Anton Kaestner - #396 - S - " Glass Horizon 2 ".

One-of-a-kind, Anton Kaestnerin alkuperäinen maalaus, suoraan atelielta.
Ensimmäinen maalaus lasille, Marokosta 1994 kierrätetystä lasista.
#396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Spray-akryyliä lasilevylle (Marokko 1994) 3 mm.
Tämä taulu ei ole vedos. Kyse on alkuperäisestä "monikerroksisesta" teoksesta, jonka kiiltävä, resin-tyyppinen lopputulos on ainutlaatuinen.

Koko: 9,3 tuumaa x 9,8 tuumaa x 0,12 tuumaa / 23,5 cm x 25 cm x 0,3 cm ilman kehyksiä.

Tämä taulu toimitetaan ilman kehystä.
Laadukas kehys saksalaisen Nielsen-brändin alumiinista, viite 34 (tuumat: 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) suositellaan ja on saatavilla toimituksen yhteydessä lisämaksusta 60€ sis. alv.

Teos on signeerattu takakannessa.
Mukana todistus aitoudesta.
Toimitus on vakuutettu.

Anton Kaestner on sveitsiläinen taiteilija, kuvanveistäjä ja kirjailija, jonka toimintakeskus on Pariisissa. Hänen teoksiaan esitellään kautta Eurooppaa, Sveitsissä ja Dubaissa. Lisätietoja ja valikoima osoitteessa www.antonkaestner.com.

Seuraava näyttely - Lausannessa 7.–10. toukokuuta 2026.

Biografia

Syntynyt Genevessä, Sveitsissä, kasvoin kotimaan luonnonkauneuden ja kulttuurisen rikkauden keskellä. Luovuutta arvostettiin perheessä, ja kuollut isoisäni, käsityöläinen ja taiteilija, vaikutti polkuuni ja synnytti intohimon, joka myöhemmin kehittyi elämän intohimoksi.
Vuonna 1993 aloitin maalaamisen yksityisesti, kokeillen lukuisia akryylivärejä A4- ja sitten A3-kirjojen välissä – olen aina kokenut, että suuret kuvat tulevat suoraan päälle, dominoivaa ja uhkaavaa, kun taas pienemmät teokset voivat herättää paljon enemmän rakkautta. Aluksi minua kiehtoi ei-figuraalinen maalaus ja abstrakti ekspressionismi.
Ajan myötä, vaikka katson itseäni ateistiksi, kehityin myös henkisten materiaalien ystäväksi, kun ne resonoivat ihmisen olemassaolon tutkimukseni ja luonnon sekä elämän syvempien totuuksien kanssa.

Kuitenkin todellisen taiteilijaksi tulemisen polku ei ollut välitön.

Kolmen vuosikymmenen ajan tavoitteeni oli kansainvälinen liiketoimintaura, joka vei minut ympäri maailmaa – Yhdysvalloista Marokkoosi, Belgiaan, Aasiaan ja Ranskaan. Matkani laajensi näkemystäni, paljastaen monenlaisia kulttuurivaikutteita. Minne meninkin, uppouduin paikalliseen taidekenttään ja annoin luovan energian jokaisessa kaupungissa.
Liiketoimintauran keskittämisestä huolimatta taide on ollut aina osa minua, hiljaisesti poriseva pinnan alla. Lähes 30 vuotta maalaaminen oli minulle salainen meditaation muoto – tapa paeta maailmasta ja keskittyä sisimpääni.

Olen aina saanut suurta tyydytystä maalaamisesta. Jokainen uusi teos on matka, jolla voin testata luovuuttani, tutkia uusia tekniikoita ja kokea aitoja kokemuksia. Taiteeni kautta olen toivonut tarjoavani muille vilpittömän kohtaamisen kauneuden kanssa, mahdollisuuden nähdä maailma eri näkökulmasta ja pohtia omaa elämäänsä.

Vuonna 2023, eläkkeelle jäätyäni liiketoiminnasta, sitoudu täysin maalaamiseen. Perustin työpajani Pariisissa ja aloin omistautua kokonaan taiteelleni. Vuoden 2024 lopussa julkinen taideurani käynnistyi, ja yllätyksekseni teokseni saivat nopeasti tunnustusta ja pääsivät yksityiskokoelmiin ympäri Eurooppaa, erityisesti Saksassa, Portugalissa, Belgiassa, Italiassa ja Alankomaihissa.

Vuoden 2025 lopussa muututin isompaan ateljeehen lisätiloihin Lisieuxissä, Normandian hylätyssä papistossa.

