André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Tämä abstrakti veistos arvostetulta sveitsiläiseltä taiteilijalta André Ramseyerilta (1914–2007) on ostettu suoraan taiteilijalta noin vuonna 1970 ja on tyyliltään tyypillinen hänen geometrisestä abstraktiostaan Henry Mooren geometrisesta abstraktiosta saaneen vaikutuksen kautta. Tuon ajanjakson teokset keskittyvät “täyden” ja “tyhjän” väliseen vuorovaikutukseen, ja veistoksen pyöreä onkalo on hänen ilmaisunsa klassinen elementti. Vaikka hänen tunnetuimmat teoksensa on_roomattu pronssi, hän käytti myös kivilajeja kuten marmoria ja alabasteria. Tämä yksittäinen kappale näyttää olevan valmistettu kiillotetusta marmorista. Veistos on numeroitu 1/1 ja varustettu hänen tunnusomaisella monogrammillaan. Mitat: 28 cm pitkä, 18 cm korkea ja 12 cm syvä. Viimeiset kolme kuvaa ovat samalta ajanjaksolta olevia vastaavia töitä.

Perintö
Teoksen tekijän ateljee
Vliet-perhe, Eindhoven (1971)

TÄRKEÄ! Musta massiivinen pohja ei kuulu mukaan painon (>25 kg) vuoksi, ellei veistosta noudeta itse.

André Ramseyer
Enkel Ramseyerille veistoksellisuus oli todellinen kutsumuksensa: “En voinut tehdä mitään muuta. Kuuntelin sisäistä kutsua.” Tämän kutsun hän yritti vastata, ei ilman kipua: “Tavoittelee onnea, joka karkaa aina kun pääset lähemmäksi. Taiteilija jää aina vajaaksi siitä, mitä hän haluaisi saavuttaa. Se on lähde kärsimykselle ja samalla inspiraation lähde,” hän kertoi 90-vuotiaana Dominique Bosshardille (Neuchâtel Express, 31. tammikuuta 2004).

Opiskeltuaan Léon Perrinin (1886–1978) luona La Chaux-de-Fondsissa ja osallistuttuaan Montmartre’n ja Montparnassen vapaille akademioille Pariisissa, Ramseyer käsitteli ihmiskehoa sellaisessa tyylissä, joka heijasti hänen ihailuaan mestareita kuten Rodin (1840–1917) ja Maillol (1861–1944) kohtaan. Veistäjän viimeiseksi figuralliseksi teokseksi jäi The Bathing Woman (De Badende), joka katsoo uima-altaan yli Hôtel DuPeyrou’n puutarhan keskeltä Neuchâtelin kaupunkiin. Tämä oli uransa tärkeä virstanpylväs: ensinnäkin koska se oli hänen ensimmäinen suurempi virallinen toimeksiantonsa, toiseksi koska työhöön kohdistui vastustus. André Ramseyer joutui puolustamaan sitä vastustajajoukkoa vastaan, joka piti kiinni perinteisestä taiteesta. Teoksen paljastamiseen kului viisi vuotta, vaikka sen alkuperäinen suunnitelma olikin vuodelta 1948.

Työskenneltyään Ossip Zadkinen ateljeessa (1890–1967) Ramseyer siirtyi vähitellen kohti abstraaktiota. Parien hahmot, joita hän veisti, saivat yksinkertaistetut, hienostuneet muodot ja tilat kehon välissä. Hän tiivisti kehitystään seuraavasti:

"Vuonna 1948, De Badende Hôtel DuPeyrou’n jälkeen, etääntyin soikeasta taiteesta. Vuoden Pariisissa vietetyn ajan jälkeen työskentelin yhdessä veistäjä Ossip Zadkinen kanssa. Hänen vaikutuksestaan kehittyin vähitellen erääseen vapauden muotoon, jota niin paljon kaipasin." Ossip Zadkine säilytti edelleen figuralista veistosta, mutta hän antoi keholleen vapauksia, vapauksia joita olin omaksunut, kuten Troost-teoksessa, joka nyt seisoo Biel/Biennen kaupungin keskustap Layn aukiolla; se on edelleen miehen ja naisen kehon, mutta suurella vapaudella käsiteltynä.”¹

Kun Ramseyer uskalsi siirtyä kohti abstraktia, tämä taiteenlaji sai laajassa yleisössä ja jopa monien taiteilijoiden, kuten Charles L’Eplattenierin (1874–1946), Léon Perrinin (1886–1978) ja Paulo Röthlisbergerin (1892–1990) keskuudessa ankaran arvostelun. Ramseyer kertoo, että viimeinen, ollessaan Parizissa, oli houkutus maalata ei-figuraalista, mutta luovutti sen. “Seisoessani Marino Marinin veistoksen edessä sanoin jopa minulle: ‘Tämä ei ole meille.’” Mitä Léon Perrin mielipiteisiin tulee, hän arvioi entisen oppilaansa työn nyt “lapselliseksi, melkein turmiolliseksi!”²

Ramseyerin ystävät, kuten Georges Froidevaux ja Claude Loewer, jotka olivat myös siirtyneet kohti abstraktia taidetta, törmäsivät samaan ymmärtämättömyyteen: Neuchâtelin yleisö vain ei kiinnittänyt huomiota. Kuitenkin Neuchâtelin ja Jura alueet alkoivat 1950-luvulla tehdä jännittävän sisääntulon moderniin taidekertaan; veistäjä André Ramseyer oli yksi ensimmäisistä, jotka uskalsivat erota figuralisesta taiteesta ja antoivat kierroksilleen ympyrän uuden, henkilökohtaisen ulottuvuuden, vaikka hänen työnsä kaikautti Jean Arpin tai Henry Moore’n (jonka hän löysi Bernin kaupungin taidemuseosta vuonna 1950).

