Sergio Romiti - Catalogo ragionato dei dipinti - 2019

Sergio Romiti. Laskelmallinen catalogus Sergio Romitin maalauksista (Bologna, 1928-2000). 2 teosta yhteensä 992 sivua, esittelee taiteilijan arkistoidun tuotannon (1.640 mustavalkoista reproduktiota ja 137 värityöuutta). Julkaisupakkauksessa. Erinomainen kunto - reunakantta pientä taittoa. Myynnissä ilman minimihintaa!!!!

Sergio Romiti (Bologna, 14. huhtikuuta 1928 – Bologna, 12. maaliskuuta 2000) oli italialainen taiteilija. Hän ei koskaan liittynyt mihinkään ryhmään. Hän aloitti maalaamisen vuonna 1946. Vuonna 1947 hän osallistui aktiivisesti taide-elämään. Montale on määritellyt hänet ”tunnistettavaksi tuhannen joukossa”.

Biografia

Sama aihe tarkemmin: Sosiialistinen realismi.
Jo vuonna 1946 hän omistautui maalaamiselle. Hänen tulo taiteelliseen elämäänsä ajoittuu vuoteen 1947, kunnes hänen lopullinen taiteellinen kasteensa tapahtui vuonna 1948, jolloin hän osallistui Bolognaissa järjestettyyn Ensimmäiseen kansalliseen nykytaiden näyttelyyn. Näyttely on tärkeä, koska siihen osallistuvat keskiluokan sukupolven kaikki taiteilijat (Birolli, Guttuso, Cassinari, Corpora, Afro, Santomaso, Vedova, Mirko, Fazzini, Minguzzi) ja vielä merkittävämpää, koska se toimi syynä Togliattin voimakkaalle julkilausumalle modernin taiteen modernina taiteena, joka ei vastaa sosialistisen realismin ihanteelle. Tämän hyökkäyksen jälkeen taiteilijat jakautuivat: osa halusi pelastaa, mitä pystyi -kuten Guttuso- ja toiset halusivat ryhtyä toisenlaiseen kirjoittamiseen – kuten Forma-ryhmä– , ollakseen puolueen jäseni mutta ilmaista itseään uudella tavalla. Romiti ei ottanut kantaa, sillä hänellä ei ollut sekä realismin että abstraktin taiteen tavoitteita, eikä hän ollut puolueen jäsen. Seuraavana vuonna hän esitteli Rooman Secolo-galleriassa Vacchi ja Barnabè kanssa. Vuonna 1954 hän voitti ostopalkinnon toisessa Grazioso Spoleto -palkinnon osakilpailussa.

Hän pysyy italialaisen taidemaailman ykköspaikalla ja vuonna 1960 hän sai tilan Venetsian biennaalissa henkilökohtaisesti. 60-luvun jälkeen hän vie taiteellista polkuaan äärimmäisyyksiin. Ei koskaan poissa kotoaan, paitsi lyhyesti, ja viettäen eristäytynyttä ja yksinäistä elämää, hän päättää elämästään 12. maaliskuuta 2000.