Taiteellinen CV

Ensimmäinen soolonäyttelyni, "Échos", pidettiin Pariisissa lopussa 2024, ja esitteli erilaisen lähestymistavan taiteeseen poissa perinteisistä maalausmenetelmistä: Maalaan akryyleillä, metallipigmenteillä ja suihkeilla kierrätyksestä peräisin olevan extrudoidun pleksin (Perpex) takapinnalle, kevyt, sileä, kiiltävä ja joskus hauras pinta. Tämä prosessi estää minua näkemästä teosta sen kehittyessä. En saa visuaalista palautetta tai kontrollia prosessin aikana—se on jotain, mitä toivon. Saan sallia “satunnaiset kokeilut” – kaikki käy, jotta järki pettää! – ohjata lopputulosta, kerroksia ja peilausvaikutuksia, joita luon, ja jättää tilaa ilmaisulle ja löytämiselle, kun teos lopulta paljastuu. Mutta todellisuus: kuvissani sattuma ei koskaan tee päätöksiä; siinä määrin sattuma kysyy kysymyksiä; merkitykselliset “kohtalon sattumat” ovat mahdollisia vain suurta kurinalaisuutta noudattamalla. Tämä lähestymistapa, joka resonoi valokuvauksen paljastus/fiksaatio-prosessin kanssa, on haastava ja vapauttava. Teoksen arvot rikastuvat kerroksilla ja läpinäkyvyydellä, mutta antavat jokaiselle teokselle askeettisen laadun: olen tyytyväinen, kun tunnistan “tietämättömin välttämättömyydet”, eli mitä todennäköisesti löydämme, kun pysähdymme hiljaisuuteen ja valoon.

Pidän lähestymistapaani tarkoituksella yksinkertaisena. Ei tunteita eikä teoreettista käsitystä, vaan kokemuksen olemassaolon. Ei nopeaa kuluttamista eikä älyllistämistä, vaan tietoisuuden laajentamista ja todellisuuden sekä sen näkyvien että näkymättömien tarinoiden tutkimista; taiteeni on tiedonetsintä “elämästä elämän ytimessä”, siitä, mitä Alain Damasio kutsuu “elämän elävyydeksi” (le vif). Vaikka nostalgia on aina kuulunut työhöni, maalaukseni ovat ei-objektiivisia. Kuten kaikki objektit, ne ovat olemassa itsessään. Niinpä niillä ei ole sisältöä, tarkoitusta tai merkitystä; ne ovat kuin asiat, puut, eläimet, ihmiset tai päivät, joilla ei myöskään ole tarkoitusta olla olemassa, eikä päämäärää. Vaikka työni saattaa joskus herättää lasimaalauksen läpinäkyvyyden ja loistavuuden kaltaisen tunnelman, se pysyy käytännössä täysin abstraktina. Lisäksi pleksilasi antaa maalaukselle hohtavan ihon, josta voi nähdä oman siluetin, jokaiselle uudelle katsojalle erilaisen. Jokainen teos toimii kuin hidas peili: se elää, se muuttuu, se näkee. Valon, värin ja tekstuurin vuorovaikutus sekä puuttuvien osien osuus vaativat vain empatiaa. Toivottavasti yksityiskohtien vuoropuhelu “koko kuvaan nähden” – yhden yksityiskohdan kuva on täysin uusi kuva – ja etäisyys kokonaisuuteen rohkaisevat katsojia aloittamaan omat sisäiset matkan, itsetutkistelun.

En väitä osaavani vastaukset kaikkiin kysymyksiin enkä halua olla ylimielinen siitä, mitä voidaan saavuttaa. Yksinkertaisesti löydän tyydytystä kysymisen ja kasvun jatkuvasta prosessista. Jokainen uusi luomus on minulle kohtaaminen omien rajojeni kanssa; se pakottaa minut hioimaan taitojani ja tutkimaan edelleen, mitä voin saavuttaa. Maalaaminen on minulle päivittäinen käsityö, tutkimus, tapa synnyttää merkityksellisiä keskusteluja, matka taiteeseen niin täydellisen maalauksen, jonka ei tarvitse meitä. Epämuodollisuuden aikakausi on vasta alkanut.

Kuten Jean Bazaine sanoisi: "Päivittäinen harjoitus moninkertaistaa näkemisen intoa."

