André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Tämä abstrakti veistos tunnetun sveitsiläisen taiteilijan André Ramseyerin (1914–2007) teoksesta ostettiin suoraan taiteilijalta noin vuonna 1970, ja se on ominaista hänen tyylilleen, johon geometrinen abstraction Henry Moore’n vaikutus oli voimakas. Tuohon aikakauteen kuuluva teos keskittyy “täyden” ja “tyhjän” väliseen vuorovaikutukseen, ja veistoksen soikeaa-ennä kehä koossa olevaa reikää pidetään hänen muodonkielen klassisena elementtinä. Vaikka hänen kuuluisimmat teoksensa monet valmistettiin pronssista, hän työskenteli myös kivien kuten marmorin ja alabasterin parissa. Tämä kappale vaikuttaa olevan kiillotetun marmorin kaltainen. Veistos on numerotettu 1/1 ja varustettu hänen tunnusmerkillään monogramminaan. Mitat: 28 cm pitkä, 18 cm korkea ja 12 cm syvä. Viimeiset 3 valokuvaa ovat samankaltaisista töistä samalta ajanjaksolta.

Perintö
Taiteilijan Ateljee
Familie von Vliet, Eindhoven (1971)

TÄRKEÄÄ !! Musta massiivinen pohja ei tule mukaan, koska sen paino on (>25 kg), ellei veistosta noudeta itse.

André Ramseyer
André Ramseyerin kohdalla veistoksen tekeminen oli todellinen kutsumus: “En osannut muuta. Totosin sisäistä kutsua.” Tämä kutsu, jonka hän koetti vastata, ei ollut kivutonta: “Tavoittelet päämäärää, joka etääntyy niin kauas, kun lähestyt sitä. Taiteilija on aina epäonnistunut siinä, mitä hän haluaisi saavuttaa. Se on kärsimyksen ja samalla inspiraation lähde,” hän kertoi 90-vuotiaana Dominique Bosshardille (Neuchâtel Express, 31.1.2004).

Opiskeltuaan Léon Perrinin (1886–1978) oppia La Chaux-de-Fondsissa ja osallistuttuaan Montmartren ja Montparnassen vapaille AKatemioille Pariisissa, käsitteli André Ramseyer ihmiskehoa tyylissä, joka heijasti hänen ihailuaan mestareita kuten Rodin (1840–1917) ja Maillol (1861–1944) kohtaan. Kuvanveistäjän viimeinen figuralinen teos on De Badende, joka katselee uima-allastä Hôtel DuPeyrou’n keskellä olevan puutarhan keskellä Neuchâtelin kaupungissa. Tämä oli uransa merkittävä virstanpylväs: ensinnäkin siksi, että se oli hänen ensimmäinen suuri virallinen toimeksianto, ja toiseksi siksi, että teos herätti vastustusta. André Ramseyerin piti puolustaa sitä vastustajajoukkoa vastaan, joka piti kiinni perinteisestä taiteesta. Teoksen paljastuminen kesti viisi vuotta, vaikka taiteilijan alkuperäinen projekti olikin jo vuodelta 1948.

Ollessaan Ossip Zadkinen (1890–1967) ateljéissä työskentelyn jälkeen Ramseyer siirtyi vähitellen kohti abstraktiota. Pariskuntien hahmot, joita hän veisti, saivat yksinkertaistetut, hienostuneet muodot ja tyhjät tilat kehojen välissä. Hän kertoi kehityksestään seuraavasti:

"Olin vasta vuonna 1948, De Badende -teoksen jälkeen Hôtel DuPeyrou’lla, irtautunut figuratiivisesta taiteesta. Viettäessäni vuosi Pariisissa työskentelin yhdessä kuvanveistäjä Ossip Zadkinen kanssa. Hänen vaikutuksestaan kehityin vähitellen erästä vapauden ilmaisua kohti, jota olin niin kaivannut." Zadkine pysyy figuralisena kuvanveistäjänä, mutta hän ottaa vapauksia ihmiskehon kanssa, vapauksia, joita olen omaksunut, kuten Troost-teoksen kohdalla, veistos, joka nykyään sijaitsee Biel/Bienne-aukion keskellä; edelleen se on miehen ja naisen keho, mutta suurella vapaudella käsiteltynä."¹

Kun André Ramseyer ryhtyi kohti abstraktiota, tätä taiteenmuotoa tarkasteltiin laajalti suuren yleisön sekä monien taiteilijoiden, kuten Charles L’Eplattenierin (1874–1946), Léon Perrinin (1886–1978) ja Paulo Röthlisbergerin (1892–1990), keskuudessa erittäin ankarasti. Ramseyer kertoo, että viimeinen, Pariisissa oleskellessaan, oli houkutuksesta maalaamaan ei-figuralistisesti, mutta hän luopui siitä. “Seisoin Marino Marinin veistoksen edessä ja hän sanoi minulle: ‘Tämä ei ole meille.’” Léon Perrin taas piti entisen oppilaan teosta nykyään “lapsellisen, lähes tuomittavan!”²

