden og sjælens behov for frihed. Hver lærred er en forhandling mellem disse kræfter — og i den forhandling finder min kunst sin egen stemme.


Kunstneriske bedrifter og udstillinger

Sonia J.s stigende internationale anerkendelse inkluderer:

• Portefølje Review — Charlotte Paritzky, direktør for Z&B Gallery og medstifter af OBRA Art (maj 2025)
• Top 10 Berlin samtidskunstnere (2024–2025)
• 5. Internationale samtidskunstmesse, IT’S LIQUID Group — Barcelona, Spanien (18. – 28. juli 2025)
• Månedens Kunstner — IT'S LIQUID Group (september 2025)
• Braga Contemporary Art Exhibition — Braga, Portugal (12.–14. september 2025)
• Portefølje Gennemgang — Quentin Métayer, PR & Kommunikation, Perrotin (oktober 2025)
• Portefølje Gennemgang — Flavio Scaloni, Galleri Manager, Galerie Lo Scalo (oktober 2025)
• Terapeutisk sundhedscenterprojekt — udført fuld samling til et sundhedsrum i Portugal.
Juridisk notar-virksomheds kunstprojekt — bestilt fuld samling inspireret af Blues Collection.
• SensesART, IT’S LIQUID Group — Lecce, Italien (December 2025)
• European Artist Award 2025 — IT’S LIQUID Group, Venice, Italien (5. december 2025)
• Verona SPA Art Project — bestilt komplet kollektion til et hotelspa i Verona, inspireret af Middelhavets teksturer
• Fremhævet kunstner på Singulart, Artmajeur, og opført på Artprice.com
• AKOUN Vurdering (juni 2025) — Officielt certificeret til €550 for format 15P (65 × 50 cm)

Emballage & Forsendelse

Kunstværket vil blive sendt rullet ind i et stærkt beskyttende rør, indpakket i syrefrit papir og flere lag forstærkning for at sikre fuld sikkerhed og markant lavere forsendelsesomkostninger.
Forsendelsen inkluderer sporingsnummer og forsikring.

Estimeret levering
• EU: 3–7 dage
• Ikke-EU: 7–15 dage (afhængigt af told)