Omasta työskentelystään koherenssi

Nykytaiteen maisemassa, jossa käsite ja muoto ovat yhtä merkittäviä, pyrin luomaan teoksia, joita määrittää ei niukkuus vaan läsnäolo. Maalaukseni—välkeävät värin ja valon kentät pleksilasissa—ovat pitkän ja harkitun tutkimuksen rauhallisia tuloksia. Minulle todellinen fokusoituminen ei ole lopullinen kuva vaan ajatuksen ja prosessin hiljainen vuorovaikutus, jonka avulla se syntyy.

Tämä käytäntö perustuu kolmeen linjaukseen:

Ensiksi: vetäytyminen määrätyn merkityksen ulkopuolelle. Kun kuvat kuvataan ”ei-objektina” ja niillä on “ei sisältöä, ei merkitystä, ei tarkoitusta”, toivon hellästi löysäävän narratiivin odotusta. Se on kutsu astua pois dekoodauksesta ja kohti suorempaa katselun tapaa.

Tämä johtaa toiseen tavoitteeseen: kokemuksen ensisijaisuus. Avoimeen tilaan yritän sijoittaa sen, mitä pidän “olemisen kokemuksena.” Teos muuttuu vähemmän tulkittavaksi objekti kuin hiljaiseksi tapahtumaksi, joka tuntuu – muotoutuvasta valosta, läpikuultavista kerroksista ja katsojan oman katseen heijastuksesta—henkisesti muovin. Kuten usein huomautan, teos “elää, muuttuu, näkee.”

Kolmas on kohta, jossa idea kohtaa käden: prosessi ruumiillistuneena ajatteluna. Plexiglassin takasivulla maalaaminen, ilman visuaalista palautetta, on fyysinen käytäntö, jossa luovutaan hallinnasta. Se on tietoista luopumista kontrollista tekemisen hetkellä. Asetan olosuhteet, mutta luovun lopputuloksesta, antamalla maalauksen tulla sellaiseksi kuin kutsun sitä itsensä objektiksi, täysin paljastuen vasta kun se on valmis. Se on hiljainen rinnastuvuus valokuvauksen kehitykseen—potentiaalinen, “tässä ja nyt” saapuvan odottaminen.

Näillä aikomuksilla on muutama lempeä paradoksi, jotka ylläpitävät työtä:

Sattuma ja kurinalaisuus
Puhun “merkityksellisistä kohtalon sattumista”, mutta ne ovat mahdollisia vain huolellisesti rajatuissa oloissa. Sattuma on toivottu vieras, mutta rakenne rakennetaan huolellisesti.

Viestintä ilman sanomaa
Toivon “viestiväni jotakin” teosten kautta, joita kutsun merkityksetömäksi. Ehkä jaettu ei ole lausuma, vaan tila—valon tekstuuri, hiljainen läsnäolo, havaittava stilla.

Nostalgia nykyhetkestä
Työssä tallentuu lempeä nostalgia, mutta se on kummallisesti suunnattu nykyaikaan: kaipaus “äärimmäisistä välttämättömyyksistä”, joita löytyy hiljaisuudesta ja valosta—toive puhtaasta läsnäolosta, jonka teos itsessään hiljaisesti tarjoaa.

Ponnistelu ja vaivattomuus
Prosessi vaatii tasapainoista huomiota, mutta tavoittelee tulosta, joka tuntuu itsenäiseltä, ikään kuin se olisi ”syntynyt omillaan.” Olen viehättynyt siihen, mikä tuntuu täydellisesti väistämättömältä.
Tämän hengen mukaisesti olen tullut tuntemaan, että “epämuodollisuuden aika on vasta alkanut.” Työskentelyni on velkaa Art Informel -henkelle, vaikka ehkä vähemmän tuskaa ja enemmän rauhaa—epämuodollisuutta, jossa sattuma ei ole katko, vaan hiljainen yhteistyökumppani.

Ytimessä on etsiminen le vif – elävän ytimen – löytöä. Teos kallistuu kohti suoraa kokemusta ennemmin kuin älyllistämistä. Usein valitsemani vaatimaton mittasuhde on tarkoitettu rohkaisemaan intiimiä lähestymistapaa, ei suuruutta.
Lopulta tämä on vain yhden taiteilijan polku. Elämäkerrani, protsessi ja pohdintani eivät ole erillisiä säikeitä, vaan osa yhtä tavoitetta. Olen huomannut, että hiljaisiin paradokseihin perustuva käytäntö ei tarvitse olla hauras. Kurinalaisuuden ja selkeyden kautta tällaiset jännitteet voivat, uskoakseni, olla vastustuskyvyn lähde.

Anton Kaestner