Ramseyerin ystävälliset taiteilijakaverit, kuten Georges Froidevaux ja Claude Loewer, jotka olivat myös kääntyneet abstraktin taiteen puoleen, törmäsivät samaan ymmärtämättömyyteen: Neuchâtel’n alueella yleisö ei vain kiinnittänyt huomiota. Kuitenkin Neuchâtelin ja Jura alueilta tuli 1950-luvulta lähtien räjähtävästi läpi modernin taiteen aikakaudelle; kuvanveistäjä André Ramseyer oli yksi ensimmäisistä, jotka uskalsivat erota figuralisesta taiteesta ja antoivat cirkkeleiden tutkimuksilleen henkilökohtaisen ulottuvuuden, vaikka hänen teoksissaan kuului yhä Jean Arpin tai Henry Moore’n (jota hän löysi Bernin Kunstmuseumin vuonna 1950) kaiun.

Nämä muodolliset tutkimukset kehittyivät yhä innovatiivisemmiksi riskinä loukata Neuchâtelin yleisön herkkyyttä, joka oli pitkälti vastahakoinen abstraktin taiteen suhteen. Esimerkiksi Courrier de Genève kirjoitti vuonna 1960, kun uusveistoksellinen veistos paljastettiin Neuchâtelin Winterthurin vakuutusyhtiön rakennuksen ulkoseinällä:

"Niille, jotka ovat kiinnostuneita – ja uskomme, että heitä on monia – haluamme huomauttaa, että rakennuksen julkisivun pronssikuvio, jonka veistäjä Ramseyer on luonut, kantaa nimeä Envol (Pako). Tämä on hyvä tietää."³ Taiteilija halusi edelleen integroida työn arkkitehtuuriin. Ramseyer selitti tämän Neuchâtelin Feuille d’Avis de Neuchâtelissa:

“Tämän selkeästi modernin rakennuksen tarkoituksena oli valita yksinkertainen motiivi, ulkona näkyvä ja autoilijoidenkin, jopa niille, jotka kulkevat nopeasti ohi.” Hän valitsi ympyräkehityksen leikin, joka korosti rakennuksen pystysuoria ja vaakasuuntaisia linjoja. Oli välttämätöntä luoda kohoava rytmi, totteleen julkisivun ja pitkän suorakulmaisen seinän koristelua varten. Haluan korostaa, että tämä teos – jota kutsuin Pako – ei esitä mitään. Se on veistoksellinen elementti, jossa on vain muotojen ja rytmien leikkiä. Nykyarkkitehtuuri vaatii nykyaikaista veistotaidetta.”⁴

Ramseyerin tuotantoon kuului lukuisia monumentaalisia töitä, ja hän loi dynaamisen dialogin arkkitehtuurin kanssa. Hän pyrki aina sulautumaan paikan hengen mukaan, leikkimään tilan, valon ja paikkojen materiaalien kanssa. Olivier Bauermeisterin mukaan Ramseyersin veistokset tuottavat “hiljalleen tilan, jonka ne tarvitsevat, aloitteen ja lopun katkeamattomassa liikkeessä.”5

André Ramseyer löysi Ainutlaatuisen tien monistamalla ympyrän muotoa. Hänelle “kuula on kaikkien viivojen kaunein…” Hän antoi myös keskushenkilön tolppansa “tyhjiön magialle”, joka asuu ja tunkeutuu muotoon. Materiaalisen ja immateriaalisen ääripäät kohtaavat näin. Taiteilija usein sanoi, että hänen teoksensa kehittyvät tilassa, juuri kuten tila ne läpäisee. Hän halusi niiden “säteilevän sisältäpäin.” Vuoden 1979 taiteilijankäsikirjassaan Marcel Joray kirjoittaa: “Muodot, jotka syntyvät ympyrästä, taivaan symboli, ja neliöstä syntyvät leikkaukset, maan symboli, moninkertaistuvat. Kierteinen ympyrä tulee Ramseyerin veistosten keskeiseksi muodoksi, joka pyrkii löytämään merkkinä, henkistyneen aineen.” Veistäjä toistaa tämän kohdan (L’Expressissä, 31.1.2004): “Teoksessa on aine, tila, valo, kaikki ne taidot, jotka siihen voidaan upottaa. Mutta täytyy olla lisäksi oleellinen henkinen ulottuvuus, jonka minä nimittäisin hengelliseksi. Teos lähettää omat värähtelynsä.”

Cantata of Gates of Day (1988–1990) -sarjalla on oma ainutlaatuinen paikkansa hänen tuotannossaan. André Ramseyer kulki useamman kerran graniittilevyjen ohi, joita hänen naapuri oli varastoinut työpaikallaan. Eräänä päivänä hän tunsi halua louhia arkkitehtonisia muotoja näistä levyistä ja lisätä niihin hienovaraisia kaiverruksia, kunnioituksena aineelle itselleen. Tämä lähestymistapa herätti monille huolta, ja jopa taiteilijalle itselleen se oli vaikeaa.

André Ramseyer puhui teoksistaan useaan otteeseen haastatteluissa ja luennoilla. Hän kirjoitti myös tekstit taiteilijan toisen osan monografiasta, jonka Éditions du Griffon julkaisi vuonna 1994.