Se Bologna Sergio Romiti
Taiteellinen maailmankuva
Aloittaen persoonallisen neo-pikassismin (viidenkymmenten alussa) Romiti reagoi kotiseudullaan istuvien Giorgio Morandin ilmaisu- ja runokuvakoodiin. Vuonna 1954 taiteentutkija Arcangeli sisällytti - epätarkasti - meidän Ultimi Naturalisti -kategoriaan Paragonen julkaisuun. Vaikeasti tulkittava maalari sijoittuu Morandin ja informellin väliin tai - kuten hän itse mielusti toisti - Morandin ja Paco Rabannen välimaastoon. Hänen taiteensa käyttää esineen metaforaa premissana: havainnoitava esine toistetaan teoksissa, mutta läpäisevänä mielensisäisyyden ulottuvuudella, joka vie voiton lähtökohtana pidetystä. Toistettu esine on kuin tislatun kaltainen ja esitetään terävällä tuoksulla, joka synestetisesti helpottaa esineelle tapahtuneen hajoamisen iskua. Hyökkäys osoittautuu järjestelmälliseksi vuodesta 1955 alkaen. Tätä ennen hänen teostensa henkinen ja rakenteellinen rytmi on vahva. Myöhemmin rakenne menettää selkeytensä, esineen ja taustan määrä alkaa näyttää epäselvemmalta, objekti-kuori laajenee ja tislaantuu. Subtraktion opettajien ohella alkaa käsitellä myös värejä: 1948-1949 teurastamoiden punaista, sinivihreää keittiöissä, hyllyillä, pöydillä ja myöhemmin silityssaleissa, joista saavutetaan 1960 valkoinen ja musta, johon loogisesti jatkuvat vuoteen 1965 saakka, jolloin värikohtien, lepähdysten lopulta lähes täysin mustat, ja kehnon sävyt valon pienestä ketjutuksesta katkaisevat teoksen tunneliin, jonne taiteilija on väistämättä astunut. Nyt esine on imeytynyt taustaan, esineestä on tullut tyhjiö, pehmeät siveltimenvedot kantavat alhaista ph:tä. Tämä polku kuljettaa myös kirjallisella alalla Ungarettin ja Montalen kanssa; viimeksi mainittu kirjailija määrittelee Romitin maalausta tunnistettavaksi tuhannen joukossa. On aika, jolloin taiteilija lopettaa maalaamisen, ehkä siksi, että hän on kokenut lähentyneensä hänen taiteellisella matkallaan kohti nollaa. Mutta kykenemätön pysymään poissa maalaamisesta, hän palaa varpailleen yrittäen jatkaa polkuja, jotka ovat näennäisesti katketut vuonna 1965. Vuosi 1976 on tärkeä retrospektiivi Nostron Bolognaassa Maurizio Calvesin toimittamana. Tämän jälkeen, turhautuneena viimeaikojen töiden ymmärtämättömyydestä, hän kokee katkera, emotionaalinen myrsky joka päättyy tarkoituksella vuoteen 2000. Vuonna 2006 Bologna-säästöpankin säätiö järjestää hänen retrospektiivin, tarjoten myös julkaisemattomia teoksia. Vuonna 2008 vietetään taiteilijan syntymän 80-vuotispäivä.