Nämä formaaliset tutkimukset kehittyivät yhä innovatiivisemmiksi, aina ottaen riskin loukata Neuchâtel’n yleisön herkkyyksiä, jossa suurin osa ei vielä ollut valmis abstraktiin taiteeseen. Niin Courrier de Genève kirjoitti vuonna 1960, veistoksen paljastamisen jälkeen Winterthur Insurance Buildingin julkisivulla Neuchâtelissa:

"Niille, joita kiinnostaa – ja uskomme, että heitä on paljon – haluamme muistuttaa, että veistoksen bronssikuvi on rakennuksen julkisivulla, veistäjä Ramseyerin taiteen motiivi, nimeltään Envol (Lennä). Tämä on hyvä tieto."³ Taiteilija halusi jälleen integroida työn arkkitehtuuriin. Ramseyer selitti tämän Neuchâtelin Feuille d’Avis de Neuchâtel -lehden haastattelussa:

“tässä modernissa, ulkoilman oloissa näkyvän rakennuksen tavoitteena oli valita yksinkertainen motiivi, joka on kaukaa näkyvissä ja myös autoilijoille, jopa niille, jotka ajavat nopeasti ohi.” Valitsin kierroksia, jotka kontrastina korostivat rakennuksen pystysuoria ja vaakatasoja. Oli välttämätöntä luoda kohoavaa rytmiä, tottelemaan julkisivun suurta kohoavaa liikettä ja pitkiä suorakaiteen muotoisia seiniä, jotka piti koristella. Haluan korostaa, että tämä työ – jota kutsuin Lennoksi – ei merkitse mitään. Se on veistoksellinen elementti, jossa on vain muotojen ja rytmien leikkiä. Nykyarkkitehtuura vaatii nykyaikaista veistotaidetta.”⁴

Ramseyer loi lukuisia monumentaalisia töitä ja oli vuoropuhelussa arkkitehtuurin kanssa. Hän pyrki aina sopeutumaan paikan henkeen, leikkimielisesti tilan, valon ja kyseisten paikkojen materiaalien kanssa. Olivier Bauermeisterin mukaan Ramseyern veistokset luovat hitaasti tilan, jota ne tarvitsevat, riippumattomasti alusta ja lopusta.5

André Ramseyer löysi omaperäisen tavan monistaa ympyrän muodon variaatioita. Hänelle “pallo oli kaikkien viivojen kaunein...” Hän asetti myös keskeiseen asemaan “tyhjyyden magian,” joka asuttaa muodon ja tunkeutuu siihen. Materiaalinen ja immateriellin ääripäät yhdistyvät näin. Taiteilija usein sanoi, että hänen teoksensa avautuvat tilassa, aivan kuten tila läpäisee ne. Hän halusi niiden “hohtavan sisältä päin.” Vuonna 1979 ilmestyneessä hänen elämäkerrassaan Marcel Joray kirjoittaa: “Keskusta muodostaa ympyrä, taivaan symboli, ja neliöstä syntyneet leikkaukset, maan symboli, moninkertaistuvat. Ympyrä tulee Ramseyerin veistosten keskeiseksi muodoksi, jotka tavoittelevat merkkiä, sielullistetun aineen.” Veistäjä toistaa tätä ion (L'Express, 31. tammikuuta 2004): “Teoksessa on aine, tila, valo, kaikki se, mihin sitä voidaan käyttää. Mutta siellä täytyy olla myös lisä, olennainen ulottuvuus, jonka minä nimittäisin hengelliseksi. Teos lähettää omat värähtelynsä.”

Cantata of Gates of Day (1988–1990) -sarjalla on oma ainutlaatuinen paikkansa hänen tuotannossaan. André Ramseyer kulki toistuvasti ystävänsä ja naapurinsa, kivikirjan veistäjän, luota piikkilevyjen ohi, joissa kumppaninsa tallensi työstöä työpajassaan. Eräänä päivänä hän tunsi tarpeen hakata näistä levyistä arkkitehtonisia muotoja ja lisätä hienoja gravyyrejä, kunnioituksena materiaalille. Tämä lähestymistapa aiheutti monille ahdistusta, ja taiteilijalle itselleenkin se oli vaikeaa.

André Ramseyer on puhunut teoksistaan kerta toisensa jälkeen, sekä haastatteluissa että luennoilla. Hän kirjoitti myös tekstit toisen osan elämäkerrasta, joka julkaistiin vuonna 1994 Éditions du Griffonin toimesta.