Toinen lukutapa. 60-luvulta lähtien Sergio Romiti pyrki palauttamaan maalaamiseen tilaa, jonka uskoi menettäneensä yleisesti vallitsevan taiteen – Tapién määritelmän mukaan – Informelin (hallitsevan taiteen) vuoksi: hän eteni pikku hiljaa kohti vaikutelmaa “gravitas” mukaan, kuitenkaan unohtamatta muodon keveyttä – ja jopa sen “epävarmuutta” – joka hänelle oli luontaista. 60-luvun alussa esitellyt teokset muodostuivat suurelta osin pehmeästä harmaasta väristä, mustien tai punaisten kärjillä. Ilmeinen vastustus informellille taiteelle johti kuitenkin siihen, että jotkut kriitikot syyttivät häntä “vastustavaksi modernismille”. Dekadeilla hänen maalauksensa osoitti yhä ilmeisempää julmuutta vedossa (joka oli edelleen uskollinen perinteisille maalaamisen välineille ja jopa pienessä- tai keskikokoisessa muodossa), mikä osoitti pyrkimystä “rajoittaa” Informeliä ilman, että hän seuraisi figuralismia, tai luo rakennetta jossa muoto osuu geometrian kaltaisesti maalausten kirjoitukseen: muoto säilyttää sisäisen ja välttämättömän osan teosten “sydämestä”, missä voi nähdä “jarrutuksia” (ja “kiihdytyksiä” ja “sirinä” eli dynaamisuutta), joita taiteilija on viitannut näihin maalauksiin kuvaillessaan, jotka aiemmin luokiteltiin “mustiksi” niiden domineerinä värinä. Erityiset kerrostumat ja liukenemiset, äkilliset sytytykset tai pimeydet voisivat viitata psyyken monimutkaisiin liikkeisiin, kuvaa sisäistä toimintaa jota kutsutaan “tietoisuuden virraksi”. Mutta ottaen huomioon hänen myönnytyksensä, Romiti tarkoitti erityisesti tehdä väkivaltaa siihen “tuhkaan”, jossa elämä menettää erityispiirteensä ja uhkaa muodostua, juuri pölyksi tai hajoamiseksi, ei riittävästi taiteilijan kriittisellä/formaalisella vaikutusvallallaan, ennen kuin kuoleman lopulliseen diffuusioon – kyvyn täyttymiseen – jokainen syntymässään ollut lahja toteutuu täysimääräisesti. Kuitenkin hänen maalauksissaan esiintyvä “dynamismi” näyttäytyy aina enemmän kuin “toisen puolen” vastakohdasta kohti informellia, voimaantunutta väkivalloin elämään: se voi toimia ainakin erilaista “häpäisevää kokeilua”. Todellakin, jos toinenkin pyrkimys – elinvoimaisempi liike tai “kivihiilen” tuhkainen staattisuus – käy liialliseksi, liikaa nykyhetken ääntä – silloin nykytaide, jonka monet tutkijat ovat valittaneet, voittaa. Romitivä kuitenkin säilyttää tarpeen, kiistelty ja elossa oleva, löytää uudelleen “realiteetin” esineet (joita muotojen yleisyyden ja tunnistettavuuden tavoin oli jo “kadonnut”) uudelleen “herkiksi hänen katseelleen”. Mutta näinä vuosina vain varjo ja valo vaikuttavat ottaneen paikkansa. 70-luvulla öljymaalauksissa korostuu nykyhetken “johdonmukaisuuden absoluuttistaminen”, mihin liittyy hyökkäävää potentiaalia. Viimeisen kahden vuosikymmenen aikana kohtaamme pelottavan olotilan hänen olemassaolossaan, elämänvaihe vaihtelee valon ja varjon välillä, ja teokset paljastavat tämän, mutta ne vetävät puoleensa vähemmän lujuutta elämän yhdenmukaisuuden ja radikaalimpaan ”myöntöön”. On edelleen “esineen odyssey” ja – joskus äärimmäisen – “liike” (orjuuden ylpeys ottaa sen haltuunsa!). On kuitenkin rinnalla joitakin tunteellisuuden yliherkkyyksiä tai vähemmän havaittavaa “selkeyttä”, korostunut vetovoima toiseen, metafyysiseen horisonttiin. Tosin, uuden löytämisestä “maalauksen onnellisuudesta”, jossa nykyhetki – ei koskaan vältettävissä – muuttuu laboratorioksi ajan muille, on tullut entistä väkevämpi olemassaolon ulottuvuus rinnalle, joka voisi kutsua vastakkaisena olevaksi “kehitykseksi”. Tämä ulottuvuus tulee näkyvämmäksi viimeisissä akryyleissä, juuri taiteilijan halusta palauttaa mahdollisimman täydellisesti “koko todellisuus”: underground – ja yksinkertaisempia ja lapsenomaisia fantasioita, ja ylinnäkseen transcendenssikäsityksiä sekä edelleen “liike” ja immanenssi – mukaan lukien.

Lähteet: Kritikko Giovanni Maria Accame on äskettäin esitellyt Bologna kaupungin Taidekerhossa Sergio Romitin teoksia hänen kuolemansa kymmenvuotisjuhlien yhteydessä. Esityksen teksti on sisällytetty cd-levylle Circlon Galleriassa.
G. M. Accamen tekstistä “L'equilibrio minacciato”: “Sergio Romiti ja tulevaisuuden kuva”, G. G. R.

Nykyäänkin olemme jossain vaiheessa, jossa sanallisen ilmaisun käyttö on eräänlainen auroraalinen ja amatööritasoinen vaihe. Tästä syystä tunnen suurta vaatimattomuutta nimittääkseni itseni “runoilijaksi”, joka rinnastaisi sanansa Sergio Romitin aviomiehen maalauksiin. Ja kuitenkin tunnen itseni pakotetuksi tehdä niin – vain vähän esimerkkejä kirjoituksistani, ja altistuen syytöksille turhamuudesta tai pahemmasta – erityisesti johtuen kokemuksesta, joka osoittautui meille tärkeäksi ja epätavalliseksi “suhteeksi” tämän elämän aikana. En myöskään luovu kehittämästä tätä tarkoitusta kohti ohittamatta epäilemättä keskeistä arkaarta (60–70-luvut) Giovanni M. Accamen (sekä Gisella Vismaran) äärimmäisellä havainnolla ja osallistumisella, astuakseni Romitin viimeisille vuosille (80–90-luvut): tekeleet, jotka voivat olla enemmän improvisoituja sanoi, ja kuitenkin läpikotaisin luovan tutkimuksen läpäisemä, ja juuri äskettäin esillä Michela Scolaròn kuratoimassa näyttelyssä Bologna Fondazione Del Monte -säätiössä. Nämä vuodet ovatkin – näiden aikojen – jolloin minun silmieni kautta Accamen intuitio “liikkeestä”, joka näyttää elävän teoksissa, tarkentuu. Ja luo tasapainottavan vaihtelun, liikkeen idean ja olemattomuuden (tai ajattomuuden) välillä, mikä korottaa “narratiivisen syntaksin”, joka ei ole enää vanhan taiteen kaltainen (kuten Lavagetto muuten sanoi Marcelista). “Liike” ja “katkonaisuus” Romitissa löytävät vastaavuutta Ison Proustin minän loputtomiin haarautumiin – toisenlaisen, ei-ihmisen, todellisuuteen pysyvyyteen rakentuvan pysyvyyden hakemuksessa. Saan luvan hakea Romitin maalauksille samanlaista kriittistä mittaparia kuin Lavagetto minulle opasti, sekä todistaa, että hänen itsekeskeisyyteensä ja omaan universumiinsa nojaaminen – joiden vuoksi jotkut ovat häntä moittineet (ei välttämätöntä, erityisesti taiteilijan kuuleminen ja jopa itsensä rakastaminen) – tapahtuu myös hänessä hyväksyä toista ja kaikkien maailmaa (“je qui n’est pas moi” Lavagetton mukaan Proustille, sekä “je est un autre” Rimbaud, joka mainitaan Scolaron Romitin yhteydessä). Hänen luonteensa (myös osittain aikakauden “esteettinen ilmapiiri”) vahvistuu satunnaisissa ja väliaikaisissa pohdinnoissa, joita tarjotaan lukijalle (jokin “pienemmän kielenkäytön” viittauksena Accamelta), jotka viittaavat hänen maalaustaiteeseensa, ja jotka liittyvät hänen taiteensa “tasapainoon, jota uhmaa” otsikon kautta. Mutta… tasapaino ei katoa. Ehkä jopa säilytetään koherentimmaksi lähestymistavaksi todellisuuteen: Romiti, niin järkevästi “heiluvana” sekä nykyisyyden että klassisyyden suhteen, on välittänyt taiteensa kautta vakaata kuvan tulevaisuudesta, jättäen meille perinnöksi konkreettisen “hyväksynnän” – selkeimmin nähtävissä “musta-kuvissa” – 1900-luvun avant-garde, ei kuitenkaan luopuen tarpeesta säilyttää unohtumattoman muistion aikaisiin vuosiin ihmisyytemme historiassa.
Romiti ei ollut kadonnut ulkoisesti matkalla, vaan hänen polkunsa ei koskaan pettänyt hänen sisintä, mutta usein väärinymmärrettyä kutsumaansa kutsumusta, joka viittaa myös meille – elämän yhteispelin – kokemukseen, joka muuttui taiteen aikakausiksi. Ja päinvastoin.